El Caleidoscopio de Lucy

Plegaria para el Flaco querido

2012-02-11T12:52:00.006-03:00

Qué tristeza inmensa! ¿Podría iniciar alguna frase sin decir lo que siento? Imposible. Me seco las lágrimas. Se fue el Flaco. Por Dios…que difícil que escribir.

Abrí la compu para trabajar y leo que EL no está, que partió. Juro que grité “No es posible”. ¿Cómo se puede morir “El Flaco”? Un hombre digno, un músico con mayúsculas, que ya no esté. Me siento niño, indefenso, desprotegido. Con bronca y odio ante aquello que nos va a llegar a todos, con noticias que nos hacen doler el alma y llorar. Porque El Flaco es de esos tipos que uno no cree que pueda “no estar”, como esos héroes eternos u oráculos a los cuales apelar en momentos de confusión.

Luis Alberto combinaba misterio y sabiduría. Marcó con su poesía no solo el espectro de la música de la cual será, sin dudas, uno de los músicos más importantes de la historia argentina, sino también el de la cultura toda. Su influencia es reconocida por artistas de las más vastas disciplinas.

No puedo dejar de recordar cuando lo fui a ver con las Bandas Eternas. Temblaba como un crio. ¡Por fín iba a ver Pescado Rabioso! Y el hermoso placer de Invisible, que sonó como si nunca se hubiera separado. Cuanta emoción…y ahora, un momento inolvidable, que se resignifica por esta actualidad perversa, es cuando él y su hijo pródigo, un tal Gustavo Cerati, cantaron “Bajan”.

Allá lejos, por el 96, fue otro momento sublime, el verlo con los Socios del Desierto y más aún, cuando me mandaron unos amigos, un cassette por correo mientras deambulaba por otros lares. Todo un flash escuchar temas como “Cheques” en Jerusalén, o emocionarme con “Bosnia”, mientras daba vueltas con una mochila por Berlín.

Hay artistas que, a través de sus obras, terminan siendo la banda de sonido de uno. Luis Alberto fue uno de los de la mía. Más de una vez, soñé con alguna señorita que sea merecedora de “Seguir viviendo sin tu amor”, o inclusive conocer a alguna que se llame Ludmila para dedicarle el tema homónimo. Cursilerías todas que uno tiene para ese tipo de momentos.

Son las 19.30 y todos los medios se hacen eco de lo ocurrido. Parece que TN tiene un poco de sentido común y hace callar a Mariana Mactas –que tiene tanto rock, como futbol la revista Cosmopolitan- para pasar la música del Flaco sin ningún tipo de testimonio. Otros canales hablan con distintas personalidades de la música para ver que opinaban sobre lo ocurrido. También aparecieron los “buitres” como bien dijo Luis Alberto, como el insufrible de Mauro Viale esbozando una explicación sobre el fenómeno del rock -movimiento que, dice "no entender" ("lo mio siempre fue más para el lado 'testimonial', como Serrat" -sic-) o Crónica, como de costumbre, en ese universo paralelo en el que habita, con Anabela Ascar y un concierto de armónicas de distintos tamaños. Me gustaría saber que estará pensando Fontevecchia y la revista Caras para realizar la cobertura…

Escribo estas líneas y me siento errático. Empiezo a escribir, paro y vuelvo a retomar. Lo necesito como catarsis frente a la tristeza de una pérdida irreparable. Siento que el faro se apagó pero que su luz iluminará por siempre, con esa mueca de brillantez que nunca pasará de moda.

Qué puedo decir? Gracias Flaco querido, por habernos iluminado por tu música y tu poesía. Tu legado nunca será olvidado…tal como nunca lo serás vos…..Gracias, Eterno Flaco, Luis Alberto Spinetta.

El Caleidoscopio agradece a la artista Jackie Miasnik por sus ilustraciones y su colaboración para esta nota. Jackie, sos grossa!

Diego Gentile: “Toc Toc es increíble y sorprendente”

2012-02-11T12:44:00.004-03:00

Uno de los mejores actores de teatro del pasado año dice “presente”. Diego Gentile desmenuza el fenómeno de “Toc toc” y su gema del teatro off llamada “Matar cansa” al tiempo que cuenta que planea hacer más teatro y un serie para internet.

-Después de un año del estreno, ¿cómo ves el camino que hizo "Toc Toc"?

-Este primer año de “Toc toc” fue increíble; me tomo por sorpresa, y esas son las cosas que uno disfruta más, las que te pasan inesperadamente. La gente respondió desde el primer día. Apareció una obra con el tema que la gente necesitaba, casi de una manera catártica. Las reacciones de la gente es casi como la del publico de un recital de rock, y nosotros desde arriba del escenario no paramos de asombrarnos y celebrar.

- ¿Cómo recordás la primera vez que leíste el texto?

- Cuando leí la obra por primera vez me pareció que era una idea buenísima, encerrar en un cuarto a seis pacientes con distintos tocs a la espera de un doctor. Creo que Lia con el material monto un gran juego, con un gran dinamismo, y que el elenco tenía ganas de jugar.

¿Qué elementos tomaste y desarrollaste para hacer tu personaje, obsesivo por el orden?
- Elementos creo q ninguno, solo estar dispuesto a confiar en los compañeros; después estaba todo en las características del personaje dadas por las situaciones; es un pibe que no puede pisar rayas y el piso del consultorio esta lleno de rayas.

- ¿Qué diferencias encontraste entre el público que va a ver la obra estando de vacaciones en Mar del Plata y durante el año en Buenos Aires?
- El público de Mardel entra ya riendose, sabe q va a ver una obra que le dijeron que era para morirse de risa. Entran ya sonriendo, le sacan fotos a la escenografía vacía. Es un público en su mayoría de vacaciones, con ganas d disfrutar cada minuto; a la salida lo mismo, se sacan fotos con nosotros y nos dicen de que provincia viene cada uno. Me encanta.

- Uno de los puntos sobresalientes de Toc Toc es el respeto con el que se toma una enfermedad para hacer una comedia...como lo viste eso?

- Lo del respeto con que se trata una enfermedad como el trastorno obsesivo compulsivo es algo que siempre el público nos agradece. Incluso gente que lo padece por no solemnizarlo y que el humor funcione como distancia del dolor, sin faltar el respeto.

- ¿Cómo es la devolución del público al término de la función? Te tocó alguna situación en particular?
- Lo que pasa con la gente y “Toc Toc” nunca me paso en teatro. Se generó una popularidad que da la tele, pero con el teatro. Me gritan por la calle “No pises las rayas!” jajajaja, en cualquier hora del día. A la salida te agradecen que los hayas divertido, y ver en gente adulta expresiones de nenes es lo mas !!!

Intermedio: Diego Gentile es un actor de esos que ha transitado todos los lugares habidos y por haber dentro de la escena teatral. Por eso es que su experiencia y su talento le permiten la versatilidad necesaria para saltar de un obsesivo compulsivo a un asesino serial. A Diego se lo nota entusiasmado, con muchas ganas para afrontar un 2012 que lo va a tener activo en muchos frentes. Felíz y verborrágico, habla sobre su futuro inmediato.

- ¿Cómo surge la posibilidad de hacer "Matar cansa" -foto izquierda-?
- El director Martín Flores Cárdenas me convoco para una obra que al final no hicimos juntos. Le comentó a Santiago Loza, el autor, una idea que tenía sobre alguien que admiraba a un asesino y así fue que Loza escribió el monologo pensando en mí. Se armó un pequeño grupo de trabajo increíble; nos metimos con algo oscuro de una manera absolutamente luminosa. Este laburo fue de los más relajados y sensibles en los que participe.

- Hubo quienes asociaron tu personaje a Robledo Puch, entre tantos....
- Creo que Loza tomo varias características de varios asesinos, y los mezclo para armar este otro asesino que mi personaje admira; entre ellos Robledo Puch.

- Es tu primer unipersonal, no? ¿Cómo fue este desafío?

- Era algo q me daba curiosidad y miedo, una combinación perfecta jejeje. El texto me parece genial. Tenía ganas de trabajar con Martín Flores Cárdenas y confiaba mucho en su mirada; lo q paso con las críticas y la gente después fue genial, estoy muy feliz con este laburo, muuuuuy feliz.

- ¿Cómo es salir de un personaje con trastorno obsesivo compulsivo a un asesino?
- Es genial hacerlos en paralelo, “Toc Toc” es una comedia de situaciones absolutamente brillante y “Matar cansa” es poéticamente oscura. Me encanta hacerlas en la misma época de mi vida. Son un complemento ideal. El unipersonal me demanda una concentración y un trabajo casi artesanal, y “Toc Toc” es mas de juego, de salir, mirar a los compañeros y pasarla bien contando la historia.

- Te sorprendió la unanimidad de las críticas favorables para “Toc Toc” y también para "Matar cansa" (si es que se puede usar el término "sorprenderse")

- Tanto para “Toc Toc” como para “Matar cansa” todas, absolutamente todas las críticas fueron muy buenas. No se si me asombro. Sabía que ambas eran cosas que estaban bien hechas, que habíamos trabajado mucho; y que lo vean los demás ese esfuerzo y les guste mucho, siempre es gratificante.

- Las mujeres hacen mucho más unipersonales que los hombres que, en mayor medida, a lo sumo se vuelcan al stand up. ¿Qué opinás al respecto?
- Nunca lo habia pensado... mmm... Me parece que se está repartiendo todo. Hay muchas chicas que hacen stand up por ejemplo. Estamos todos muy contentos haciendo de todo!

- Planes para el 2012?
- Arranco el 2012 con “Toc Toc” en Mardel a full, y a partir del 4 del abril volvemos al Multiteatro; “Matar cansa” vuelve a partir de mayo los lunes en el Espacio Callejon. También vamos a reestrenar “Teatro para pajaros”, de Veronese. Calculo que los martes en la reapertura del Teatro Picadero, y seguramente grabemos la temporada 3 de “Plan V”, que ya esta escrita.

- Cómo es volver con "Teatro para pájaros"? -la vi en el Teatro del Pueblo!-. ¿Vuelve con elenco original?
- “Teatro para pajaros” vuelve con el elenco original aunque, en vez de Paola Barrientos lo hace Marina Bellati, que lo reestreno en Fuga Cabrera, la segunda temporada. Es una obra de amigos. La pasamos muy bien haciéndola que cada vez que nos juntamos a comer deciamos, “La tenemos q volver a hacer !!!” Hablamos con Veronese y con Blutrach, productor de “Toc Toc” que acaba de comprar el Picadero, y así salió reestrenar.

- Contame un poco como viene lo de "Plan V"

- De “Plan V” no se mucho detalle. Sé que aparecen nuevos personajes y que la gente la está esperando mucho. Es una serie para internet que arranco como algo chiquito y se volvió de culto; con una respuesta de la gente q nos sorprendió, por inesperado, como te decía al principio con “Toc Toc”.

- La última, si tuvieses la chance de hablar con el Diego Gentile que recién empezaba con la actuación, ¿qué le dirías? ¿Algún consejo? ¿Alguna recomendación?
- Que difícil! A ver... Lo miraría a los ojos sonriendo y le diría: “Dieguito, preparate porque es un camino de constancia y paciencia y muuuucho esfuerzo, y la vas a pasar geniaaaaaaaaaaaaal

“Toc Toc”. Teatro Neptuno. Santa Fé 1751. Mar del Plata. Martes a domingos, 21 hs.

Pocholo y sus pompas múltiples (Teatro)

2012-02-11T12:35:00.002-03:00

Uno y el universo

Dramaturgia: Alfredo Megna. Con Néstor Navarría. Diseño de luces: Pablo Quiroga. Diseño de imagen: Tomy Megna. Asistente de producción: Ana Laura Schechtel. Asistencia de dirección: Lorena Szekely. Producción: Gabriela S. Giba. Dirección: Leonardo Odierna.

Belisario Teatro. Av Corrientes 1624. Viernes, 23.30 hs.

Se ha dicho desde tiempos inmemoriales que el teatro se puede hacer con un hombre que tenga algo que decir y expresar. Ese tipo de experiencias despojadas, sinceras y viscerales se dan de tanto en tanto asi como el despliegue escénico y físico que realiza el actor que se tome dicho trabajo. Con “Pocholo y sus pompas múltiples” podemos apreciar lo dicho líneas arriba con un trabajo en el que se combina un texto de excelente factura, un actor que pone el cuerpo –literalmente hablando- a la composición de los diversos personajes y una iluminación que es parte fundamental en la creación de los distintos ámbitos por donde transcurre la acción.

Néstor Navarría crea todo un universo en el que Tintin y Pocholo son dos caras –quizás- de una misma moneda, pero con distintos matices. Mientras Tintin es sodero por herencia, Pocholo se dedica al pensamiento. La rica dramaturgia de Alfredo Megna dotó de variadas situaciones para las cuales Navarría pueda dibujar las particularidades de los múltiples personajes. Si Tintin está en la dicotomía de vender o no al monopolio la sodería paterna, también lo estará en su relación con su amada Wanda, mientras Pocholo y Homero son los testigos privilegiados de este mundo. A esto hay que sumarle el rasgo de cientificidad que le da Megna con una dramaturgia que incluye a la teoría de los universos paralelos entrelazándose con la mecánica cuántica. La gran virtud es la forma en que estas teorías se hacen carne en la cotidianeidad del puesto de trabajo de un sodero y la relación que establece éste con los personajes de su universo.

La excelente iluminación es la que constituye el ámbito adecuado para que Navarría despliegue su talento para la creación de todos los personajes que conforman la obra. De más está decir que el escenario está absolutamente vacío por lo que la experiencia de la aparición de toda una serie de situaciones frente al espectador, es otra de las tantas virtudes que tiene la obra. Esta transitará por todas las emociones que puede desplegar una obra de teatro, amor, risa, llanto, enojo e incluso ira.

Recordemos que la dupla Megna-Navarría había creado hace algunos años la excelente “Bengala”, con la que obtuvo reconocimiento tanto de la crítica como del público. En este caso, no repite la fórmula sino que expande sus límites hacia otros horizontes, enriqueciendo el camino que han utilizado para hacer teatro.

“Pocholo y sus pompas múltiples” es una de las grandes sorpresas en el comienzo de este 2012, con una propuesta sencilla, seria y emotiva que da cuenta de que el teatro se ve en los pequeños hechos más que en las escenografías rimbombantes

Tu ausencia animal (Teatro)

2012-02-11T12:29:00.002-03:00

Vida en la pradera

Dramaturgia: Ezequiel Matzkin y Analia Sánchez. Con Analia Sánchez. Vestuario: Daniela Martín y Paola Scardamaglia. Escenografía: Laura Echegoyen y Daniela Martín. Iluminación: Lucía Baez. Diseño sonoro: Carla Balboa, Martín Longoni y Nadia Szachniuk. Fotografía: Diego Santos y Marcelo Solis. Asistencia de escenografía: Cintia Vallejo. Asistencia general: Pablo D' Elía. Dirección: Ezequiel Matzkin.

Teatro del Abasto. Humahuaca 3549. Viernes, 21 hs.

La palabra “animal”, según el diccionario, habla tanto de “un ser vivo dotado de capacidad de movimiento y sensibilidad” asi como de “la parte irracional de la persona”. Y allí está ella, de nombre Lina, que está sentada y sola. Justo en una parte medio de un desierto que incluiría esos dos campos etimológicos. Espera pero ¿qué espera? En medio de la aridez de una extensidad seca y árida, donde el sol golpea con sus rayos, Lina se para digna frente a su destino. Solo cuenta con la compañía de la Shila y la Noelia, quienes serán sus interlocutores en medio de su desvarío confesional. Lina relata los pormenores de una vida, que puede ser la de cualquiera de nosotros pero con la particularidad de ser personal y con el tinte trágico/poético que le imprime el protagonista de la misma. Allí, Analía Sánchez le pone todo el cuerpo y alma mientras espera a que él vuelva, después de una desaparición repentina. Su rutina sigue intacta, con la esperanza del que espera y el dolor de la ausencia arrancada sin aviso previo. Impertérrita por fuera, pero con algunas grietas en su armadura que deja ver, Sánchez creó una Lina querible y salvaje en pociones similares con las que pasa, en un instante, con naturalidad y versatilidad, de la risa franca a esa melancólica tristeza, que es la que peor golpea.

La escenografía, junto con la iluminación logra crear ese ambiente inhóspito en el que Lina se convierte en ama y señora, sin un rey a su lado que la ayude a mantener el orden del lugar. El texto cuenta con momentos de intensidad dramática en los que la presencia de Analía Sánchez logra plasmar en su justa medida, con una notable actuación.

“Tu ausencia animal” indaga desde una cruel soledad, los distintos vericuetos del alma humana ante la falta y sus formas de seguir adelante.

En el nombre de Raquel (Teatro)

2012-02-11T12:24:00.002-03:00

Mujer objeto

Dramaturgia: Mariel Rosciano y Myrtha Schalom. Con Mariel Rosciano. Escenografía: Barbara Alperowicz. Diseño sonoro: Jose Mediavilla. Fotografía: Mara Folch. Diseño gráfico: Lucas Giono. Asistente de producción: Maria Emilia Rosciano. Dirección: Gabriel Rovito.

Teatro SHA. Sarmiento 2255. Lunes 21 hs.

La trata de blancas es un tema, lamentablemente, de larga data en el cual, muchas, muchísimas mujeres han sufrido vejaciones de diversa índole. En este caso, se plasma en escena el derrotero de Raquel Liberman, una inmigrante judío-polaca que llega al país en busca de una nueva esperanza para su vida y la de su hijo. No obstante, la ayuda que espera recibir, se transforma en pesadilla al ser engañada por un “paisano” que le ofrece un empleo como costurera pero que no es tal. De esta manera, ingresa en las redes de la Zwi Migdal, la tristemente célebre red de proxenetas a la cual, intentará denunciar al mismo tiempo que desea escapar de sus redes.

El escenario está dividido en tres espacios que se intercalan a través del desarrollo de la acción, con identidad propia y con una buena iluminación. En este marco, Mariel Rosciano desplegará una actuación sentida y visceral en la que no cae en ningún momento en el golpe bajo y que, por otra parte, logra una contundencia interpretativa importante. Transitará por todas las emociones, con pasión y sabiendo de la seriedad de un texto expresivo y bien adaptado para esta puesta. La dirección de Gabriel Rovito es la que permite que el personaje central no termine haciendo un concierto en si mismo sino que sea el vehículo adecuado de un texto al cual respeta y sigue, logrando una puesta sentida y homogénea, sin fisuras de ninguna índole.

La seriedad del tema podrá afectar a aquellos que, por cuestiones “generacionales”, no están tan al tanto de esta temática o por cuestiones ligadas a cierta “crianza”, preferirán siempre mirar para otro lado. Igualmente, esto no es excusa para privarse de ver una puesta en la que se busca despertar frente a un flagelo importante de estos tiempos y que afecta a todos.

“En nombre de Raquel” es una puesta fuerte que no debería pasarse por alto, con una temática actual y álgida como la trata de mujeres.

Tomi Lebrero y Erica García en Café Vinilo

2012-02-11T12:20:00.002-03:00

Café Vinilo recibió a dos artistas disímiles y ricos en sus propuestas con sendas presentaciones que dan cuenta de los caminos que han tomado en sus carreras. Dos conciertos interesantes en una semana en la que cualquier expresión musical tendrá circundando el aura que dejó el fallecimiento de Luis Alberto Spinetta.

Tomi Lebrero: El patchwork de un cantautor versatil.

Si hay algo por lo que no se caracteriza Tomi Lebrero, es por hacer siempre lo mismo. Inquieto y buscador constante de nuevos sonidos, recordemos que fue bandoneonista de la Orquesta Fernández Fierro, de Rodolfo Mederos, con quien yiró por Europa y Palo Pandolfo. No obstante, el bandoneonista salta del bandoneón a la guitarra sin mayor prurito brindando un show más que disfrutable justo el mismo día de la muerte del Flaco Spinetta. La banda de Tomi estuvo compuesta por Juan Porzio en contrabajo, Mariano Heler en guitarra, Lucas Argomedo en cello, Carli Aristide en guitarra eléctrica, Javier Perez en percusión y Pat Morita en coros.

Con letras provocadoras a la vez que divertidas, pero que no pierden la simpleza en ningún momento, Tomi Lebrero jugará de local con el público que ha colmado Café Vinilo para verlo. Esto ocurre desde el mismo momento que comienza el show, con temas como “Bolivia” o cuando Tomi toma su guitarra y empieza a cantar “Hola, como estan? Vengo al festival de todos”, dando cuenta que su propuesta es inclusiva y que cuenta con una gran variedad de estilos en los cuales navegará con brillo propio.

Justamente, al iniciar un viaje por su amplio universo musical y personal es que la sorpresa es constante frente a las canciones y estilos con los cuales se irá cruzando. “Mamami” es una canción que le dedica a su abuela fallecida el año pasado en la que combina el humor de su letra con la añoranza de la pérdida y una interpretación que la acerca a una vidala. De esa forma, saltará de un instrumental como “Silbando” a una canción dedicada a Pablo Dacal –invitado del día-, basada en las peripecias de la llegada a México.

La cotidianeidad y sencillez de las letras van desde el decir “Quiero hacer huevo en una hamaca paraguaya” hasta una oda urbana descriptiva de la elección sexual de un hermano llamada “Mi hermano, el puto”. Es en esa vorágine interpretativa donde se colarán partes de canciones de Luis Alberto Spinetta, como “Durazno sangrando” o “No te alejes tanto de mi”, a manera de homenaje.

El rock se da la mano con el tango, e invita al folklore, al vals y la bossa nova a formar parte del mundo de un Tomi Lebrero que cuenta con una muy buena presencia escénica. Sus discos dan cuenta de una versatilidad que, por suerte, se está haciendo extensiva en los músicos jóvenes, alejados de las “estrellas” que repiten su propia fórmula hasta el hartazgo, sin ánimos de explorar nuevas músicas.

El ambiente caliente, fomentado por un público fiel y seguidor es lo que permite que Tomi baje del escenario con su guitarra, acompañado de Lucio Mantel para cantar una bella bossa y un estribillo de muy fácil acompañamiento por parte del público, que refleja el sentir de dicha canción: “beleza”.

La interpretación vocal de Lebrero irá in crescendo a medida que pase el show, como si se alimentase del feedback con el público, logrando momentos de comunidad musical como en “Gualeguay” con Mantel y Ezequiel Borra en el escenario, haciendo los coros o “Nudismo”, donde Tomi habla de las bondades de “andar en bolas” por la vida.

Lebrero es un observador que plasma en sus canciones el mix de poder ver lo que ocurre en varios mundos mundos en consonancia con variados estilos. En “Re-loco, re-hippie”, retratará un ámbito bien conocido por todos, donde oscilará entre la parodia y la agudeza de una letra por demás descriptiva.

Tomi Lebrero se presentará durante febrero y marzo en Café Vinilo con la alternancia de tocar solo y con banda. Sea cual fuera el formato con el que se presente, la posibilidad de ver a Tomi Lebrero es una experiencia que vale la pena vivir y disfrutar.

Erica García: La Bestia se reinventa

Medianoche de viernes. Hora pautada para el show de Erica García en esta vuelta por Argentina luego de haber pasado los últimos siete años en Estados Unidos. La idea de Érica es presentar nuevas canciones con algunos –muy pocos- clásicos de su repertorio. La banda que la acompaña está compuesta por Federico Estevez en batería, Alito Spina en bajo y Fabrizio Laborde en teclados, además de ella misma en voz y guitarra. Plantada en el medio del escenario, toda de negro salvo su cabellera platinada, Érica se manda con “Esta es la verdad”, uno de los tantos temas que estará presentando. Los arreglos de las canciones son refinados, con melodías trabajadas, basadas en los aportes fundamentales de Laborde en los teclados y el ritmo metronomicamente natural y versátil de Estevez. “Soy frágil aunque me veas diferente” dice Erica García en un momento del show, mientras canta “Fragil”. Se la ve diferente ahora con su cabellera platinada pero también con una nueva propuesta más basada en la sutileza de canciones bien arregladas más que a la crudeza de otras épocas.

En esta etapa de su carrera, Érica decide retrabajar los pocos clásicos que toca. Tal es el caso de “Positiva” en una versión muy densa y pesada, al estilo de los White Stripes, que no se la termina de reconocer al principio pero que después, se le descubra la real valía de esta nueva versión en la que se omite la frase “¿o todo como el orto?”.

La banda suena ajustada, con una Erica García que se ha expandido a otros estilos que enriquecen a su música. Se puede pasear del rock americano hasta a un sonido de bossa, con escalas en la música negra. Tal es el caso de “Dale”, un tema que, según Erica, “es de los que más nos gusta hacer”. El comienzo cuenta con la voz de Érica, subiendo y bajando, como si fuera un góspel rockero para después entrar en un tema muy potente, de esos que atrapan y te dejan con la boca abierta.

El ya mencionado “Fragil” es un tema que ya viene presentando Érica y es bastante pedido por sus seguidores. De más está decir que formó parte de los temas que presentó, con una versión funky. Más cercano a la bossa, se la escucha con “Parole”, mostrando la versatilidad de su voz para cuando amerite la ocasión.

Por otra parte, tuvo momentos en los que se sentó sola, con su guitarra, tal es el caso de las bellisimas “Yo te todo” y “Es difícil amor”, ambas de su disco “Amorama”.

El show mantuvo una intimidad importante, en la cual el público estaba curioso de escuchar las nuevas canciones de Erica. Uno de esos momentos fue cuando dijo “esta no es una canción mia sino de un muchacho que amamos todos” y se despachó con una sentida versión de “Muchacha, ojos de papel”. La emoción del momento hizo que se le quebrara la voz en un momento lo cual pudo sortear inmediatamente para terminar casi en lágrimas, por la tristeza de la pérdida irreparable.

Erica habló bastante con el público, al cual le agradeció haber “escuchado todo el material nuevo” y mostró esa sonrisa tan característica con la cual se aprecia que está en una nueva senda de su carrera musical.

Actriz (prepara “Mujeres en el aire” de Mariela Asensio), comentarista de fútbol y cantante, Erica García está en una nueva etapa en la cual las puertas siempre estarán abiertas para las personas talentosas y con ganas de abrir nuevos rumbos en vez de quedarse anquilosadas en un pasado melancólico y nostálgico.

Cutuli: “El teatro fue popular hasta que llegaron los intelectuales”

2012-02-03T10:52:00.007-03:00

Rostro hiperconocido de numerosas series de televisión, se hace llamar por su apellido, omitiendo su nombre. Dedicado al cine y al teatro, a punto de estrenar una película en marzo y con "Ampelmann" en el SHA, Cutuli habla de su actualidad y también de su rico pasado que incluye historias con Sumo, los Redondos, Andres Ciro Martinez, Batato Barea y todo el under de los 80.

-La primera pregunta es como surge la chance de hacer “Amplemann”?
- Me llama Mónica Viñao y me alcanza la obra. Yo ya lo conocía. Había hecho algo de Winer porque había hecho un semimontado de él, dirigido por Antonio Ugo….y no me acuerdo como se llama. Justo el otro día estaba hablando de la obra y ahora me vengo a olvidar…jajajajajajaja. Me la acercó, la leí y me hizo reir mucho. Es muy raro que lea una obra de un tirón porque me enganchó. Después se la pasé a mi mujer para que la lea y también se enganchó. Quedamos con Mónica que si. Además, me gustó el elenco también con Alfredo Castellani y Marcela Ferradás. Con Alfredo, había hecho hace poco “El conventillo de la Paloma”, en el Cervantes y a Marcela la conozco de años. Trabajamos juntos en el 91, haciendo “La Dama Boba” de Lope de Vega en el Regina. Una producción de Kive Staiff con Carlos Elía. No conocía a Juani y a la nena. Son chicos y no conozco tanto a la gente joven. Estoy en otro target. Nos pusimos a laburar y ya estamos casi a punto de estrenar.

-¿Y Julio, tu personaje? ¿Cómo fue, para vos, “componerlo”?
- Mirá, sinceramente, nunca se como termino componiendo un personaje. Es más, el día que lo sepa, no me sale más nada. Empiezo a jugar con la letra sabida, asi tengo más posibilidades de juego. Después, va surgiendo solo. Sé que hay diferentes técnicas y…que se yo….Cada uno tiene su técnica. Una va tomando, de cada maestro que tuvo, la técnica que le sirve formando asi su propia técnica. No hay una “técnica universal” que le sirve a todos y para todo, el drama, la comedia y el grotesco. La técnica…cada uno tiene la suya. Viste cuando dicen “cada maestro con su librito”? Esto es asi de simple. Para mi, el teatro es muy simple. Creo que lo complican lo demasiado. El teatro es una vocación que te da la posibilidad de jugar como cuando vos eras chico. El teatro es un juego, sin dejarlo de tomarlo con seriedad porque es un trabajo, sigue siendo un juego. En el teatro hay que jugar. Hoy me toca ser un tipo que se fue a Alemania y estuvo luchando con el muñequito del semáforo; en “El conventillo” me tocó jugar que era un turco que estaba caliente con La Paloma y en el TGSM, que era un anarquista que lo iban a matar. Es todo un juego….

- Le estas sacando seriedad al teatro…
- Siempre le saqué seriedad. No dejo de tomarlo seriamente. El teatro es un lugar que respeto muchísimo pero tampoco esa cosa acartonada, almidonada, porque sino la gente no va. El teatro siempre fue popular hasta que llegaron los intelectuales.

-Qué titulo que me estás tirando….jajajjajajjaa
- Pero, si! El teatro era popular hasta que llegaron los intelectuales, con un teatro para un cierto grupete de gente. Hacen obras “tan elevadas” que queda gente afuera. No olvidemos donde hacía teatro Shakespeare o Moliere. Dejemonos de joder con eso. Entiendo que hay gente que lo toma con seriedad o que necesita darle cierta “seriedad” para hacer mejor su curro, pero el teatro es muy simple….

- ¿Y el teatro político?
- Durante muchos años hice monólogos políticos, tanto en el under como en otros teatros. La última vez que hice uno fue en un festival internacional de teatro en el que en La Trastienda, se realizó un variete. Ahí juntaron gente de los 80, entre los que estábamos Leo Masliah, Tortonese y yo con gente de ahora, como Eugenia Guerty y Karina K. Esa fue la última vez que hice humor político y justo hacía poco que habían hecho la fórmula Kirchner-Scioli. Fue en el 2003 y fueron solo dos noches. Armé algo con lo que estaba pasando, lo que veía y salí al ruedo. Hoy en día, no extraño hacerlo porque es muy difícil hacer humor político.

- ¿Por qué?
- No hay un término medio. O sea, uno puede estar de acuerdo en un montón de cosas y en otro montón no pero si ya no estás de acuerdo, es como que sos “enemigo”. Ya te catalogan y para mi, no es asi la política. En aquella época, había cierto juego y la gente se enganchaba con ese juego. Ahora hay mucha crispación. Llegás a decir algo de Cristina y te clavan cuarenta puñales, ya sea a favor o en contra. Sos el queso del sándwich. No se que pasó en el medio pero la sociedad se volvió un Boca-River y así nunca vamos a salir adelante.

-Estuviste en los 80, con todo el florecimiento que hubo, y hay quienes dicen que, ahora, con los teatritos que han surgido, estaríamos en una segunda parte. Crees que es asi?
- Si. Hay gente muy talentosa ahora, que se ha nutrido de lo que habíamos hecho en los 80. O sea, tan mal no hicimos las cosas. En aquellos años, para toda la gente, salvo para el público que nos veía, estábamos locos. No nos dejaban pasar ni por la vereda de un canal de televisión. Después, en los 90, es como que se puso de moda el teatro under y capturó gente de ese momento del under, como el Gordo Casero, Capusotto y todos los que hicieron Cha cha chá. Tortonese y Urdapilleta tuvieron la suerte (y el talento, obviamente, y los quiero muchísimo) que los llamó Gasalla para hacer lo que hacían en el Parakultural. En cambio, a mi me convocaban en tele para hacer otro tipo de cosas. Incluso a Pompeyo le pasó esto. Los chicos de los 90 tuvieron un espacio propio como fue “Cha cha chá”, “De la cabeza”

-Y después vino “Todo por $2” que es historia conocida…
- Si, ahí estaban solo Diego y Fabio y después Capusotto solo con lo de Peter Capusotto y sus videos, que a mi ¡me mata! La otra vez lo ví a Diego y le dije que el personaje que más me gustaba era el de Violencia Rivas. Desde el vestuario, la voz y la composición del personaje, era maravilloso. Aparte veía a mi suegra, que es muy parecida!!! Un día se lo hice ver y le dije “Esa sos vos”, un capítulo que se mete en un montacarga y arremetía contra una oficina pública en el que no la podían atender. Y otra cosa que me olvidaba. Cuando yo estudiaba teatro, en los 70, me decían que la televisión y el teatro comercial eran nocivos para el actor. Te metían eso en la cabeza y uno caía. Hacíamos espectáculos interesantísimos para treinta personas pero no nos iba a ver nadie.

-Ahora no se pasó para el otro lado? De que muchos chicos van a estudiar teatro para ser “chicos Pol-ka”?
- Ah, si. Eso seguro. Y también están los reality. No es que quieren ser actores sino que quieren ser “famosos” y los famosos que yo conozco son Frank Sinatra, John Lennon y Marlon Brando. Los demás son todos de cabotaje. Cruzaron el charco y no los conoce nadie. Vamos…son conocidos aca y después, nada. Lo que veo es que se está bastardeando la profesión. Si aparecen los chicos de Gran Hermano (de quienes desconozco el talento que tienen) aparecen haciendo teatro en Carlos Paz, cualquiera puede decirte “déjense de joder. Estas ahí arriba, te cagás de risa y encima te pagan”, como muchas veces me lo han dicho. ¡Y tienen derecho a decirte eso!

-Y como reaccionabas cuando te lo decían?
- Depende de cómo te lo decían. Si la persona que me lo decía era una a la que le tenía simpatía, le decía “Es cierto, nunca me gustó trabajar” y si no, lo mandaba a la puta madre que lo parió, directamente.

- Eso que vos decís da también paso a cierta cosa argentina de “despreciar al otro”…
- “¿Como ese tipo va a ser un ingeniero agrónomo, un médico o un actor, si vive al lado de tu casa?”. Es típico eso! Siempre hay una cuestión de menospreciar el trabajo del otro. Una vez, un tipo me dijo “¿Usted es actor con esa cara?”. Lo mandé a la puta madre que lo parió. Además, ni lo conocía. También ocurre que hay gente que ni conoces y viene a decirte cosas sobre tu trabajo. Una vez, estábamos en Edelweiss, Gandolfo, Emanuel y yo, comiendo algo. Con Emanuel hacíamos “La Revista del Maipo”. Vino un tipo y me empezó a hablar del monólogo que yo hacía en el Maipo. El tipo hablaba y hablaba y Gandolfo lo miraba a él y me miraba a mi. Cuando el tipo se va, me pregunta “¿Quién es?” y le digo que no tenía la más pálida idea. Ahí Gandolfo me tira “Te das cuenta Cutuli que en nuestra profesión, hasta la mucama nos dice como tenemos que hacer el personaje”. Cualquiera opina, con una liviandad terrible…y eso tiene que ver con el menosprecio al trabajo del otro. Pero bueno….voy a cumplir 56 años y hay cosas que ni me calientan.

-Otro cosa que me doy cuenta, es que actores con formación como Carlos Belloso, Marcelo Mazzarello, terminan bancando figuritas.
- Si, es cierto. Sos el soporte de la figurita pero no te pagan lo que le pagan a la figurita y uno se rompió el orto estudiando y componiendo al personaje. La figurita hace de él.

-¿Cómo se banca eso, como lo vivís? Porque ahí juegan muchas cosas, hasta el ego mismo
- Si. En una época lo hice porque tenía una hijita chica y me pagaban. Después dejé de hacerlo. Hace tiempo que no hago televisión. Me gusta mucho hacer televisión pero ¿cuál es el precio que tengo que pagar para hacer televisión? Y ahora, no tengo ganas de pagarlo. Vivo muy tranquilo y no tengo ganas de bancarme la histeria de la televisión, la locura del “minuto a minuto”, si el personaje “pega o no pega” y te bajan o no, si te pagan o no los excedentes y la verdad, no tengo ganas. Vivo tranquilo del teatro. Ahora hice una película sobre una fábrica recuperada, que se llama “Industria Argentina” y se estrena en marzo. La peli la hice con Carlos Portaluppi, Soledad Silveyra, Manuel Vicente, Atilio Veronelli, Rulo Margalis, Daniel Valenzuela y Celina Font. La dirige Ricardo Diaz Iacoponi.
Estoy con cine o teatro; de televisión, estuve haciendo dos proyectos del INCAA. Uno que era un libro de Veronelli, que era de terror, un capítulo que hicimos con Horacio Peña y después, una tira de trece capítulos que se llamaba “El pueblo de Pomelo Rosado”, que contaba con la producción de Arnaldo André. Eso lo dirigió Federico Palazzo y también estaba Vivian El Jabber, una compañera de aquellas épocas, Gerardo Chendo y un montón de actores muy interesantes. Son esas dos cosas que hice pero eso porque es tranquilo, no hay histeria ni estás “al aire”. Los capítulos ya estaban escritos, que los escribió Camaño, no se cambiaba nada. Hacer televisión asi, si, sino no.

- También compartiste muchos escenarios con el Puma Goity….
-Con el Puma, debutamos juntos en el teatro comercial en una obra llamada “Anónima” con Georgina Barbarrosa y la acompañábamos El Puma, Ruben Szchumacher y yo. Rubén muy buen actor, ya era director pero estaba bárbaro. Nos divertíamos mucho. Un día, cayó una chica de Pagina/12 a la obra. Nos hizo una crítica bárbara, que tenía momentos notables y que se yo, y a él le pone “Gabriela Goity”. ¡Se agarró una mufa el gordo! Nos reíamos después porque decíamos “Que buena actriz esta mina Gabriela Goity que hace de un gordo, pelado, de 90 kgs. Es estupenda”. El Puma sacaba humo por las orejas ¡Estaba loco! Con el Puma nos paramos en la Pablo Picasso y nos decíamos “¿cómo se pide la gorra acá?”. Nosotros veníamos de otro teatro. Habíamos estado en el San Martín donde el Puma había hecho una obra que había dirigido Ure y yo había hecho “Woyzeck” pero no teatro comercial. Después hicimos televisión juntos, con Veronelli, Mario Sapag, María Rosa Fugazot, Haydée Padilla y Rolo Puente. Se llamaba “El humor es más fuerte” y lo escribía Veronelli y Belatti. Esto fue en el 91, antes de “Cartas de amor en cassette”. A la semana siguiente de terminar “Cartas”, empecé esto con Sapag y a una semana de terminar lo de Sapag, hice el piloto para “Poliladron”, que fueron dos años y medio.

- Que increíble....
- Si! Y yo me saqué el nombre hace muchos años porque me ponían cualquier nombre. Roberto, Domingo....

- Justo te iba a preguntar eso...
- Me acuerdo que en el último capítulo de “Poliladron”, estábamos en el microcine de Canal 13, con el Chueco Suar, Novoa, De Guglielmo, que en esa época era el gerente de programación...creo que también estaba Fiore. Cuando termina el programa sale una imagen de cada uno de nosotros que se congela y ahí aparece el nombre. Después de dos años de poner “Cutuli” solo, pusieron Roberto Cutuli. ¡Y no me llamo Roberto tampoco! El Chueco, apenas lo vió, se dio vuelta y me dijo “Cutu, yo no tengo nada que ver con esto”. Una vez, Clarín me hizo una crítica y me puso Domingo Cutuli cuando Domingo Cutuli era el representante de la RAI en Argentina. Algún parentesco había pero este tenía mucha plata (risas) Mirá, un día estábamos haciendo la versión del Full Monthy en La Plaza y le preguntaron a Fabián Vena “¿Cual es el nombre de Cutuli?” y él mandó Rodolfo. Ahora hay gente que ya sabe mi nombre. No lo uso porque mandan cualquiera.

Intermedio: Tipo de barrio por donde se lo mire, hablar con Eduardo es remontarse desde el presente hasta los 80, momento en el que estuvo haciendo teatro y compartió escenario con Batato Barea, Tortonese y Urdapilleta entre otros. Las anécdotas que cuenta Cutuli no tienen desperdicio. Es un tipo ameno, alegre, que dice lo que piensa, sin miramientos.

-No querrías volver a pasar por la experiencia “Poliladron”
-No reniego de esa experiencia. Me gustó mucho esa experiencia. La pasé muy bien pero eso fue otra época. Era más joven y fue en el 95. Ahí tenía casi 40.

- Tenías una experiencia importante…
- Era un muchacho grande...tenía casi cuarenta años. No me la iba a creer. Hoy estas en televisión, todo el mundo te para por la calle, te saluda y dejaste de salir y no es lo mismo. Igual a mi me saludan por la calle. Algunos por Poliladron, otros se acuerdan de un programa que hice en el 92 en Canal 7, “Cartas de Amor en Casete” que iba todos los días a las 12 de la noche. Lo escribió Esther Goris con Claudio Ferrari. Estaban Miguel Angel Solá, Blanca Oteyza, María Socas, Jorge Mayor, Huguito Soto...La gente se acuerda del personaje que yo hacía, que era un muerto que estaba rodeado de minas semidesnudas en el cementerio y Solá venía con sus problemas a que yo lo aconseje. Yo estaba de smoking, fumando un puro, dentro del jonca con las minas haciéndome masajes en los hombros. Hay gente que se acuerda de eso todavía, como hay otra que se acuerda de las cosas que hacía en el under en los 80

- ¿Ahí conociste a Batato?
- Si, ahí lo conocí. Él era maravilloso. Hicimos dos veces algo juntos arriba del escenario pero armábamos ciclos de teatro de experimentación. Siempre estaba en contacto con Walter. Lo quise mucho a Batato. Es más, él estaba conmigo en la noche en que nació mi hija, que no lo pudo conocer porque nació en el 90 y Walter murió en el 91. Batato era un ser mágico.

- Cuando escuchás “Si, a Batato lo vi en ....”, ¿cómo te cae? Es como los amigos de Luca....
- Y...que se yo...pero es cierto, ahora hay un montón de amigos de Luca. Te cuento una anécdota, cuando Sumo tocaba en el Einstein, en el boliche que tenía Omar Chabán en Cordoba y Pueyrredon, y éramos quince personas. Nada más. Ahora todo el mundo lo vió a Sumo en el Einstein y éramos quince. Tocaba Alphonso S’Entrega, los Twist y Soda Stereo regalaba entradas para que los vayan a ver. A Luca lo conocí por intermedio de Chabán. Una noche fui a tomar algo, me iba y lo vi parado en la puerta, con una nariz de payaso y me dice “Como te vas? No escuchaste nunca a Sumo? Quedate, no sabés lo que es...” y bla bla bla. Me quedé y me partió la cabeza. Pettinato era gordo y tenía el pelo negro. La batería primero la tocó una piba y después Superman Troglio. Inclusive lo ví a Sumo con una batería electrónica, que ni estaba Troglio. Un día, Luca se puso a improvisar un tema de que James Bond bajaba de un avión en San Juan, una cosa muy loca. Tocaba mucho reggae en esa época. Después vinieron los éxitos de Sumo y lo que significó. Lo mismo que los Redondos de Ricota. La última vez que los ví en vivo fue el día anterior de que asuma Alfonsín en el teatro Bambalinas cuando te repartían los redonditos de ricota. Imaginate la cantidad de gente que iba. Cien como mucho. Estaba Vivi Tellas que hacía de Myrna Krasnoff y Enrique Symns, que salía y hablaba un rato antes y después. Hasta que el espíritu de Patricio Rey no se manifestaba, ellos no tocaban. Capaz que el recital estaba programado a las 10 de la noche y podían ser las 12 y seguían hablando. Era otra cosa. Un día. estábamos en “Medio Punto Varieté” con Skay y la Negra Poly y ella se me enojó porque dije que se había terminado la mística de los Redondos cuando tocaron en Obras. Ella me dijo que era una mística de diez mil personas. ¡Con más razón se acabó la mística! ¿Qué mística puede haber con diez mil personas?

- ¿Qué opinás que la Justicia conminó a Canal Volver a pagarle a los actores?
- Me parece genial porque están trabajando con la imagen de uno y vos no cobrás un peso. Tienen toda un grilla, una programación de 24 hs de las cuales vos no cobrás nada. En Volver están pasando “Cartas de amor en cassette”, que hice en el 91. Yo no vi un sope y ahí está mi imagen. Como con “Gatica” o “Herencia” y ya pasaron “Poliladron”. Tienen que pagarlo. Si ellos ganan plata con la publicidad, ¿por qué no le pagan a los actores?
Creo que hubo un grupo de actores que hizo juicio, cada uno por su lado. Volver le tiene que pagar a cada uno de esos actores y no a todos. Lo que pasa es que esto crea un precedente y si le empezamos a hacer juicio a Volver, nos tienen que pagar. Lo cual es lo justo. Si te pagan una repetición en un canal de aire, ¿por qué no te lo paga Volver? Si Volver tiene su programación con programas que salieron en canal de aire. Lo que pasa es que, como Volver es del Grupo Clarín, es todo un bolonqui.

- ¿Te llamaron para tele últimamente?
-No, hice solo estas dos cositas que te conté. Nada más. A mi me gusta laburar con la gente, en un clima ameno, sin histeria. Me gusta divertirme en el trabajo. Digo, trabajo seriamente pero me gusta un buen clima de laburo. Y me parece que eso está faltando en la televisión. Más con este aparatito que es el minuto a minuto. Lo último que hice en televisión, que se vivió con ese clima, fueron los “Cuentos de Fontanarrosa”, en Canal 7. Ir a grabar eso era una fiesta. Además nos conocíamos todos. Lo armaron el Coco Sily y Daniel Araoz. Éramos todos amigotes. A Dany lo conozco desde la época del under cuando él estaba con los Triciclos Clos. Hemos compartido tantas cosas. Incluso con Tom Lupo, Bobby Flores, Ulanovsky, Enrique Symns. Habíamos formado el Partido al Medio. Era una cosa de locos...nos reuníamos en Caras mas Caras.

- No estaba también Douglas Vinci y Lalo?
- Si. Éramos una banda de gente y con Dany nos conocemos de esa época. Para mi fue muy placentero y se lo agradecí de corazón el hecho de que me haya convocado para hacer uno de los de la Mesa de los Galanes, un personaje con continuidad en los cuentos de Fontanarrosa. Vino Veronelli, el Puma. Toda gente...un club de amigos. A mi me gusta trabajar en ese clima. Y en teatro también.

- ¿Cómo ves la critica que se le hace a los actores por la militancia que tienen?
- Como el culo. Todos tenemos derecho a opinar pero de acuerdo a lo que opines, te crucifican o te ponen en un altar y, en realidad, uno tiene derecho a opinar lo que quiera. Asi como uno vota lo que quiere, puede opinar lo que quiere, sin joder al otro, ni armar un escandalo. Uno puede estar de acuerdo o no con un montón de cosas y eso no es ser enemigo ni nada. Mirá el quilombo que se armó con lo de Fito Paez. Creo que se equivocó. Hay cosas que, a veces, no hay que decirlas. “Mirá a quien votaron, que lastima”. Lo del asco fue fuerte. Es una opinión de él, puedo compartirla o no pero que me de asco el electorado de la Capital, es difícil porque después es la gente que paga la entrada para ir a verte o compra tus discos. Está bien….se le escapó…

- ¿Qué le falta al teatro para tener un boom de masividad?
- Hay bastante masividad en la calle Corrientes pero en el off, le faltaría más publicidad a los chicos, que van sacando muchas cosas buenas. A nosotros nos costaba muchísimo. Salíamos con Batato a volantear por la calle Calle Corrientes, él con un vestido que parecía Berta Singerman. Volanteabamos para que la gente venga pero hoy hay tanto teatro alternativo que igual, la gente se entera. El año pasado me enteré que había una versión de Drácula en el Parque Avellaneda, a las 2 de la madrugada. ¡Y la gente iba! Hay de todo, un abanico inmenso y no significa que eso sea todo bueno.

-Además pareciera que el teatro off termina mordiéndose la cola, y ves a la misma gente yendo de una obra a otra, como si fuera un club de fans.
- Es como un ghetto, que se ha formado como tal, en ciertos directores y autores, con un halo de “guau” y no es tan “guau”, jajajajajajajajajjajaja. No jodamos. También, muchas veces, la crítica los ensalsa demasiado y encima, esta es una profesión en la cual, muy fácilmente muchos se la creen. Entonces se creen que son Shakespeare, Peter Brook y después, como los frenas? Es muy difícil.

- ¿Te queda algún personaje por hacer, qué le tengas ganas?
- ¿Viste que muchos actores te dicen que quieren hacer el Cyrano? Yo no tengo ninguna de esas cosas. Dejo que la vida me vaya llevando, que me sorprenda. Si me pongo con que “quisiera hacer tal personaje” y no lo hago, me desilusiono. Es como cuando vos hacés algo por alguien y esperás que ese alguien haga lo mismo por vos y no lo hace. Ahí viene la desilusión. Con los personajes pasa lo mismo. Hay actores que quieren ser Ricardo III, Hamlet o Próspero de “La tempestad”. Yo hice uno que nadie lo hizo aca, que fue Philip Marlowe, en el 89/90 en “Romeo y Julieta, expulsados del paraíso”. Ahí, el personaje que acompañaba a Marlowe, una especie de enanito, que en esa obra compuso el “Blues de Philip Marlowe”, que no cantaba y tocaba la armónica, ¿sabés quién era? Andrés Ciro Martínez, de los Piojos. Tenía 18 años y era un actor estupendo. Lo más gracioso es que un día viene Andrés y me dice que va a dejar la actuación porque se quiere dedicar a su grupo. Con mi maravillosa visión de futuro, le dije “Ciro, sos un actor maravilloso. Te van a comer los piojos como el nombre de tu grupo si te dedicas a la música. Dejate de hinchar las pelotas” y él me decía “Tengo 18 años, sino lo hago ahora, no lo hago más”. ¡Mirá como le fue! Me pone muy contento porque es un pibe fantástico, muy macanudo.

-Si por este bar entrase el Cutuli que estaba preparando la obra con Andrés Ciro Martinez, que le dirías?
- Seguí asi que vas bien. No le daría ningún consejo. Relajate y goza. La verdad, la pasé muy bien con la profesión y eso es lo mejor que nos puede pasar. Vivo de esto y me dejé llevar…Algunos me dicen que tendría que haber seguido con los monólogos y eso pero que se yo. Creo que lo que hice está bien. Me siento bien. Si volviera a nacer, haría lo mismo y no cambiaría nada.

“Ampelmann”. Teatro SHA. Sarmiento 2255. Jueves a sábados, 21 hs y domingos, 20 hs.

Ojos cerrados, teatro sensorial (Teatro)

2012-02-03T10:33:00.002-03:00

Con la mente y los sentidos abiertos

Con Yamila Barreira, Marcela Favazza, Ierus Nemó, Eliezer Ilán Branderburg, Enrique Montero, Maisa Pereira, Octavio Pizzul y Lionel Vega. Producción, Utilería, Mezcla y Sonido y Diseño de escenografía: Compañía AviTantes.

Teatro La Comedia. Rodríguez Peña 1062. Jueves, 21hs, viernes y sábados a las 23hs

Una hermosa canción de David Lebón decía “Con los ojos cerrados, me ves mejor”. Este verso de “Parado en el medio de la vida” podría aplicarse a esta puesta donde se abre un mundo de sensaciones donde la creación de sentido se centrará en lo percibido a través del olfato, el tacto, el gusto y el oído. De tal manera, con una venda que tapa los ojos, se ingresará a un mundo donde cada uno construirá su propia aventura. Guiados por los actores, el viaje a una soledad sensorial y personal logrará que se establezca un contacto único basado con las emociones propias que saldrán a flote. La imaginación será puesta a prueba en los distintos momentos iniciando un viaje de ensueño a los más recónditos lugares del propio ser. A partir de un asiento en el teatro, saldrá un avión con destino a variados territorios que podrán ser una selva, una fiesta, un colegio con lo cual, el espectador es quien llenará de contenido esos distintos espacios. Las emociones estarán a flor de piel. Música, viento, agua y fuego; la naturaleza y la ciudad dándose una mano en la más sana comunión de ambientes en los cuales el hombre transcurre su vida.
Esa oscuridad, desde la cual uno emerge cuando nace, llega a convertirse en un espacio de meditación y encuentro karmático de emociones donde la luz provendrá del corazón y la pureza de sentimientos que cuenta la persona convirtiéndose en un baño de espiritualidad para el alma.
La puesta está hecha con mucho respeto y sabiendo de la entrega total que realiza el espectador con los ojos vendados. Esa entrega es la que permite una apertura completa y que se verá matizada con masajes y bailes en los que se liberará todo prejuicio en pos de las sensaciones vividas.
“Ojos cerrados” invita a volar a través del universo sensorial para obtener la libertad más absoluta del corazón.

Mineros (Teatro)

2012-02-03T10:28:00.004-03:00

Heroes de la clase trabajadora

De Lee Hall. Con Hugo Arana, Darío Grandinetti, Juan Leyrado, Jorge Marrale, Patricia Echegoyen, Milagros Almeida y Juan Grandinetti. Producción: Pablo Kompel. Dirección: Javier Daulte.

Teatro Metropolitan. Av Corrientes 1343. Domingo, miércoles y jueves, 21 hs; viernes 21.30 hs; sábados 20.15 y 22.45 hs.

Trabajadores ingleses de las minas en las que la pequeña isla dictó su ley al mundo. Hasta allí llega el profesor Lyon para enseñarles arte a un grupo de mineros que tendrán su propia visión del mundo de la pintura. Con la idea que “el arte es para todos”, la dialéctica de Lyon dará en el centro de estos trabajadores que pondrán las manos a los pinceles para crear diversas pinturas que serán un boom artístico para la época.
La obra se asienta en los personajes creados por Lee Hall. Jorge Marrale es el profesor Lyon, siempre con la pasión por el “arte” a flor de piel pero pendiente de un hilo a caer en esa caricaturización que se ha hecho del mismo gracias al estilo Minujin mientras que Hugo Arana, Darío Grandinetti y Juan Leyrado serán los educandos/artistas pero con particularidades bien definidas. Al tiempo que uno será un simple trabajador, respetuoso de su trabajo y todo lo referido a este (Arana), otro será un revolucionario del proletariado en contra de la dictadura capitalista (Leyrado) asi como el que tiene una veta de artista propiamente dicho (Grandinetti). No obstante, la fuerza dramática de los personajes es oscilante a lo largo de la obra, siendo el personaje de Leyrado el que lo sufre en mayor medida que termina siendo una parodia de todo lo bueno que postula en su parlamento.
La puesta cuenta con tres personajes más con distinta suerte e incidencia en la puesta. Patricia Echegoyen -una galerista millonaria que apoya a los mineros en la difusión de su arte- , realiza con solvencia su personaje al igual que Juan Grandinetti, como sobrino de uno de los mineros. Por su parte, Milagros Almeida es una “modelo en vivo” en un momento –y con un personaje- que no aporta mucho a la obra.
La puesta entretiene, de eso no hay duda y de más está decir que está bien actuada, con un elenco de excelentes actores que tienen el dominio de escena que le dan el talento y los años de estudio y experiencia. Lo que si se aprecia es la manera contradictoria de exponer algunas ideas políticamente correctas, para un público “progre”. La idea de que “el arte es para todos” y que “el arte puede estar también en la clase baja” (perdón si alguno se asusta por mi utilización de ciertos términos “bolcheviques”) se olvida de algo fundamental: ¿Quién impone lo que sería el “buen gusto”? ¿Quién hace “aceptable” lo que no es “aceptado” y por qué? Porque si hablamos del “arte para todos y en todos”, recordemos que el costo de la entrada del Metropolitan es de $ 120 para arriba. O sea…un público va a ver una obra de teatro que le brinda un mensaje “correcto” en el marco de una situación opuesta a lo que se está diciendo sobre tablas. No se puede menos que recordar la frase de Groucho Marx, “Jamás aceptaría pertenecer a un club que me admitiera como socio”.
La puesta en si peca de cierto gigantismo con una escenografía tan grande que se pierde la actuación en el medio de esa enormidad, tal como fue, en el ámbito de la música, la gira Voodoo Lounge de los Rolling Stones.
La moraleja del texto (acrecentada por la adaptación) y la alegría con que se retira el público corona una obra entretenida, con cuatro actores de primer nivel pero que uno no puede dejar de pensar, la contundencia que podría llegar a tener en un escenario más chico, con los actores creando el mundo en que se desarrolla la acción, sin apelar a micrófonos y escenografías desproporcionadas. Preparada con “think tank” para la temporada, con buenos valores y un público que aplaude hasta los cambios de escenografía, uno no puede dejar de pensar en conceptos como “entretenimiento”, “pasteurización de valores realmente importantes” y “consumo apto para todo público”.
John Lennon decía que si supiese la fórmula del éxito de los Beatles, “contrataría a cuatro melenudos y sería su manager” y hablaba de repetir “la fórmula, envasarla y venderla”. No está tan lejos de la realidad de cierto teatro porteño que, en este caso, cuenta con cuatro actores superlativos pero que terminan formando parte de una parafernalia que los sobrepasa.

Vidas privadas (Teatro)

2012-02-03T10:13:00.001-03:00

Amor en tiempos modernos

De Noel Coward. Con Miguel Ángel Rodríguez, Georgina Barbarossa, María Fernanda Callejón y Christian Sancho. Vestuario: Pablo Battaglia. Escenografía e Iluminación: Gonzalo Córdova. Asistencia de dirección: Diego Rinaldi. Dirección: José María Muscari

Teatro Picadilly. Av. Corrientes 1524. Domingo, Miércoles y Jueves, 21 hs; Viernes, 22 hs y Sábado, 20.30 y 22.30 hs

José María Muscari dirige por tercera vez un texto que no es suyo. Toma una clásico exitosos de Noel Coward y se lo apropia sin perder la esencia del original pero aggiornandolo al gusto porteño.
Fabio y Amanda se separaron en malos términos e intentan rehacer su vida con nuevas –y más jóvenes- parejas. El problema es que se encuentran en sus respectivas “luna de miel”, en el mismo hotel. A partir de allí, y con el reencuentro de los protagonistas de la historia, se va desgranando muchos de los componentes del amor. El concepto mismo de dicha palabra, la fidelidad, el egoísmo, el lugar de la pasión y de la edad se entremezclan en una ágil y divertida puesta que tiene mucho de ironía y sarcasmo. El texto jugará todo el tiempo con los espectadores en los que buscará una complicidad y guiños que serán devueltos por las vivencias propias. Al fin y al cabo, ¿quién no sufrió por amor? ¿Quién no fue dejado o dejó a alguien?
Entretenida de principio a fin, cuenta con buenas actuaciones. Miguel Ángel Rodríguez se corre un poco del registro en el cual cimentó su fama al igual que Georgina Barbarossa. María Fernanda Callejón da cuenta del carisma que cuenta, con acertadas intervenciones al tiempo que Christian Sancho acompaña con corrección en todo momento.
La buena dirección de Muscari dota de su propia impronta a un texto norteamericano pero que lo acerca a Buenos Aires sin perder su glamour, el cual no es excluyente sino que, por las características de los personajes y la forma en que se lleva a cabo, los aproxima tanto a Recoleta como a Mataderos, con las particularidades de cada lugar.
La música es parte fundamental de la puesta, con un muy buen gusto en la selección de las canciones aunque, quizás, el número de las mismas, sea excesivo.
“Vidas privadas” entretiene y toca con sutileza esos lugares referidos al amor, dejando un interrogante y una sonrisa con el mismo tenor.

Música: Sexteto Irreal en el Konex.

2012-02-03T10:02:00.002-03:00

En el Parador Konex, pasan cosas. Algunas de ellas imperdible. El miércoles, diluvio mediante, ocurrió una de ellas. Se presentó el Sexteto Irreal, ese combo mágico e impredecible compuesto por Alejandro Terán en saxo, clarinete y violín, Manuel Schaller en samplers y theremin, Fernando Samalea en baterista, Christian Basso en bajo y Axel Krygier en teclados, vientos y voces.
Las apariciones intermitentes del Sexteto Irreal son para apreciar en el momento que estas ocurren, tal como lo habíamos hecho en Boris, hace algunos meses. http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com/2010/12/aguafuertes-portenas_17.html
Si bien estuvo anunciado el comienzo a las 21.30 hs, la torrencial lluvia hizo que se pospusiera todo un poco, hasta las 22.30 aproximadamente. Alejandro Terán alterna entre el violín y el saxo mientras dibuja sus melodías sobre esa base indestructible que conforma el tándem Samalea-Basso. Suenan distintos climas y sonidos. Voces sampleadas como la de Fidel Castro, que forma parte del tema “Castro”, del único disco que tiene este particular combo.
El clima del show es festivo, con toques de lounge asi como con momentos en los que la gente empieza a bailar y saltar. El viaje musical nos lleva a distintas latitudes, logrando que se pase de ritmos africanos a otros más cercanos a la música balcánica, sin obviar bases que podrían ser de una rave electrónica.

En esta ocasión, el invitado especial fue la cantante china Haien Qiu, que había participado en el reciente disco solista de Christian Basso llamado “La música cura”. Recordemos que la semana anterior, había subido Roberto Petinatto (foto izquierda) para tocar con el Sexteto Irreal. A esta altura del show, lo menos que puede decir este cronista es que este show casi no tiene nada que ver con el que habían realizado en Boris. Al ser un lugar más abierto, con mayor cantidad de gente, el espíritu es otro por lo que el repertorio de la banda es más festivo y con bastantes toques de improvisación que lograron una inmediata adhesión del público presente. Suena “Perdón por la informalidad”, el tema que cierra “Jogging” que es un mix entre un reggae y un carnavalito para después caer en climas de disco, colándose muy solapadamente, un pedacito de “Beat it” de Michael Jackson.
El show termina a las 0.15 hs aproximadamente. La gente aplaude con entusiasmo, como si tuviese más ganas de bailar y de moverse al ritmo del Sexteto Irreal. Finaliza el show, bajan los músicos y muchos se acercan a saludarlos, quienes retribuyen el cariño con un muy buen espíritu de camaradería para con la gente.
Un nuevo show del Sexteto Irreal ha concluido. Las ansias por un nuevo concierto siguen intactas. Como siempre que se tiene la posibilidad de escuchar a excelentes músicos en escena.

El Caleidoscopio agradece a Christian Basso el mail enviado por sus palabras respecto de esta nota! Un abrazo grande, Christian!

Cine: “La Dama de Hierro”

2012-02-03T09:52:00.001-03:00

A mitad de camino

Cuando se corrió la noticia que Meryl Streep iba a personificar a Margaret Thatcher, hubo voces de alegría ante lo que, muchos esperaban, fuese una gran película sobre una de las mujeres más influyentes del último siglo. Ciento diez minutos después de haber comenzado la película y con los créditos pasando a rápida velocidad, el entusiasmo inicial se transformó en una mueca de insatisfacción y desilusión porque pareciera como que hubo un autoboicot en la realización del film. ¿Por qué darle la enorme responsabilidad de la dirección a Phyllida Lloyd cuyo único mérito fue hacer el bodrio de “Mama mia”? ¿Por qué destacar su condición “femenina” cuando todo su ascenso dentro del Partido Conservador lo realiza justamente, poniendo al costado sus características de “género”?
Estas son las dos primeras preguntas que surgen de esta película en la que la sensacional actuación (y caracterización) de Meryl Streep no logra salvarla de ser una rápida y concisa biopic que, ni siquiera respeta la cronología de los hechos históricos, más allá de las elipsis que se pueden tomar en este tipo de películas. ¿La directora no leyó que la reelección de Thatcher fue posterior a la Guerra de Malvinas? ¿Tan poco relevante era su oposición al mercado común europeo que apenas se lo menciona?
De esta manera, con velocidad pasmosa (a no confundir con dinamismo) se pasan por todas las etapas de la vida de Thatcher a quien se la presenta como una viejecita terca y amable, que habla con el fantasma de su esposo muerto. Reducir a eso a la única mujer que fue tres veces Primera Ministra en Inglaterra, es un despropósito porque termina vaciando de contenido a un personaje fuertísimo y de rico contenido, tanto para sus admiradores como para sus detractores. Además, la frialdad y el empuje de los que hacía “gala” Thatcher no se expresan tal como su fama merecería sino que muestran a una mujer que, tal como va a una cabra a la montaña, sube todo el tiempo pero sin importar como. Ahí, esa omisión en el mostrar ese “como” (porque sino parecería ser muy fácil llegar a ser candidata del Partido Conservador) es una de las tantas patas rengas del film.
Es en la parte concerniente a la guerra de Malvinas, donde se nota un mayor aplomo en la dirección. Más aún cuando da la orden de hundir al crucero General Belgrano pero, paradójicamente
La actuación de Meryl Streep está ternada para los Oscar con lo cual no extraña en lo más mínimo que esto ocurra pero si es para destacar el trabajo de Jim Broadbent como el esposo fantasma. Broadbent desarrolla un trabajo sutil, de momentos que rellenan todo la pantalla y funciona como una excelente contraparte/partanaire de Streep. El resto de las actuaciones es correcta pero esa corrección no es una virtud sino falencia ya que no hay vuelo artístico sino una medianía alarmante.
“La Dama de Hierro” es una biopic rápida y amena que cuenta con la enorme ventaja de tener a Meryl Streep en un protagónico que salva a la película de caer en lo que serían las góndolas de los viejos video-clubs.

Ficha técnica

Título Original: The Iron Lady. Con Meryl Streep, Jim Broadbent, Olivia Colman, Alexandra Roach, Harry Lloyd, Anthony Head y Richard E. Grant. Dirección: Phyllida Lloyd. Guión: Abi Morgan. Producida por Damian Jones y Tessa Ross. Música: Clint Mansell y Thomas Newman. Dirección de Fotografía: Elliot Davis. Montaje: Justine Wright. Diseño de Producción: Simon Elliott. Dirección de Arte: Bill Crutcher. Género: Drama – Biografía. Año: 2011. País: Inglaterra. Idioma: Inglés. Duración: 105 minutos
Cines: Village Recoleta, Pilar, Caballito y Avellaneda; Showcase Belgrano, Norte, Haedo y Quilmes. Hoyts Abasto, Unicenter, Panamericana, Morón, Temperley y Quilmes. Cinemark Palermo, Caballito, Pto. Madero y Adrogué. Atlas Patio Bullrich, Cinema City Gral. Paz, Atlas Rivera Indarte, Lorca, Multiplex Belgrano, Monumental Lavalle, Cinema Devoto, Nordelta Cinemas y Canning Multiplex

Cine: “Que lo pague la noche”

2012-02-03T09:50:00.000-03:00

Un thriller barrial

Lugano siempre fue una zona conflictiva, con mucho mito alrededor, que se acrecienta en aquellos que no conocen la zona. Si a esto le añadimos que la historia del film está ambientada en el 2001, en los días que la Argentina voló por los aires, ya tenemos un contexto mínimo de suspenso. Aquí, el personaje central del film, Esteche se casa en una plaza del barrio y en el momento en que va a hincar el diente en la torta, cae desmayado.
El devenir del cuerpo (más allá de si está muerto o no) es toda una travesía en lo que serían las conductas y relaciones interpersonales en un barrio donde los códigos y las lealtades están relacionadas con el honor y un sentido de pertenencia e identidad, aspectos ambos que se encuentran actualmente en vías de extinción.
El poco diálogo que tiene la película y la construcción de un film construido a través de un lenguaje de imágenes, dan cuenta del talento de Nestor Mazzini para crear un thriller barrial en el que la tensión es palpable en cada momento. La superposición de tiempos y espacios con los que juega el film, sumado al clima onírico de las tomas dan cuenta de la riqueza de la película en la cual el montaje exacto es el toque final de la creación. El tratamiento de las imágenes transmiten esa sordidez con la que cuenta el ambiente en el que se desarrollan las acciones. Inclusive uno imagina la película desarrollada toda en un plano secuencia que es uno de los mejores recursos con los que cuenta. Por su estructura, no es una película de “fácil digestión” y que puede llevar a muchos a no comprender hacia dónde va la película (como si tuviese que ir a algún lado). Es ese montaje, junto con la utilización de la cámara, dos de las patas fundamentales sobre la que se sostiene una película que a primera vista, parece concebida por un “aficionado” pero que va mostrando sus riquezas de la misma manera que se pela una cebolla. Capa tras capa, una tras otra, la película termina atrapando al espectador dubitativo e incrédulo de lo que está viendo.
“Que lo pague la noche” es una película que requiere de una apertura mental importante asi como el dejar de lado ciertos prejuicios de espectador avezado (o de periodista consagrado), para internarse en los laberintos oníricos de Villa Lugano.

Para el finde del 3-2

2012-02-02T15:57:00.009-03:00

Villamil canta como pocas

De regreso en el país -luego de un año de numerosas giras en el exterior- Soledad Villamil ofrecerá un nuevo ciclo de conciertos en Buenos Aires, los viernes y sábados de febrero 2012 en el Centro Cultural Torquato Tasso. En estos sus shows de verano en la sala de San Telmo -ya un clásico dentro de sus actuaciones porteñas- repasará canciones de sus dos CDs y presentará nuevo repertorio, siempre con arreglos y dirección musical de Jose Teixidó.
Recientemente, Soledad cantó con gran éxito en el Mertz Theatre de Sarasota (EEUU), como artista invitada al prestigioso Ringling International Arts Festival, encuentro internacional que cuenta con la dirección del gran Mijail Baryshnikov. En dicha oportunidad, Villamil fue ovacionada en cuatro shows a sala llena en los que repasó lo mejor de su repertorio y fueron calificados como “noches de delicia” por el crítico del Herald Tribune.
Durante el 2012 iniciará la grabación de su tercer disco solista –actualmente en pre-producción-, y a mediados de año será el estreno de “Todos tenemos un plan” film que co protagoniza junto a Viggo Mortensen, dirigido por Ana Piterbag.
Viernes y sábados de febrero. Centro Cultural Torquato Tasso. Defensa 1575. A las 22 hs.

Vallaco en Flores

Laura Vallacco sigue presentando su disco “Corte y Confección” en Café Criterio, en el porteño barrio de Flores. Laura Vallacco forma parte de una nueva generación de compositores influenciados por diferentes estilos de música, que han logrado sintetizar su trabajo en canciones con un sello claramente personal.
En este momento sigue presentando su primer material discográfico de canciones propias, “Corte y Confección (canción genérica de amplio espectro)”. Los músicos que grabaron en este proyecto acompañando a la compositora y pianista son Nora Fleischman en vientos y coros, Matías Vardé en vientos y coros, Federico Bardotti y Martín González en guitarras, Taty Calá en bajo y contrabajo, y Matías Furió en Batería y Percusión.
Esta próxima fecha estarán Laura Vallacco en piano y voz, Taty Calá en bajo y voz, Matías Furió en percusión. E invitados sorpresa!
El Caleidoscopio ya estuvo presenciando el show de Laura. Aquí está la crónica del recital asi te sacás la modorra y te vas para Flores (y después, te comés una rica pizza en el Odeón!) http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com/2011/10/laura-vallaco-en-vivo-buenas.html
Viernes 3 de febrero. Café Cultural Criterio. Varela 503. A las 21.30 hs.

Fiesta loca

La Oreja Negra, lugar copado de la escena porteña si los hay, tira la casa por la ventana con motivo de su primer aniversario. Por tal motivo, durante todo enero y febrero está a pleno con festejos varios asi como la inauguración de su estudio de grabación.
Para este sábado, se viene la festichola con La Nuca Hungara +Simja Dujov+Barmitzmidis. Una noche para bailar y pasarla bien al ritmo de la música de los Balcanes y de Medio Oriente, con la alegría y danza que caracteriza a las músicas de dichas latitudes. Tragos, narguila y falafel combinados en una fiesta donde el reloj olvida sus reglas esquemáticas y el tiempo pasa a un segundo plano ante la avalancha musical que sale del escenario.
Imperdible show para un sábado de febrero donde el verano permite que los cuerpos y las mentes se estrechen en un fuerte saludo.
Sábado 4 de febrero. La Oreja Negra. Uriarte 1271. A las 21 hs.

Ilustraciones de hoy y siempre

A modo de los catálogos de ilustración que al dar vuelta las páginas nos vamos encontrando con estilos o lenguajes diferentes, esta muestra está pensada (o concebida) así, de esta manera. Sin un recorrido específico, trasladandonos de una estética a otra sin ningún tipo de prejuicio.Sólo dejarnos llevar de una imagen a otra, a otra y así sucesivamente...
Ocho ilustradores, cada uno con sus temas, técnicas, soportes y su forma de hacer. Dibujos sobre papel, pinturas, tintas, lápiz, collage. Ilustraciones detallistas, ingenuas, simples, dramáticas, narrativas o no, pensadas o azarosas. Un pequeño y cuidado panorama de la ilustración de hoy. Bajo el nombre de “Ecléctica- Ilustración Contemporánea”, exponen Bela Abud, Marina Aizen, Esteban Alfaro, María Jesus Alvarez, Santiago Caruso, Laura Michell, Ezequiel Quines y Gustavo Scacchi.
Inauguración sábado 4 de febrero a las 18 hs
P.O.P.A. Lamadrid 882 (a una cuadra de Caminito). Hasta el 25 de febrero.

Dance all night long

Este sábado 4 de febrero, en el Club Cultural Matienzo (Matienzo 2424, casi Av. Cabildo), tendrá lugar la primera edición del AGUA Fest. Una iniciativa del productor cultural Fernando ‘Chatarra’ Fauszleger, encargado de juntar en una sola noche y bajo un mismo concepto visual a un puñado de artistas emergentes. Desde las 22 hs. y dispuestos en tres escenarios diferentes del Matienzo, van a pasar primero Lucila Pivetta y Lo de Nacho (alter ego del cantautor Ignacio Seratti). Luego será el turno del chileno Trastrigo, Julieta Sabanes y el crédito uruguayo: Adrián Soiza. Entre artista y artista, la musicalización queda en manos de DJ Juño (Julián Gómez) y No DJ Chat. "El AGUA Fest es un catalizador de nuevas propuestas de la música indie local -dicen los organizadores-, otorgándoles la importancia y el apoyo que similares artistas reciben en otras partes del planeta. Su objetivo es generar un ámbito fluido para un público curioso y ávido de otras opciones, en un contexto adecuado para diferentes sensibilidades artísticas".
Sábado 4 de febrero. Club Cultural Matienzo. Tte. Benjamín Matienzo 2424 . A las 22 hs.

Para ir agendando

El 9 de Febrero comienza el ciclo “El Living De Palermo”. En el alma de Palermo al lado de la emblemática iglesia de la comunidad Armenia, nos sorprende una sala increíble, del 1930 en estado óptimo. Techos, arañas, claraboyas con vitreaux y la boiserie de madera todo en estado impecable. Con un escenario de 12 m de boca por 8 metros de profundidad. Con sonido y luces propias, esta sala tiene la particularidad de no tener butacas, lo que le da el valor agregado de poder armar un ambiente distendido y cálido.
De esta manera, llegan los jueves de música a Palermo en la sala Siranush. Artistas de primer nivel se podrán disfrutar desde los LIVINGS, cómodos y cálidos, donde el espectador además de beber buenos vinos, tragos o deleitarse con picadas o algunas especialidades de la cocina armenia, podrá ver el show a escasos metros… como en el living de su casa. Pequeños espacios, íntimos, creados con sillones, alfombras, iluminación acorde, prometen con muy buen gusto y eclecticismo un ambiente especial para cada show.
El primer jueves del ciclo, el próximo 9 de Febrero, se abre con Mariano Otero Quinteto a quien le seguirán en los sucesivos jueves Hilda Lizarazu y Moris – Birabent.
El Jueves 9 de Febrero, Mariano Otero, uno de los mejores representantes del jazz actual, presenta su último trabajo discográfico “Rojo”. Grabado con un grupo de diez músicos e invitados de lujo como Luis Alberto Spinetta, Liliana Herrero, Javier Malosetti, entre otros. Reúne composiciones originales y la milonga “Guitarra dímelo tú”, de Atahualpa Yupanqui.
Jueves 9 de febrero. Sala Siranush. Armenia 1353. A las 21 hs.

Alessandra Rampolla: “Lo fundamental es hablar con los niños”

2012-01-27T16:52:00.000-03:00

La famosa sexóloga portorriqueña estuvo en Argentina presentando su nuevo libro “Sexo ¡¿Y ahora qué digo?!” en el cual encara la forma en que los padres deben hablar con sus hijos de este tema. ECDL habló con Alessandra sobre algunas derivaciones del sexo.

EDCL: Alessandra, ¿cómo hay que hablarles a los niños de sexo?
Alessandra Rampolla: A los niños se les habla desde un lugar de mucha simplicidad, con información clara y real, de acuerdo a su etapa de desarrollo y su edad. Que sea una conversación en el transcurso de la vida del niño y que se repita varias veces. Cada vez se va sumando más cositas y se dará un progreso paulatino. Una pregunta puntual recibe una respuesta completa real. No hay que pensar que estas hablando con un adulto sino que se brinda una respuesta simplificada, sobre todo, la edad y etapa de desarrollo en la que se encuentra el niño. Eso si, entre brindar información de más y brindar información de menos, es preferible dar de mas. Si dan información de mas y el niño no pide más porque su curiosidad fue satisfecha, lo único que vas a perder será un poco de energía y saliva. Si dices de menos y el chico quedó con curiosidad, va a averiguar y el problema va a ser que va a averiguar en fuentes que tu no estas controlando ni manejando. Tu no quieres que salga a la calle y le pregunte a un amiguito o se meta en Internet a averiguar algo que no sabes quien lo sube y con que intención.

EDCL: Es un libro para adultos, no?
AR: El libro está escrito para los padres y no a los chicos. No les toca a ellos sino a nosotros, los adultos responsabilizarnos por la formación de los chicos. Este libro es para los adultos, para que tengamos las herramientas necesarias para la labor de educar a los chicos. Tendríamos que estar mejor preparados para esto, sobre todo en un tema tan neurálgico como es su sexualidad y su definición propia. Esto abarca a muchas facetas de la vida humana. Es muy distinto como uno lo sabe y como explicarlo a un niño. Incluso resulta incómodo y que no suene chancho o como una guarangada. El tema de las palabras adecuadas para decir determinadas cosas. Una de las cosas más importantes es la forma en que hablamos, que tienen que hacerse en este proceso. No nos damos cuentas de evasivas y lagunas que tenemos en nuestra información y de esto no nos damos cuenta hasta el momento en que estamos frente al niño. “Y ahora que le digo a este niño” y ahí ya es demasiado tarde. En el mejor de los casos, vayamos preparándonos de antemano ante el momento imprevisto de la mega pregunta.
Los chicos no van a preguntar siempre. Entonces uno nunca sabe cuando va a pasar la pregunta. Hay que estar preparados muy de antemano. Todavía cae algo de prejuicio y en el como te sientes hablando de estos temas. Porque lo que uno aprende cuando uno es pequeño, se queda toda la vida con uno. Cuando uno deja algo de base, es más difícil replantearlo y cambiarlo. Recordemos que esto viene de la boca de la “autoridad”. “Lo dijo mi mamá” y eso.

EDCL: ¿Cuándo te diste cuenta que este es un tema tabú entre los padres?
AR: Hay muchos temas tabú entre los padres pero creo que lo que más se repite es el no saber abordar el tema. No conozco ningún padre que me haya dicho que “no quiero que mis niños no sepan de sexualidad”. Todos quieren ser buenos educadores pero no saben como hacerlo. Por eso, teniendo en cuenta eso escribí el libro y de acuerdo a esto, fue la manera en que lo encaré. Era ayudar a que ellos monten su esquema y su libreto de cómo van a abordar el tema con los niños. El mensaje es que hay que animarse a hablar. Hay algo muy importante en ser mamá o papá y nadie te da ningún tipo de entrenamiento. Hasta para servir un vaso de coca cola te dan un curso y para ser madre o padre, no hay nada que te capacite. La verdad es que nos hace falta un poco de refuerzo. Muchas veces, de donde nos basamos para enseñar es lo que nosotros aprendimos y no siempre tuvimos el mejor modelo a seguir. Es bien importante que los adultos nos preparemos para hacernos cargo de esta tarea de la mejor manera posible.

EDCL: A las cosas hay que llamarlas por su nombre, no?
AR: Si, si. Es importantísimo porque sino estás dando un mensaje de “por algo no me dijeron esto”, “algo mal debe andar con esta parte de mi cuerpo”. Hay un mensaje tácito de negatividad sobre las partes del cuerpo que representan la sexualidad. Ahora queremos mostrar que este no es el caso. Damos el nombre correcto y a partir de ahí, los apodos que sean. Pero que sepan que son apodos.

Intermedio: Ataviada toda de negro y su pelo corto, casi carré, Alessandra Rampolla impactó a los presentes en la presentación de su libro “Sexo ¡¿Y ahora qué digo?!”, con su belleza y su inteligencia. Su voz y su acento caribeño son inconfundibles.

EDCL: En los últimos años, ¿notaste que en los últimos años hubo una mayor apertura mental sobre estos temas?
AR: Algo. No tanto. Básicamente se ha dado porque en los medios se habla más de sexualidad y la gente se acostumbra más a escuchar esos temas por lo cual se relaja un poco. En ese sentido hay una apertura. La información que se maneja no siempre es la más adecuada. No siempre es la más basada en el amor, la buena onda y el no prejuicio. Pero si estamos más acostumbrados a escuchar hablar de sexo. Hace quince años, escuchar hablar de estos temas en los medios de comunicación, era mucho más chocante, y hoy, venía en un taxi y escuchaba que estaban hablando de homosexualidad y bisexualidad en la radio. En ese sentido se ha evolucionado y está bueno que siga existiendo el dialogo y la discusión al respecto. Esto nos permite conocer y entender.

EDCL: Sin contar la crianza machista que hay a través del tiempo…
AR: Y que todavía existe. Sigue conspirando al respecto y volvemos. De donde sale el machismo? De los papás y las mamás que educamos a las futuras generaciones para que sigan siendo machistas. Es una responsabilidad grande el ser mamá y papá. Simplemente, se trata que juntos nos ayudemos para que nuestras labores sean más fáciles y esten basadas en cosas positivas y no en prejuicios y negatividad. Las mujeres tenemos mucha menos información. Si una nena se toca, está mal pero si el nene se toca salta enseguida “Ja! Ves? Ya se está preparando!” En mi casa se dio asi. Mi hermano, que es menor que yo –soy la del medio-, era el favorito de mi papá. Cuando entró en la etapa de la adolescencia, me acuerdo que mi papá hacia comentarios de “jaja, se encierra en el baño” y esas cosas. Si yo me encerraba en el baño, el comentario era “Alessandra es tan vanidosa que se encierra horas en el baño, maquillándose”. No se le ocurría que yo podría estar experimentando con mi sexualidad. Del varón se asume al instante pero de la chica, olvídate. Es una cuestión cultural.

EDCL: El tema de la masturbación tanto del hombre como de la mujer….
AR: La masturbación es natural tanto en hombres como en mujeres. Nosotras, como mujeres, hemos sufrimos a menudo con nuestro placer sexual de adultas. Nos acordamos de lo duro y lo difícil que fue el permitirnos sentir placer. No se suponía que lo exigiésemos tampoco. Pero todavía cuesta porque nos enseñaron que las nenas no se tocan. La información que se brinda desde pequeños es la más importante porque se queda con nosotros en nuestras vidas. El proceso de aprender algo y después entenderlo e integrarlo es otro distinto. No basta con aprender las cosas sino integrarlas y practicarlas. Al ponerlo en práctica es cuando empezás a ver la diferencia. No basta solo con aprender las cosas sino en la repetición donde empieza a integrar todo. Uno tiene que practicar activamente, todo lo que procesaste. Ahí es donde empezas a ver la diferencia, cuando lo ponés en práctica. Hay que tener un cómodo manejo de nuestra sexualidad. La persona que no se siente a gusto consigo misma, le cuesta horrores hacer otras cosas. Este tipo de lección no se aprende en la escuela y tiene mucho que ver en como las personas manejan o dejan de manejar sus vidas y lograr cosas a las que quieran acceder. De eso es un poco que se trata este libro.

EDCL: Hablando de los tabúes, un tema escabroso para muchos padres es el explicar la homosexualidad…
AR: Hablar de la homosexualidad es tan sencillo como decir que es una persona que prefiere estar con otra de su mismo género. Le gustan las personas de su mismo género. Te lo da la misma definición. La moral de la persona no va de acuerdo a la persona con la que está, a nivel de género. Hay que aclarar que es una manera distinta de ser y que no es una enfermedad. También que hay mucho prejuicio, “que esto es feo”, “que esto es malo” y que “es una enfermedad” y no se trata ni de ser feo, malo o enfermo. Es simplemente que no lo aceptan pero que lo que vos elegis, está bien. Celebrar la diferencia es ver la belleza en el hecho que somos distintos y eso está buenisimo. Es un tipo de actitud que hay que enseñarles a los chicos, la del amor y no la del odio.
La persona homosexual se puede dar cuenta a más temprana edad o más tarde de su condición. A muchos les cuesta porque la sociedad no acepta cómodamente a la persona homosexual. Imaginate que cuando son niños, les preguntan “¿tienes noviecito?”, “¿tienes noviecita?”. La cultura en Latinoamérica y en casi todo el mundo, es muy heterosexual. Un niño está creciendo y tiene un interés pero lo niega para mantenerse en los parámetros de la sociedad. Allí es donde muchas personas se cuestionan al respecto. Vivimos con mucho prejuicio y estereotipos. Igualmente, todo cambió bastante en los últimos diez años. La primera aprobación del chico es la que busca en la casa.

ECDL: Ahora, con la sancionada Ley de Matrimonio Igualitario, ¿cómo se explicaría el tema de la adopción por personas del mismo sexo? O casos como el Florencia de la V?
AR: Se le explica que Florencia de la V es una persona que tiene mucho amor por dar y teniendo la posibilidad de hacerlo, generosamente donó su cuerpo para hacer algo que le era físicamente imposible de hacer. Mirá que bonita historia. Muy distinto a decir que “es antinatural”, “que la ciencia hoy en día”, que son opiniones que ustedes pueden tener pero que jamas van a aportar a que los niños se transformen en personas “buena onda”. Que no crezcan para ser personas que terminen odiando a otra por la diferencia.
A un niño se le explica que hay quienes tienen “dos mamás” o “dos papás” porque la mamá de fulanito está enamorada de su otra mamá. Esto está relacionado con el tema del amor. Es el caso de Florencia de la V pero también pienso en Ricky Martín. Cuando pensamos en educación sexual, es como la cebolla con sus múltiples capas y son todos estos temas que se van a estar viendo de una manera seria. Es muy importante tener las herramientas. Cuando uno le da una respuesta buena, el niño va a seguir preguntando y no buscará la respuesta en otro lado donde uno no sepa que le están diciendo. El niño pregunta en cualquier lado y en cualquier momento, donde la curiosidad lo asalte.

EDCL: ¿Cómo ves la influencia de los medios ya que, si bien se habla de sexo, también hay un basterdeo a la cuestión de género?
AR: Es una de las muchas cosas. Cualquier tipo de violencia es para tener en consideración cuando tocamos estos temas. Ahora salieron los casos de “buylling” en las escuelas, que cada vez es más a menudo, entre los mismos chicos y que antes se veía de distinta manera. Es muy violento y muy tremendo. Todo esto se va a empezar a manejar mejor si empezamos en la raíz a dar información que invite a y a no ser de esa manera. A la no violencia, al amor, a la integración, a la aceptación, a todo el conocimiento sobre uno mismo y de estar bien al respecto y con el otro, siempre respetando al otro. Son normas que no se vienen dando bien en los últimos años y estamos viendo las consecuencias pero hay que apretarse los pantalones y manejarse mejor.

Alessandra Rampolla: “Sexo ¡¿Y ahora qué digo?!” (Random House Mondadori)

Hombres de Teatro 2011

2012-01-27T16:36:00.002-03:00

En lo que a actores se refiere, el 2011 tuvo a varios –no muchos- que engalanaron dicha palabra actor. Al respecto, es notorio que haya habido mayor cantidad de actuaciones femeninas para destacar, al encarar las chicas el desafío de los unipersonales más que los hombres. En los pocos unipersonales masculinos que hubo, destacaremos a Germán Rodríguez (foto derecha), Javier Medina y Emiliano Dionisi. Rodríguez es un reconocido actor que este año deslumbró tanto en el unipersonal “Rodeo”, donde su cowboy residente en la pampa argentina refresca ciertos comportamientos de las bien pensantes clase media y terrateniente de nuestro país, como en “Mujer armada, hombre dormido”, donde le pone el cuerpo y el alma a la vorágine creativa que Martín Flores Cárdenas logró dar a luz en esta puesta. Por su parte, Javier Medina logró que su personaje fuese atravesado por la historia reciente argentina asi como por los tics de nuestra sociedad. El tercer destacado es el hiperactivo Emiliano Dionisi que en la sublime “Perderte otra vez” (también participó en “Los invertidos” y “Se alquila, con una condición”), combina drama y comedia en un texto fantástico en el que la ausencia de palabras da cuenta de un trabajo sobresaliente. Dionisi retoma la frase de Gustavo Cerati en “La Ciudad de la furia” con lo de “un hombre alado/ prefiere la noche”, al utilizar el trapecio y las telas para desplazarse en un horario nocturno.

El año había comenzado con la excelente “Toc Toc” y allí, tanto Daniel Casablanca como Mauricio Dayub fueron de lo más destacado de un elenco sólido por donde se lo mire, en una obra que al dia de la fecha, está haciendo temporada en Mar del Plata, con éxito de público. En este mismo elenco, Diego Gentile (foto izquierda) no solo participó con sapiencia sino que su propia inquietud lo llevó a transitar las vivencias de un asesino en “Matar cansa”. Allí, Gentile pone su humanidad a un ser tan controversial como peligrosamente familiar, con exactitud, sin caer en clichés, manteniendo la tensión durante la hora que dura la obra.

Si de personajes complejos se trata, tanto Luis Machín (“La Familia Argentina”) como Rodrigo De la Serna (“Lluvia constante”) lograron trabajos más que logrados. Machín (foto derecha) como ese hombre culto, inteligente, que trata de mantener una argumentación sólida y coherente para llevar a cabo su deseo: separarse de su esposa para convertirse en el marido de su hijastra. En el caso de De la Serna (foto de abajo), construye a Dani, un policia corrupto, violento y, en un punto, querible, en un laberinto de sensaciones, que atrapa y en el que no derrapa en ningún momento, convirtiéndolo en un ser extensible a muchas aristas de nuestra sociedad. La forma en que De la Serna convierte el escenario en una selva de cemento denominada “ciudad”, de la cual es el Rey, es admirable.
Para el final, un grande como Lorenzo Quinteros que creo a Cesareo, en “Pezones Mariposa”, un viejo jugador de fútbol retirado que no se resigna a ser un testigo de cómo sus laureles se marchitan con el paso del tiempo y que va a apelar a lo que sea para que esto no ocurra.
Este fue un pequeño resumen de lo ocurrido en el 2011. Esperamos con alegría que el teatro se difunda de la manera en que se merece asi como que los actores y actrices tengan fuentes de trabajo en las cuales volcar el talento con el que cuentan.

Cine: “Al borde del abismo”

2012-01-27T16:29:00.000-03:00

Una formula probada y efectiva

Un “loco” llamado Nick Cassidy está parado en la cornisa de un edificio a punto de saltar después de haber estado en cárcel por un crimen que nunca cometió. ¿Algo nunca visto, no? Pero si un mérito tiene esta ópera prima de Asger Leth es que es atrapante con armas efectivas y de real valía, con un elenco que banca la parada en cada momento en que le toca intervenir.
El loco no solamente un loquito que no tiene nada que hacer sino que viene con una historia de antemano que se irá descubriendo de a poco, desde el momento que Spencer, una mediadora de la Policía, se acerque para entablar algún tipo de diálogo con el supuesto suicida. De esta manera, el rompecabezas se irá armando de a poco, sin prisa pero sin pausa, con un ritmo sostenido y un montaje exacto para las tomas que conforman la película.
De más está decir que los personajes no cuentan con una gran variedad de matices a desarrollar y que, una vez que se tomó la punta del ovillo, es previsible pero es ahí, en ese camino a la previsibilidad donde reside el valor de la película, convirtiéndose en un entretenimiento que no defrauda en ningún momento.
Con respecto a los personajes, Leth contó con un elenco sólido en el que se destaca todo el oficio de Ed Harris como “el” villano, un millonario que posee un diamante de gran valor pero que reporta como robado cuando no fue tal cosa y con relaciones carnales con altas esferas de la policía y la política neoyorkina. Sam Worthington y Elizabeth Banks son la pareja protagonista de suicida-mediadora, que mantienen la tensión con corrección al igual que Ed Burns, como el jefe de Spencer. Como hay que mantener los clichés de la previsibilidad, hay una latina en el medio, encarnada por Genesis Rodriguez (hija del Puma Rodriguez) que hasta putea en español para el baboseo del norteamericano medio.
La corrupción en la policía y el papel de los medios en la transmisión de las noticias “relevantes” (encarnado esto en la persona de Kyra Sedwick) también forman parte de este coctel explosivo pergeñado por el guión de Pablo Fenjves.
“Al borde del abismo” entretiene, divierte y mantiene la tensión a lo largo de los ciento cinco minutos que dura. Nadie sale decepcionado de un buen pasatiempo y menos aún, si al final, suenan los Clash con “Police on my back”.

Ficha técnica

Con Elizabeth Banks, Sam Worthington, Jamie Bell, Edward Burns, Kyra Sedgwick, Ed Harris, Anthony Mackie, Genesis Rodriguez, Jonah Falcon, Pooja Kumar, Afton Williamson, Geoffrey Cantor, Frank Pando, Peter Conboy, J. Bernard Calloway y James Andrew O'Connor. Dirección Asger Leth. Guión: Pablo F. Fenjves. Producción: Lorenzo di Bonaventura y Mark Vahradian. Productores ejecutivos: Jake Myers y David Ready. Música original: Henry Jackman. Fotografía: Paul Cameron. Montaje: Kevin Stitt. Coordinador de efectos especiales: Conrad V. Brinck Jr. Editor de sonido: Jamie Hardt. Maquillaje: Todd Kleitsch. Peinados: Suzy Mazzarese-Allison. Diseño de vestuario: Susan Lyall. Diseño de producción: Alec Hammond. Director de arte: David Swayze.
Cines Hoyts Abasto de Buenos Aires, Atlas Patio Bullrich, Village Recoleta, Belgrano Multiplex, Showcase Cinemas Belgrano, Cinemark 6 Caballito, Village Caballito, Monumental, Hoyts Dot, Cinema Devoto, Atlas Flores

Ampelmann (Teatro)

2012-01-27T15:17:00.001-03:00

Las pequeñas revoluciones

De Victor Winer. Con Marcela Ferradás, Alfredo Castellani, Cutuli, Juan Ignacio Bianco y Noelia Sciancalepore. Vestuario y Escenografía: Carlos Di Pasquo.Iluminación: Miguel Solowej. Asistencia de escenografía: Fernando Díaz. Asistencia de vestuario: Mariana Perez Cigoj. Asistencia de dirección: Martina Schvartz. Dirección: Mónica Viñao.

Teatro SHA. Sarmiento 2255. Jueves, viernes y Sábado, 21 hs, domingos, 20 hs.

Decía Marx que la historia se repite primero como drama y después como comedia. “Amplemann” da cuenta de este axioma al ver como lo que era considerado revolucionario hace unos años, hoy se transformó en una pequeña anécdota que no requiere mayor elogio. Los valores han cambiado y por lo que antes se luchaba, ahora se lo deja ser, más allá de lo que esta pose implique a nivel quietud o resignación. En este caso, Julio (Cutuli) se marcha de su casa, de un día para otro, en su lucha por tener un mundo mejor, para salvar al Ampelmann, el muñequito que era utilizado en los semáforos de Berlín, al cual, con la caída del Muro y porque remitía al régimen comunista, las nuevas autoridades querían eliminar. A los dos años de esa partida, Julio retorna al hogar para encontrar a su esposa Marta (Marcela Ferradás) viviendo con su ex amigo Álvaro (Juan Ignacio Blanco).
Un acierto de la puesta es el trabajo que se hace en relación al paso del tiempo. Que dos años, hoy en día, es mucho y que la velocidad de los acontecimientos atenta contra todo y todos, en una carrera perdida de antemano. El tono de comedia permite que el desarrollo de la puesta sea ágil y no decaiga en ningún momento. Entretiene, divierte pero también pone algunos puntos en consideración. Amor, lealtad, el deber de padre y los valores que hoy y de antes, se conjugan en una puesta disfrutable de principio a fin.
Cutuli es un Miguel exacto. Querible y con una pasión desbordante, es el que todavía cree que todo es posible mientras que la muy buena composición de Marcela Ferradás para Julia, es la que lo baja de un hondazo para decirle que “el tiempo es veloz” y que los fracasos de otros tiempos no se cubren con una victoria pírrica que le hizo sacrificar a su familia. Alfredo Castellani es un Álvaro ventajero y resentido, pero el personaje nunca pierde el nudo de la puesta que es la comedia, logrando momentos de mucha hilaridad, con un antihéroe muy bien construido. Los jóvenes Juan Ignacio Bianco y Noelia Sciancalepore acompañan con corrección, en especial, Sciancalepore que es la novia de Camilo, el hijo de Miguel, con participaciones acertadas, tanto para descomprimir como para dar cuenta de manera categórica e hilarante que muchos valores han cambiado, sin que ninguna revolución lo haya podido prever.
“Ampelmann” abre el juego de los valores actuales y pasados asi como de logros y fracasos de otros tiempos y generaciones, a través de una comedia que permite tanto la risa como la reflexión.

Disco: “Beautiful imperfection” de Asa

2012-01-27T15:14:00.000-03:00

Para el gran público, Asa es un nombre que provoca duda. “¿Quien?”, “¿Cómo se llama?”, “Ahhh, se llama Asa”. Recién ahí es cuando se empieza a prestar atención a una artista que va por su segundo disco, el cual es el que escuchamos y presentamos (recomendamos) para ustedes.
En “Beautiful imperfection”, Asa demuestra contar con una voz suave y poderosa, de esas que transmiten emoción a través de canciones de variados ritmos, aunque más cercano al jazz, soul y un toque de reagge. Nigeriana de origen, francesa por adopción, digamos que Asa sería una continuación de Sade aunque no tan pop, sino con matices en este sentido. Buenos arreglos, con una instrumentación acorde para permitir una rápida escucha y llevarse una muy buena impresión De esta manera saltará de un reagge matizado con una guitarra distorsionada en “Bimpe” a una balada dramática como “The Way I Feel” o “Preacher man”. Lo mismo ocurre con el paso de “May be” a “Be my man”
El disco comienza con una tonada alegre y amigable sin que esto implique que sea liviano con “Why can’t we”, un reggae rápido, con cierto guiño en su comienzo a “God only knows” de los Beach Boys en su forma de cantar y con un estribillo de esos que despiertan una sonrisa automáticamente.
Con “Be my man”, Asa suena en un tono Amy Winehouse pero más rápido y soul, con un tema muy lindo, de esos que levantan el ánimo para pasar a una canción acústica y emotiva como “Baby gone”. El idioma yoruba se aprecia en la mencionada “Bimpé” y en la animada “Brodaolé” en la que se mezclan palabras en inglés. Para el final, un piano preanuncia la última canción, la cuestionadora “Questions” en las que Asa se pregunta retóricamente sobre varias cuestiones que sobrevuelan su mundo. “Dime cuantas mujeres y niños olvidan sus sueños/ cuantas películas se vuelven real/ Hay tantas preguntas que me gustaría hacer/ asi podés entender como me siento” canta Asa para cerrar con una interesante reflexión un álbum que pasó rapidísimo en la compactera.
Las letras, todas compuestas sola o en colaboración por Asa, (cuyo verdadero nombre es Bukola Elemide) van desde una postura íntima, con planteos existenciales hasta críticas a la situación política actual. En “May be”, hace una editorial sobre la base de una canción simple, con una programación de batería y un tono de voz casi infantil. Dice “El mundo está lleno de dolor/ hay gente muriendo por todos lados/ ¿alguien puede decirme con quien me puedo quejar?/ Nunca se vio esta atención en la seguridad/ hasta el terror y la catástrofe/ y ahora está todo lleno de armas”/. En “The way I feel”, da cuenta de sus dudas personales y su relación con el mundo. “Me siento flotar a través de la existencia/ viviendo después de tiempo/ Me siento forzada a romper el silencio/ Es esto un crimen?/ Siento que no estamos suficientemente enojados/ que mientras esperamos /el reloj está corriendo /y que va a haber una explosíon!”. Lo mismo ocurre con la búsqueda de soluciones a preguntas con “Preacher man”, aquí plasmando todas las dudas de un futuro incierto al tiempo que trata de hacer bien las cosas. “Predicador, vine hasta ti porque necesito tener fe/ perdí mi camino/ con mi bolsa llena de vergüenza/Ayer tenía todo y hoy no tengo nada/ Donde estas, donde te puedo encontrar/ Señor, muéstrame tu cara por favor!/.
Con un sonido de alta calidad y una interpretación sentida y cálida, “Beautiful imperfection” da cuenta de un muy buen disco donde el título es premonitorio de todo lo que se va a escuchar a posteriori. Asa consolida su carrera con un disco absolutamente recomendable para escuchar más de una vez, en distintos momentos que producirán diversas emociones y sensaciones.

Para el finde del 27-1

2012-01-27T11:19:00.003-03:00

Música a punto

2 o'Clock es Victoria Zotalis en voz y Pablo Márquez en guitarra y arreglos. Es también buena parte de los mejores compositores del rock & pop de los 60s, 70s y 80s. The Beatles, Michael Jackson, Sting, Queen y otros tantos.
Y es sobre todo una fresca y renovada actitud musical ante estos clásicos de la música popular. Abordan un repertorio conocido por todos de una manera desconocida, logrando una originalidad que vuelve estas canciones clásicas en nuevas gemas para disfrutar.
La impronta de 2 o'Clock es distinta, singular, desinhibida y curiosa. Se liberan del molde o patrón primario de la canción para adueñarse de ella con libertad, personalidad, fluidez.
Y esta reunión –dónde predomina una intensa musicalidad, de esas que hacen difícil escucharlos y quedarse quieto en la silla- resulta en algo completamente inédito: como si fueran 2 cheffs gourmets en una cocina musical, utilizan un arsenal de condimentos y nuevos sabores en beneficio de dejarnos saborear estos aperitivos y suculentos platos , que nos remiten en nuestro paladar auditivo a sabores de toda una vida, con la sensación de estar degustándolos por primera vez.
Cada uno de los músicos aporta su singular estilo como intérprete, más una rica y variada técnica al servicio de un concepto donde prevalece una potente complicidad musical.
A este cóctel falta agregarle un interplay asombroso –cosecha de muchísimos años de hacer música juntos- donde por momentos pareciera estar sonando una banda completa, con todos los ingredientes desafiando al oído del que escucha, que se pregunta de donde surgen todos estos sonidos.
2 o'Clock es Victoria Zotalis en voz y Pablo Márquez en guitarra y arreglos. Pero es especialmente un viaje musical exquisito y sanguíneo que alimenta nuestras orejas con buen gusto y sensaciones nuevas.
Sábado 28 de enero. Vicente el Absurdo. Julián Alvarez 1866. A las 22 hs.

Gira Yira

Yira presenta nuevo material y nuevas ideas en el Espacio Dada, en una de las esquinas de la hermosa y kool plaza serrano. Allí la banda del Tano Ricci es local y deleita a todos los amantes de buena música con su propuesta. Yira, a partir de sus comienzos en el tango fusión, se fue convirtiendo a sí mismo en una máquina que absorbe varios ritmos que acompañan la existencia de los habitantes de los distintos barrios de Capital Federal. Sin la añoranza de un farolito que ha desaparecido y lejos de los purismos anquilosados en una falsa “autenticidad”, Yira atraviesa las vivencias de las calles y deja que esas experiencias lo transformen, sin rebusques innecesarios, en tango. Tango y rock, entre tantos géneros, se unen para llevar a la zona Ko-ool (como diría Flavio Pedemonti) de Capital, una propuesta renovadora, seria y de muy buen gusto. A no perderselo!
Viernes 27 de enero. Espacio Dadá. Borges 1655. A las 22 hs

Aprender teatro

Un respetadísimo amigo del Caleidoscopio y gran periodista (y persona) ha decido compartir sus conocimientos para que el arte de la crítica teatral puede ser ejercido con respeto y conocimiento. Gabriel Peralta, cráneo del site Critica Teatral, coordina el “Taller De Crítica Teatral” ( www.criticateatral.com.ar )
Se realizará una entrevista previa y contará con grupos reducidos. El objetivo del Taller es adquirir una mirada crítica para aplicarla laboralmente. Se propone trabajar sobre el objeto de crítica -el hecho teatral- en exclusividad, aplicando sobre el mismo los conocimientos teóricos, para que de esta manera se conjuguen teoría y praxis. Se utilizarán libros, periódicos, revistas, cuadernillos y sitios web, como soportes teóricos, para abarcar la multiplicidad crítica. Se facilitará la concurrencia a espectáculos teatrales para que estos se vuelvan elemento de trabajo con el fín de apreciar como cada soporte influye en la escritura crítica.
De más está decir que la seriedad y el conocimiento de Peralta está absolutamente garantizado.
Contacto: gabrielperalta@criticateatral.com.ar Cel. 15-5601-4049

Fusión en el Konex

Este viernes se presenta “Escalandrum”, la banda liderada por Daniel “Pipi” Piazzolla.
Con la inquietud artística de estos seis cultores de la música, el concierto en el Parador Konex 2012 recorrerá hits de toda su discografía, con su característica interpretación basada en el jazz pero entremezclada con otros ritmos populares, combinación que genera el sonido originalísimo de esta banda. Escalandrum nace en marzo de 1999 por la inquietud de Daniel “Pipi” Piazzolla de formar un grupo capaz de aportarle al jazz contemporáneo el color de la música de su Argentina de origen. El nombre del grupo surge de la combinación de “Escalandrún” (una especie argentina de tiburón que Piazzolla solía pescar con su padre Daniel y su abuelo Astor), y “drum” (‘tambor’ en inglés).
Si querés recordar la nota que le hicimos al Pipi Piazzolla, clickea a continuación: http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com/2011/09/daniel-pipi-piazzolla-en-el-nombre-del.html
Viernes 27 de enero. Ciudad Cultural Konex. Sarmiento 3131. A las 21 hs.

Realidad musical

Parador Konex presenta al Sexteto Irreal (Basso/ Krygier/ Teran/ Samalea/ Schaller) en sus dos Unicos Shows, presentando su disco “Jogging”.

La música del Sexteto Irreal viaja (y pasea) por muchos estilos pero siempre al son de los pies y el corazón... lo tenes que ver!

Como todo lo que realiza este sexteto de 5 su disco fue producto un largo proceso creativo... esta banda no responde a ningún patrón de los que generalmente mueven el negocio de la música, se presentan cuando y como quieren y siempre respetan su "sentir" musical.

El Caleidoscopio tuvo la oportunidad de ver el gran concierto que dio el Sexteto Irreal en Boris. Reviví esa experiencia aquí http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com/2010/12/aguafuertes-portenas_17.html

Una cita única con la buena música te propone el Sexteto Irreal. No te la pierdas!

Miércoles 1 de febrero. C.C. Konex. Sarmiento 3131. A las 21.30 hs.

Vanesa Maja: Rosa tan maravillosa

2012-01-20T14:16:00.002-03:00

En la presente edición de ECDL, la destacamos como una de las mejores actuaciones y/o obras del pasado 2011 por su excelente “Rosa brillando” al tiempo que también participaba de “Estado de ira”, también destacada como de las mejores del 2010. Vanesa Maja le cuenta al Caleidoscopio los pormenores de uno de los éxitos teatrales del 2011 y de toda su carrera.

- ¿Actríz que canta o cantante que actúa?
- Soy actriz que canta. Me defino claramente como actriz. Estudio actuación desde los trece años pero siempre con un gusto importante por el canto. Tomé clases de canto y siempre meché algunas cosas hasta que, en su momento, hice un espectáculo todo de canciones que era “Pequeñas veladas susurradas”. Ahí me saqué el gusto y me llamé “cantante” porque estaba cantando.

- ¿Cómo surge “Rosa Brillando”?
- Surge de un pedido, de una convocatoria de la Casa del Bicentenario a tomar material de una poetisa latinoamericana y hacer algo. Por mi lado, ya la tenía a Marosa en la cabeza y desde hace muchos años, vengo leyendo poesía (me gusta mucho) y siempre con ganas de ver como llevar a una poetisa a escena y ver como se labura el texto poético para una puesta. Me gustan mucho las poetas y la obra surge asi. Elegí a Marosa y dije “vamos a hacerlo”. Ahí lo convoco a Juan Parodi y le digo de hacer esto. Nos ponemos a trabajar y hacemos una gran selección y lectura de los textos. Ahí empieza a surgir la dramaturgia, cortando y pegando, sacando alguna parte pero si como un patchwork de palabras. Tanto Juan como yo tenemos mucho gusto por la palabra y nos divertía mucho hacer este trabajo.

-¿Siempre fue un unipersonal?
- Si. El tema de la música estaba. No íbamos a tener un guitarrista pero después nos pareció fundamental tener música en vivo y ahí convocamos a Gonzalo, con quien ya había trabajado antes. Su aporte fue fundamental en esto del sonido eléctrico y dulce. Después apareció también el retroproyector y junto con el texto y la música, se armó una triada que es la que hace "Rosa Brillando". Fue un gusto enorme trabajar con Juan y la manera en llevar a escena esas palabras. Es muy difícil llevar un material poético sin que sea solemne o reiterativo.

-Y como fue para vos, hacerte de esos textos y llevarlos hacia adelante?
- Fue muy natural. La poética de Marosa la conozco y la he leído. Me resultó muy invitativo y muy natural. Además, Juan me iba diciendo algunas cosas que tenían que ver con “el decir”. Esto me iba abriendo un mundo nuevo respecto a algo conciso. Desde el cómo decir la palabra, un gusto que empieza y termina, enmarcado en el decir de una palabra. Hay algo de ese decir que tiene que ver con el lenguaje, que empieza y termina. Por eso digo algo conciso. Tiene esas palabras que me llegan…y es tan natural…No me siento distanciada en absoluto. Me da mucho gusto decirlas y tener muchas imágenes al respecto. Es un material muy convocante y me resulta fácil y próximo. Son las palabras que tengo ganas de decir. Palabras muy hermosas y potentes asi como femeninas. Me llegan directamente.

-Femenina pero no excluyente…
- A las mujeres les pasa algo y a los hombres también! He visto a algunos hombres llorar incluso! Pero siempre hay un tipo de llegada especial. Por ejemplo, con las mujeres grandes, que se enganchan con recuerdos de su infancia, en un viaje alejado, de retrospectiva. Esta fue la devolución que recibí de gente más grande. Después hay mujeres que les pega por el lado del erotismo. También está que la mujer se copa más con la obra pero el hombre, cuando se copa, se copa muchísimo! Es eso.

-Hubo unanimidad con respecto a las críticas.
- Si, fue una sorpresa para todos. Esto había empezado muy sencillo, de a poquito. Le pusimos todo y empezamos con un par de funciones donde dijimos “tenemos un espectáculo”. Ahí lo volvimos a ensayar y le pusimos más cosas. Lo que pasó después fue muy mágico porque no esperábamos nada. Lo hicimos en Querida Elena, que está en La Boca, que está alejado de cualquier circuito teatral pero que es hermosísimo. Nos jugamos y lo hacemos acá. “Que pase lo que pase” pero nos parecía muy importante que se haga allí. Empezamos con las funciones, sin prensa ni nada y empezó a pasar algo con la gente. Venían y se generó un boca en boca, una respuesta muy generosa del público. En igual medida las notas que fueron saliendo y las críticas. La verdad es que no lo esperábamos. Yo había hecho unipersonales antes y se que es difícil, que hay que remarla un montón, con la fuerza del deseo que uno confía en que todo va a salir bien. Es todo un trabajo llevar adelante un equipo reducido porque en un unipersonal, más de cuatro personas no hay. Pero todo se desplegó con “Rosa brillando”, de un modo natural que sucedió.

-La mayoría de las críticas fueron además de hombres…
- Creo que con la obra se dio que es como “algo que se abre, que se despliega”. Descubrimos que apunta a los sentidos pero sin a priori quererlo, pero con ganas de investigar en algo más integral y latente, que tiene que ver con esa poética emergente. Eso sucedió e impacta desde ese lugar de ser partícipe de una experiencia. La música, las palabras, el lugar y la proximidad, los aromas y el susurro…Desde que llegas con el té y la bienvenida, es eso lo que sucede más allá de la función en si. Todo está muy cuidado para que sea una experiencia.

- ¿Cómo surge la idea del retroproyector?
- La idea del retroproyector es una idea de Juan por medio de una amiga suya que ya lo tenía visto con anterioridad. Ahí empezamos a probarlo y nos dimos cuenta que era fantástico. Se crea un mundo increíble y permite una significación poética manual y mecánica (por como se lo usa). Probamos muchas cosas y a veces vamos intercambiando elementos. Si encontramos un elemento que nos parece mejor, lo usamos. Las ramitas aparecieron en una función determinada. En el Festival de Rafaela, pasó que, cuando puse las ramitas, había un bichito caminando. No lo había visto y me iba caminando por todos lados y fue alucinante. El retratar esa forma viva es genial.

Intermedio: Vanesa llega puntual a la cita en el café “El Banderín”. Su cabellera enrulada y sus lentes oscuros le dan un aura de actriz por antonomasia. Simpática y con una risa contagiosa, degusta un cortado al tiempo que relata sus experiencias con “Rosa Brillando”. Vanesa habla con voz clara, fuerte y amable. Se explaya de manera didáctica con las respuestas. La charla va desde algunas visiones del teatro y sus futuros planes y deseos.

-¿Y “Estado de ira”?
- Me encanta hacerla y me divierte muchísimo hacerla. Ciro es un director genial. Hace mucho que estoy trabajando con él. Este proceso de trabajo fue muy largo, de casi dos años y medio de entrenamiento como grupo. En el medio hicimos otra pieza que se llamaba “Exhibición y desfile”. Por eso “Estado de ira” vino con un back up de un montón de cosas entrenadas y probadas y bastante conocimiento. En todo este proceso aprendí un montón y estoy muy contenta con que pueda seguir con la obra. También fue una sorpresa porque apenas estrenamos, no sabíamos que iba a funcionar del modo que funcionó y que la gente se iba a reir tanto. No pensábamos que se iba a reir la gente hasta convertirla en una comedia sino hasta ahí…un gag y ya está. La gente se rie mucho. Este es un trabajo en el que intentamos mantenernos todo el tiempo conectados, siempre adentro. Además, hubo mucha llegada a un público muy diverso. Hay algo de lo popular de eso que me parece que está buenísimo.

-Recién dijiste que la gente se rie demasiado cuando no sería para reírse. ¿Como tomás esa situación?
- La gente puede reírse de muchas cosas. En medio de la función decís “ríanse un poquito menos…” pero bueno, ¿qué vas a hacer? También está en vos el no engolosinarte y darle rosca para que se rian. Ese es un borde en el cual hay que tener cuidado porque nadie está inmune de caer en esa fragilidad de “estar haciendo la gracia”. Hay que tenerlo ahí, con las riendas pero tampoco digo “uh, que embole que se rian”. Está bueno pero desde adentro se viven las cosas de un modo especial. La gente reacciona de distintas maneras. Hay muchos que no están tan acostumbrados a ver teatro pero para mi, si la risa es genuina, es buenísimo.

- ¿Cómo fue el cambio del Sarmiento al Metropolitan?
- Al principio pensábamos que iba a ser más complejo pero terminó funcionando. El Sarmiento tenía esos fondos que contaban mucho. Nunca vi la obra de afuera pero imagino que ese fondo decía mucho y para nosotros, en el recorrido interno también. Aca está más comprimido hacia los costados pero ya la siento más cómoda y no extraño tanto.

-Y “Pequeñas veladas susurradas”?
- Es un espectáculo al que le tengo mucho cariño. Quería hacer un espectáculo en el que quería cantar. Me junté con Gonzalo Gamallo aunque ya venía haciendo algunas cosas, en bares con escenario, una especie de minirecitales improvisados sabiendo que canciones iba a cantar pero sin saber de que iba a hablar. Tenía un personaje, que no era tan personaje sino que era también mucho “yo”, que era esta chica que recorría el mundo y tenía romances con los hombres que conocía pero siempre terminaba mal. Se iba sola con sus petates y todo. En esas funciones, ya tenía las canciones e iba improvisando los monólogos de esta optimista del amor, medio diva y medio romántica. En un momento quise hacerlo un espectáculo. Ahí llamé a una amiga que hace muchas cosas que tienen que ver con fotos y video. Con ella armamos el espectáculo y surge el tema de los fotomontajes. Relatar de esta manera los distintos viajes de Sisí (asi se llamaba el personaje) con los distintos novios y demás. Para mi fue este un mundo desconocido. El espectáculo era relatado con las fotos, las canciones y Gonzalo como el músico (Cheseline) de quien yo estaba enamorada, y él ni bola. Era muy gracioso. La hicimos un montón de tiempo y formó parte de esto de “hacer algo que uno siempre quiso hacer”. Me di el gusto de cantar que fue lo que más me interesó de la obra. Con Gonzalo hicimos versiones muy lindas de algunas canciones.

-¿Por qué hay más unipersonales femeninos que masculinos?
- No se bien. Quizás porque las mujeres somos más arrojadas. Eso me parece un poco. Hay que tener ganas de hacer un unipersonal ya que es muy divertido actuar con otras personas. Pero también está bueno bancársela sola. Es un acto de fe actuar pero en el unipersonal es más al vacio. No se, tal vez sea por el animarse, el arrojo y un poco más liberado. Además, el mundo femenino parece que tiene cosas más particulares, con mayor empatía. Una no está en el otro género….

-Retóricamente me pregunto si las chicas tiene más para contar que los chicos….
-Puede ser que pongan más en palabras las sensaciones y ahí si hay más para contar, sin tanto intermediario sino con mayor lectura del alma. Quizás hacen más stand up porque buscan más las cosas de reir. Las mujeres medio que hay una sensibilidad distinta. Tal vez sea el mundo oculto que salga más y se quiera compartir. Puede ser que tenga que ver con el compartir, que a las mujeres nos gusta más compartir.

-¿Cómo son los cinco minutos después de bajar del escenario?
- En “Rosa” y en general…no se como son. Me preguntaron un par de veces por Rosa, si me quedaba mucho enganchada con el texto y el personaje, y a veces digo “si pero no tanto”. Llego al camarín y le digo a Gonzalo, “Che, que onda?”. Al toque, hablamos de la función. En “Estado de ira” es más gente y sacarse el vestuario porque hace calor. Hay más ruido y más gente pero terminó la función y “bajamos”.

-Si por esta puerta entrase la Vanesa Maja, que recién empezaba a estudiar actuación, que le dirías?
- “Dale para adelante”. No le daría ningún consejo! Jajajajaj. A experimentar.

-Hay algo que te queda pendiente por hacer? Algún personaje?
- Si, muchos autores. Chejov, Shakespeare. Experimentar con directores y actores, trabajar en cine o tele. Este es un lenguaje muy distinto que me gustaría experimentarlo y aprenderlo. Tal como es todo lenguaje. O el cine, que también estuve poco pero me gustaría seguir aprendiéndolo.

-¿Qué tal estuvo trabajar en la película “Juan y Eva”?
- Buenísimo. El primer día estuve muy nerviosa, dura y a medida que fueron pasando los días de rodaje, sentí que fui haciendo un aprendizaje en pocos días. Fueron cinco días de rodaje y al quinto día, sentía que era otra historia. Terminé muy contenta y diciendo “estoy aprendiendo”. La peli quedó muy linda. Me encantó esta experiencia y ojalá que se vuelva a dar.

Las Damas de las Tablas 2011

2012-01-20T13:46:00.004-03:00

En el rubro de las actuaciones femeninas, hay un punto de continuación de lo relatado la semana pasada como “Mejores obras”. Como viene pasando de hace un par de años, el unipersonal femenino le saca unos cuantos cuerpos a los hombres.

De esta manera, destacaremos a Lila Monti y su excelente “Povnia” y Cecilia Cósero (foto derecha) en “Trinidad Guevara”. El primero es un unipersonal de clown. Monti es Una, refugiada de Povnia, un país que ha desaparecido y cuenta su historia en su lengua natal. La interrelación entre el humor y el drama es armónica, sin caer en golpes bajos, con escenas profundas y sentidas. La puesta es ágil y dinámica abarcando todas las expresiones y sentimientos del ser humano, con esa vuelta de tuerca que solo un clown le puede dar. En cambio, la segunda encarna la vida de Trinidad Guevara, con el ritmo de una montaña rusa de pasión y deseo. Cecilia Cósero apela a una actuación física y de apariencia fría –pero que no lo es en lo más mínimo-, con un tono de voz sube y baja al tiempo que su propio cuerpo se divide en lo visto y lo que se mueve, creando una actuación fuerte y sensible con los matices adecuados de lo que se está presenciando.
En esta misma sintonía de los unipersonales, destacaremos también a Vanesa Maja y Mercedes Funes. Maja hizo un trabajo brillante en la superlativa “Rosa Brillando” logrando un alto nivel de sensibilidad que permite un viaje poético sin abandonar la butaca del teatro. Onirica y sensible, encarnó a Marosa di Giorgio, la poetisa uruguaya, con soltura y exactitud. En cambio, Funes, una de las malas más reconocidas de la tele, transita por la angustia y la locura en “Te voy a matar, mamá” pero sin caer en ninguna caricaturización ni clichés de ningún tipo, dando cuenta de su sapiencia para el personaje. No omitiremos los muy buenos trabajos de Karina Androvich en “Como humo para el té” e Irina Alonso en “Sombras sobre vidrio esmirilado”.

Dejamos de lado los unipersonales para destacar a Claudia Cantero (foto izquierda) y su muy buena tarea en “La Familia Argentina”, como esa madre que ve como su marido en segundas nupcias, la deja para formar pareja con su hija. El dolor y la bronca transitan por el cuerpo de una Cantero que se llena de visceralidad para un personaje difícil de llevar a cabo en medio de una obra que dio bastante que hablar con una temática fuerte, que no admite medias tintas.

Por su parte, Laura Lopez Moyano (foto derecha) comenzaba en “Mujer armada, hombre dormido”, con una mujer sobrepasada por la angustia, el llanto, que era el comienzo de la vorágine de personajes que salen de la obra. López Moyano realizó un trabajo estupendo en un año que la tuvo como destacada, más allá de su excelente Tatana, de la genial “Ala de Criados”, de Mauricio Kartún.
Estela Gareli en “Se alquila, con una condición” y Eugenia Alonso en “Alemania” también tuvieron destacada participación en dos obras diametralmente opuestas. La primera, poniendo humanidad, junto a Chela Cardalda a uno de las creaciones multimediaticamente modernas de Diego Casado Rubio y la segunda, siendo la madre de una de las mejores obras del año.
Cecilia Rainero se repartió en dos actuaciones de calidad en “Neón” y la excelente “Catán”. Con buen gusto para delinear personajes extremos, con fuertes historias sobre sus hombros, Rainero dio cuenta de su versatilidad para saltar de una mujer solitaria y enigmática a otra que vive en el conurbano bonaerense, mezclando sus deseos de progreso con su insatisfacción personal y el horizonte mostrando un destino del cual es imposible escapar.

Para el final, dos jóvenes como Ximena Seijas y Victoria Almeida (foto izquierda). Seijas fue la joven atormentada y buscadora de respuestas en “Te quiero poco y todo lo demás”. Su actuación fue excelente como esa niña que no comprende las reglas de un mundo manejado por axiomas que un corazón sensible nunca va a comprender. Almeida, en cambio, fue “el” personaje de “Espejos Circulares”. Después de su participación en la excelente “Trompo metálico”, su unipersonal de clown “La ultima vez que me tiré a un precipicio” y su participación en el TGSM, le llega esta chance de consagración con una de las obras más vistas y reconocidas del presente año, en la calle Corrientes.

La semana que viene, llegan los “Hombres de teatro”.

Cine: “Secretos de Estado”

2012-01-20T13:30:00.001-03:00

Que George Clooney está interesado en política y debe ser uno de los actores más comprometidos de Hollywood (junto a Sean Penn y Susan Sarandon) no es noticia. Tampoco que exorciza sus fantasmas o editorializa su pensamiento en las películas que dirige.
En el caso de “Secretos de Estado”, se mete con la construcción de un candidato presidencial que sería, inclusive, el que uno podría llegar a votar por convicción ideológica. Por eso, no toma al Partido Republicano sino al Partido Demócrata. Hoy en día, los candidatos tienen asesores de imagen, quienes les escriben los discursos, entre tantas cosas, siendo el candidato una especie de rompecabezas creado entre varios pero con una idea “determinada”. De esta manera, la película retrata la forma en que el carismático y agradable gobernador de Pennsylvania, Mike Morris (Clooney) construye su perfil con vistas a las primarias del Partido Demócrata para elegir al candidato a la presidencia. No obstante, la historia gira en torno de Stephen Meyers (un excelente Ryan Gosling) que es “Golden boy” de los asesores de Morris. Joven, inteligente e idealista, que trabaja a destajo en pos de una idea pero que por su inocencia y su vanidad, cae en una trampa del jefe de campaña rival, interpretado con solvencia por Paul Giamatti. Al respecto, el jefe de Meyers está a cargo de Philip Seymour Hoffman, que es el jefe de campaña de Morris.
Ryan Gosling hace un trabajo fantástico con un personaje lleno de matices, que se va transformando a lo largo de la película, donde se pone en juego no solo sus ideales sino lo que es un crudo relato de los dimes y diretes de la construcción de la “imagen pública” de un candidato. En un punto, esa transformación que sufre con dos personajes fuertes que luchan por su “alma” recuerda un poco al Chris Taylor de Charlie Sheen en “Pelotón”, que vivía lo mismo en relación con el Sgt Elías y Sgt Barnes, excelentemente interpretados por Willem Dafoe y Tom Berenguer. Justamente, es la forma en que se va topando con el “mundo real”, completamente opuesto a su “mundo ideal”, el nudo conductor en el cambio que experimenta el personaje.
La riqueza de los personajes y su consabido desarrollo, son parte fundamental de la película. Al mencionado Gosling, se le une un Philip Seymour Hoffman genial en toda la composición de su personaje. Paul Giamatti es el maquiavélico jefe de campaña rival que introduce las semillas de la duda en el joven Meyers. Su labor es exacta en todo el tiempo que está en pantalla. Marisa Tomei crea con precisión artesanal a una periodista del New York Times con la sabiduría y la belleza de una actriz de vasta experiencia (ese look con lentes es delicioso). Parrafo aparte para Evan Rachel Wood como una becaria que es la manzana de la tentación sobre la cual ocurre el quiebre de la película. Sus intervenciones son precisas y con una sutileza destacable. Clooney se reservó para si al gobernador progresista Mike Morris, un personaje que le sienta de maravillas y sobre el cual, él mismo se plantea sus dudas y su crítica.
El enfoque de la película es fuerte en torno al desmembramiento de lo que sería “la fábrica de candidatos potables” y deja picando una pregunta “¿Usted votaría a un candidato que representa todo lo que usted quiere para el país pero que puertas adentro cuenta con lunares en su vida?”
A lo largo de la película, la tensión no decae nunca y cuenta con un guión de primer nivel que jugará con la ironía, el doble sentido y la complicidad con un espectador con el que Clooney dialogará todo el tiempo.
“Secretos de Estado” es una película en la cual la crítica y la sordidez de los acontecimientos son tratados de manera seria y dinámica, logrando un climax que se extiende a lo largo de los 106 minutos que dura. Recomendable para mirar más de una vez, con distintos acompañantes y debatirla con el cafecito de la salida del cine.

Ficha técnica

Título original: The Ides of March. Dirigida por George Clooney. Con Ryan Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman y Evan Rachel Woods. Calificación: SAM 13 c/ reservas. 103 minutos.
Cines: Village Recoleta, Pilar, Caballito y Avellaneda; Showcase Belgrano, Norte, Haedo y Quilmes. Hoyts Abasto, Unicenter, Panamericana, Temperley y Quilmes. Cinemark Palermo, Puerto Madero, Adrogué y Malvinas Argentinas. Atlas Patio Bullrich, Cinema City Gral. Paz, Atlas Rivera Indarte, Lorca, Multiplex Belgrano, Monumental Lavalle, Cinema Devoto, Nordelta Cinemas, Coto Lanús, Sunstar (San Isidro), Cinema Paradiso (La Plata), Cinema (Mar del Plata), Village Rosario, Showcase Rosario, Cines Del Centro (Rosario), Sunstar (Rosario), Monumental (Rosario), Village Mendoza, Cinemark Palmarés Mendoza, Hoyts Nvo. Noa Salta

Filosofía de vida (Teatro)

2012-01-20T13:19:00.002-03:00

El ser y la nada

De Juan Villoro. Con Alfredo Alcón, Rodolfo Bebán, Claudia Lapacó, Marco Antonio Caponi y Alexia Moyano. Diseño de Escenografía Alicia Leloutre. Diseño de Iluminación Eli Sirlin. Supervisión de Vestuario: Mariana Polski. Supervisión de Sonido: Pablo Abal. Supervisión Técnica: Jorge Pérez H. Mascali. Asistente de Dirección & Stage Manager: Franco Battista. Producción: Pablo Kompel y Adrián Suar. Dirección: Javier Daulte.

Teatro Metopolitan II. Av. Corrientes 1343. Miércoles, jueves y domingos, 20.30 hs, Viernes, 21hs y Sábados, 20 y 22.15 hs

El ser, el existir implica el elegir ciertos caminos al respecto asi como las consecuencias que implican sus decisiones. El “Profesor” se ha retirado del mundo de la filosofía en el cual era toda una eminencia. Ahora, está a punto de recibir la visita de Paco Bermudez, un viejo amigo-rival, que quiere que ingrese a la Academia de Filosofía.
Los diálogos son por demás ricos y que van a hacer blanco en diversas cuestiones referidas tanto al pasado como al presente de las personas en tanto lo hecho, lo realizado y cuestiones que no se solucionaron en su debido momento. El ida y vuelta en las argumentaciones que sustentan cada una de las posturas en pugna es imperdible. Con palabras sensatas, que tienen un mix de humor e ironía en dosis exactas, da la pauta que estamos frente a una puesta de calidad, con intérpretes a la altura de las circunstancias. Todo en un marco delimitado por una escenografía excelente a cargo de Alicia Leloutre, donde esa biblioteca es como un monumento al conocimiento y que más de uno desearíamos tener en casa, asi como el suficiente tiempo para sumergirnos en ese maravilloso mundo.
El amor, el ego, el conocimiento en detrimento de las cuestiones más sentimentales y, quizás, más ligadas al mundo más imperfecto de los humanos, establecen los límites donde se trenzan los personajes, excelentemente dibujados por la sapiencia de Alfredo Alcón, Claudia Lapacó y Rodolfo Bebán. En el caso de Alfredo Alcón, no hace falta caer en elogios obvios ante quien sigue demostrando el porqué de sus laureles en el ámbito donde más se lo puede apreciar y disfrutar. Rodolfo Bebán retorna a las tablas con un Paco Bermudez sensato y de varios matices, que irán desde la soberbia de su conocimiento y la indulgencia ante su propia vida. Párrafo aparte para la genial Claudia Lapacó, que media entre los antagonistas con quienes tiene una relación a través del tiempo. Lapacó pone su carisma y sabiduría para ser una “Clara” que tiene vida, madurez y amor, en una combinación que la hace ser el más precioso premio para ambos filósofos. Marco Antonio Caponi y Alexia Moyano acompañan con corrección y tienen sus momentos de lucimiento.
“Filosofía de vida” atrapa desde la palabra, con actuaciones fabulosas, al tiempo que exige la atención que se merece una puesta que tiene todo: risas, reflexión y un buen debate para cuando termine la función y se vaya a comer con el acompañante de turno.

Yo amo a mi maestra normal (Teatro)

2012-01-20T13:11:00.002-03:00

Honor y gratitud

Dramaturgia y actuación: Juan Pablo Geretto. Coach de guión: Andrea Fiorino. Diseño de luces: Ana Sans, Sandro Massironi, Bernardo Francese. Arreglos musicales: Gaby Goldman. Puesta en escena: Ana Sans.

Multiteatro. Corrientes 1283. Domingo, Miércoles y Jueves, 20 hs; viernes, 21 hs y sábado 20 y 22 hs

Ella está allí. Parada en el medio del patio, en medio de un acto escolar. Es el centro de un engranaje educativo que todos los que hemos pasado por la escuela primaria (y pública, en este caso) conocemos y recordamos con nostalgia y alegría.
Esta maestra, encargada de brindarles educación a los niños para que sean los futuros adultos que llevarán adelante los destinos de la Nación, es todo lo que uno puede imaginarse, menos perfecta. Con mucho humor y una actuación fantástica de Juan Pablo Geretto, se construye un desglose para nada académico y muy real, de quienes se encuentran enfrente de los salones donde se manda a los niños a “educarse” y esa “educación” es tan viciada por las visiones del maestro en cuestión que terminan siendo la semilla de conciencias que están muy lejos de ser lo que uno desea/espera. Con ingenio, ironía y una dramaturgia riquísima, la maestra queda bajo la lupa en relación con los valores que transmite pero sin caer nunca en la crítica despiadada. Esa crítica que diga que hay que hacer “borrón y cuenta nueva” sino en establecer nuevos parámetros y mejorar lo que se tiene.
La composición del personaje a cargo de Geretto es excelente, con varios lugares de donde abordarlo, porque esa maestra puede ser tan querible como perversa según el prisma en el que caiga. Será solidaria, racista, abnegada, chusma y con un empuje que haría la envidia de más de un educador actual. La iluminación juega con Geretto para crear los distintos ambientes donde la maestra desarrollará su clase, que nos tendrá a nosotros –los espectadores- como alumnos/educandos. Tanto desde el escenario como cuando baja a interrelacionarse con el público, Geretto da cuenta del talento inagotable con el que cuenta y que le permite expresarse con naturalidad y excelencia.

Malena Marechal: “Hoy, llevar el apellido es más sencillo”

2012-01-20T12:54:00.001-03:00

Tras quince años de ausencia, Malena Marechal volvió a dirigir teatro, a partir de crear una obra alrededor de Adán, el mítico personaje del gran Leopoldo, padre de Malena. La obra era “Rueda adán en buenosayres con sus azules tapas”. Aqui, cuenta los motivos de su ausencia de las tablas, lo que fue adaptar un personaje de la obra de su padre y el legado paterno.

- Cómo surge “Rueda Adán”?
- De “Adán Buenosayres”. Me interesó mucho el personaje de Adán. La posibilidad de hacerlo no se si surge o la buscamos! Jajajajaja. Lo primero que se me ocurrió fue llevar el texto de Adán, tomando el personaje y ver como lo llevaba al teatro. No es Adán Buenosayres con sus azules tapas. No es una adaptación de la novela sino tomar un personaje central y con él, conformar la historia de la mayoría de las circunstancias por las que transita en la novela para configurar un espectáculo de teatro. Es solamente el personaje de Adán al cual le adosé una presencia femenina. La mujer es un símbolo muy fuerte en Marechal y en la novela, pero aca está encarnando el destino de Adán. El más caprichoso de los destinos. Esto me permite una visual más rica entre hombre y mujer. Si tiene cuatro o cinco bocadillos es mucho pero hay un fuerte diálogo de acciones. De presencia y de entendimiento, por sobre o por debajo de la palabra. Hay una coreografía en la que se complementan ambos personajes.

- La presencia de ella es muy fuerte!
- Si! Además en la forma en que está vestida. Busqué algo completamente atemporal, que forma le dabamos. Fue difícil pero quedó muy bien. Hay diferencias entre los dos, entre el ser “real” y el que no lo es, ya que Adán viaja a través del tiempo. No es que solo va y viene en el paisaje de Villa Crespo sino dentro de su historia. Va y viene. Es un viajero. Creo que asi Marechal lo definía al personaje en todos los múltiples sentidos que se le puede dar a esa palabra.

- Y la puesta en si?
- Fue un quebradero de cabeza. Justamente esa fue otra de las pautas que me interesaron para tomar este texto. Es decir, cuando uno va a un teatro, se enfrenta con un escenario vacío. La pregunta es “Que hago acá?”, “Que pongo acá?”. Era muy difícil. No podés crear un entorno único porque Adán va y viene. Ahí aparecen los elementos significantes, que tuvieran significancia y no descripción. Con las proyecciones, lo mismo y siempre con un espacio muy despojado y muy entornado por la luz.

- Justamente la luz y la “ausencia” de escenografía da lugar a mucha contundencia. Además del vestuario…
- Muchas gracias! A esto hay que sumarle la música que si la pensé de entrada. Esta fue escrita especialmente por Gustavo García Mendy. Escribió varios temas. Cinco en total.

- Cómo fue contarlo a Adán?
- Duro. Era difícil lograr que con distintos textos del libro –porque también en el texto fui y vine-, encontrar que una cosa fuera fluyendo en otra. Encontrar la mecánica interna del discurso dramático, que es muy diferente al discurso literario. Todo eso está en la obra. Hay algún texto que está de otra forma, como el trabajo de maestro de Adán que se ve en otro cuento que escribió Marechal y entregó en otra circunstancia. Un cuento de otro texto si bien su actividad está en el “Adán Buenosayres”. Está en “El hipogrifo”. Está medio escondido. Hay cuentos que están medio escondidos pero si figura en las obras completas.

- Mire usted, había olvidado que Adán era maestro…
- Claro y está en el libro tercero o cuarto, dedicado a la enseñanza (por llamarlo de alguna manera) y a la ironía con que Marechal miraba todo.

- Usted dirige esta obra después de varios años de ausencia en el circuito teatral….
- Si. Estuve quince años sin dirigir. Empezó con unas cuestiones de salud. No eran graves pero me crearon un estado de incertidumbre. Me fue difícil salir de eso ya que me crearon un círculo vicioso. Eran temas del músculo esquelético, por la zona de la columna. No son graves pero si muy dolorosos. Fue difícil salir de ahí y poder volver a levantar la montaña. Por más que sea un espectáculo no muy grande, hay que cargarlo y ponerle el cuerpo. Esto me llevó –y no digo que me llevó mucho- nueve años como adaptación y llevará un año y medio de preparación hasta llegar a Corrientes Azul, una sala más que apta para la obra. Además, está en Villa Crespo! Todo cerraba!

- Cómo se vio volviendo a la dirección?
- Feliz! También tenía mis miedos después de no dirigir tanto tiempo. Fue un suave y sensible volver atrás en los caminos previos a la concepción de puestas y dirección de actores. Fue un devenir gracil.

- Me gustó de la obra que es actual aunque también podría ocurrir también hace veinte años.
- Sos la primera persona que me lo comenta y me encanta. En ningún momento quise hacer el Adán de los años 40. Es un texto que tiene mucha vigencia y la va a seguir teniendo porque es un clásico de la literatura. No quería hacer un Adán rodeado de malevos y compadritos, en un Villa Crespo antiguo sino tomar un clásico y trasladarlo al presente. Lo que no sabía es que no se siente es viejo. Es norteñamente actual. Esa fue mi idea.

- De paso le pregunto como fue hacer el Adán hombre? Digo porque usted se tuvo que internar en los vericuetos del personaje….
- A ver…no me resultó muy ajeno a mi. Hay cosas de Adán que me resultan próximas. Casi todo él lo siento asi. Su inquietud poética, el tomarse el pelo porque de repente se siente un poeta excelso y después es un vendedor de humo. De pronto, es un héroe apasionado, el amante ideal, y en un santiamén es el derrotado, el vencido, el desengañado que se quiere morir. Tiene un cuaderno de tapas azules, que es un corazón y de pronto, le hace un funeral al cuaderno. Es muy oscilante el personaje y es en esas contradicciones donde lo encuentro vivo. No es el Adán Buenosayres modélico sino que oscila, duda, va y viene. Se contradice y eso está bueno que pase.

Intermedio: Centro de Buenos Aires. No hay combinación más explosiva que el calor húmedo de Capital con una faringitis que no se va nunca. Subimos a la casa de Malena. Su ventanal permite que la luz entre como un bálsamo. Malena nos ofrece algo de tomar. De repente, dice “voy a bajar la persiana. Estás traspirando”. Tenía razón pero escuchar lo que ella dice hace que cualquier dolor o molestia, pase a segundo plano.

- Al día de hoy, como es llevar el apellido “Marechal”?
- Al día de hoy, es sencillo! Ya tengo varios años sobre mi pero no fue sencillo cuando era más jóven. Entonces quería ser yo y no es que no sea yo, porque era su hija pero cada vez que hacía algo, me ponían “Malena Marechal, hija de Leopoldo Marechal”, me peleaba. Después me di cuenta que no tenía sentido pelearme. Siempre iba a ser asi porque soy la hija de Leopoldo y le busqué el lado bueno. En mis comienzos, no quería dirigir una obra de Leopoldo. Quería estar lejos de todo. Cuanto más separada, mejor! Cuando me di cuenta que eso no era posible, dirigí con gran placer para mi, “La batalla de José Luna”, que es una obra maravillosa. La dirigí en Rio Cuarto, con la Compañía Musical de Rio Cuarto y la llevaron al Primer Festival Latinoamericano. Lo disfruté tanto! Ese sainete, con los malevos, la novia olvidada, esos demonios….Son personajes que siendo tan terrestres, de pronto, cobran una dimensión tan distinta. Se levantan del conventillo! Jajajajajjajaja. De ahí en más, no tuve más empacho. Iba a hacer lo que me gusta. Hice tres cosas de Leopoldo, “La Batalla”, la versión teatral de un cuento poco conocido que es “Autobiografía de un sátiro” que la obra se llamó “Satiro” y después hice esta.

- En esta época en el que hay tanto reconocimiento a autores como Jauretche y Scalabrini Ortiz, usted cree que a su papá se lo reconoce como se merece?
- Todavía creo que no pero si mucho más que hace veinte años. A Marechal se lo desconoció durante muchos años. En el 68 o 67, cuando salió “El banquete de Severo Arcángelo” se transformó en un best seller, y nadie sabe bien porqué. Ahí arranca Marechal al conocimiento del público, del cual estaba muy alejado. El nunca dejó de trabajar pero su obra estaba muy dormida. Tenía muy poca llegada. El emisor emitía pero al receptor no le llegaba. Ahí, con ese libro que fue best seller, arrastró un poquito al Adán tan olvidado del año 48 y también a que se leyera más a Marechal. Si bien el pensamiento y nuestra identidad nacional reconoce felizmente a nuestros pensadores como Scalabrini Ortiz o Jauretche, todavía cree que Marechal no ocupa dentro de las letras, el lugar que debería. Pero ¿quién puede decir que lugar debería ocupar? Si se que ahora se lo lee, se lo comenta mucho más. Está más vivo que antes.

- Cuando era chico, en mi secundaria, nos mandaban a leer libros como “El lazarillo de Tormes” o “Fuenteovejuna”, pero nunca textos argentinos. A lo sumo, “El tunel” de Sábato y Borges, no porque “nadie lo entendía”. Marechal, Arlt estaban ahí, como “literatos malditos”. Usted cree que cambió esa visión?
- Si, creo que si. Esa es mi opinión. Creo que cambió. Arlt es un escritor, al día de hoy, muy valorado. Antes, lo tomaban como a un escritor menos. Para mí siempre fue un escritor bellísimo. Hizo un realismo mágico en nuestra identidad nacional sorprendente. Sus personajes, tanto como en sus novelas como en sus obras de teatro, son bellisimos. De él, dirigí “La isla desierta”, una obra cortita y muy linda….

- “Prueba de amor”… - Si, otra que es muy linda. Tiene otra obra más que es “La juerga de los polichinelas”, que son tres obras cortitas. Después tiene las obras más grandes. Se ha dejado de lado el soslayar a

Roberto Arlt que fue hecho por grandes actores argentinos. Es un grande de la dramaturgia,como Discepolo.

- Una vez escuché que Discepolo está a la altura de Pirandello….
- Si, seguro y ambos son dos grandes pero que maravilla de creador que era Discepolo.

- Al respecto, escritores como Marechal y Arlt, no pasan de moda…
- No, no va a pasar de moda nunca. La literatura de estos grandes es un pensamiento que trasciende ya que conjugaba una visión de presente y un pensamiento utópico. La utopía está siempre presente. Hay un viaje para transitar en esa utopía con la riqueza que esto implica.

- Si por esta puerta entrase la pequeña Malena Marechal que recién empezaba a trabajar en el viejo IUNA, qué le diría?
- Y sería muy campechana y le diría que hemos trabajado mucho y que eso no está mal.

- Le daría algún consejo?
- Que siga trabajando y acá volvemos a Arlt, yo creo en el trabajo. Este nos provee lucidez, de bonhomia de espíritu y conocimiento del mundo. Es una herramienta esplendida y maravillosa. Uno se perfila y se desarrolla en ese hacer y seguir haciendo. Se va conociendo a si mismo pero siempre con el trabajo bien entendido. Ahora parece ser un castigo el trabajo. Tal vez porque no todos tenemos la chance de hacer el trabajo que realmente nos hace felíz y que anímicamente nos hace sentir como propio. Ahí el trabajo se vuelve pesado.

- Hace un tiempo, le hicimos una nota a Alejandro Vaccaro, el biógrafo de Borges. Vaccaro decía que todos quieren copiarlo pero nadie va a poder superar al original. Usted cree que va a aparecer una generación de escritores brillantes como la que hubo?
- Si, por qué no? Toda esa generación que nace en un corto período de tiempo…. Voy a decir una redundancia, la vida está viva. Es decir, en movimiento y como tal, es generador de cosas. Se pueden llegar a dar las cosas como para que alumbre a una futura generación de escritores. Y si no es así, a eso hay que apostar. Hay que esperarla porque se va a dar si es que no se dio ya. No puedo decir que conozca a todos los que están trabajando en las letras y demás fases del arte contemporáneo como para decir que no están. No se. Apuesto a que el hombre, en evolución permanente, llegue a ese punto.

Para el finde del 19-1

2012-01-20T10:31:00.005-03:00

Dos arrabaleros

Adrián Iaies & Horacio Fumero presentan “Conversaciones desde el arrabal amargo”
A dúo y con artistas invitados en el marco de la grabación de un nuevo disco. Realizarán cuatro únicas presentaciones en Buenos Aires los sábados 21 y 28 y los domingos 22 y 29 de enero a las 21hs en Café Vinilo.
Desde el piano y contrabajo, esta dupla llevó adelante el proyecto del Tango Reflections Trio, una de las experiencias más exitosas en la siempre riesgosa tarea de reunir el tango y el jazz. Hace siete años que no tocan juntos en Argentina; su último encuentro sobre un escenario data de los conciertos de la America’s Society de Nueva York, en octubre de 2007.
Iaies & Fumero aprovecharán estas sesiones en Café Vinilo –sitio que siempre elige el pianista a la hora de echar a andar sus diferentes proyectos– para registrar un disco en vivo encargado y producido por el área discográfica de la Universidad de Tres de Febrero. El nuevo material tiene por título tentativo Conversaciones desde el arrabal amargo.
Si bien el sonido y el espíritu jazzero están garantizados por la trayectoria de ambos intérpretes, Iaies&Fumero recorrerán gran parte del repertorio popular argentino, especialmente el tango.
El dúo ya tiene grabado un disco de estudio aún inédito con versiones de temas como “Uno”, “Nunca tuvo novio”, “La colina de la vida” o “Tonada del viejo amor”, entre otros. Ese material se sumará a este registro en vivo en Café Vinilo para la edición de un álbum doble -con la mencionada producción de la Untref- y así dejar documentada la perfomance de estos artistas en dos ámbitos que les resultan igualmente cómodos y estimulantes: el ambiente reflexivo del estudio de grabación y la adrenalina del escenario.
Sábado 21 y domingo 22 de enero. Café Vinilo. Gorriti 3780. A las 21 hs.

Berlanga de enero

El Centro Cultural Y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte (Declarado Sitio de Interés Cultural de la Ciudad de Buenos Aires) continúa con su ciclo de cine "Un enero con Berlanga" en el Cineclub La Rosa.
Mañana viernes, se podrá ver “El Verdugo” (Idem, España / Italia, 1963, blanco y negro, 90 minutos). Dirección: Luis García Berlanga. Guión: Rafael Azcona y Luis García Berlanga. Con Nino Manfredi, Emma Penella, José Isbert, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert y Julia Caba Alba.
José Luis, empleado de una funeraria, proyecta emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Su novia Carmen es hija de Amadeo, verdugo de profesión. Cuando éste los sorprende a ambos en la intimidad, los obliga a casarse. Ante la acuciante falta de medios económicos de los recién casados, Amadeo, que está a punto de jubilarse, logra convencer a José Luis para que solicite la plaza que él va a dejar vacante, lo que le daría derecho a una vivienda. Presionado por la familia, José Luis acepta la propuesta de su suegro, convencido de que jamás ejercerá tan ignominioso oficio.
Viernes 20 de enero. Centro Cultural Carlos Sanchez Viamonte. Austria 2154. A las 20 hs. Entrada libre con colaboración voluntaria.

Gorrión del Perú

La Biblioteca Café presenta a Miryam Quiñones, en el primer recital del año en lo que será una noche de sábado a pura música y un clima único. Miryam Quiñones es una de las más reconocidas y tenaces difusoras de la Trova contemporánea en el Perú; tiene una amplia trayectoria musical, habiendo pasado por los talleres de arte de la Universidad de Lima (donde cursó la carrera de Comunicación Social), las aulas del Conservatorio Nacional de Música y la Escuela de Artes Vocales de Santiago de Chile, entre otros.

Miryam desarrolló una carrera solista tanto en el Perú como en el extranjero, que la ha llevado ya a cantar en España, Cuba, Costa Rica, El Salvador, Honduras, Guatemala, Bolivia, Brasil, Ecuador, Argentina y Chile. Del 2002 a la fecha ha compartido escenario con reconocidos trovadores, tales como Silvio Rodríguez, Vicente Feliú, Santiago Feliú, Frank Delgado, Samuel Águila, Pepe Ordás, Silvio Alejandro (Cuba), Adrián Goyzueta (Costa Rica), Francisco Villa (Chile), el dúo Negro & Blanco (Bolivia), entre otros.
El Caleidoscopio habló con ella hace un mes sobre su carrera artística.
http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com/2011/12/myriam-quinones-trovadora-de-luna-llena.html
Un sábado imperdible para escuchar a una voz que será inolvidable para quien tenga el placer de escucharla.
Sábado 21 de enero. La Biblioteca Café. Marcelo T. de Alvear 1155. A las 21 hs.

Buenos Aires y el arte

Continúa abierta al público la exposición “Arte sin fronteras” en el Centro de Artes y Espectáculos Piazzolla Tango. La Fundación Artesomos y el Centro de Arte y Espectáculos Piazzolla Tango presentan “Arte sin fronteras” una exhibición que reúne obras de distinguidos artistas latinoamericanos en la mítica galería Güemes (Florida 165) durante enero y febrero de 2012.
Jesús Lara Sotelo, uno de los mayores referentes del arte cubano contemporáneo, presenta, como expositor de honor, su muestra más reciente: “La última corrida”, realizada en Lérida, Barcelona, Madrid y Sevilla durante el 2011.
También puede apreciarse las obras plásticas de Eduardo Gualdoni, Marilina Etchichury, como las muestras fotográficas de Matilde Marín y Arturo Aguiar entre otros artistas, cuyo talento se hace presente en esta exhibición sin precedentes.
La entrada es libre y gratuita y se puede acceder a ella de martes a domingos de 12hs a 19hs. La Fundación Artesomos provee un servicio de visitas guiadas. Para conocer detalles y horarios de estas visitas se debe llamar previamente al 155-451-0275.
El espacio cuenta con el auspicio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Fundación Leopoldo Marechal, Casa de Engracia, Casa de la cultura de Guaymas, Doncelles 66 y Editorial Jus de México, El Catalejo portal de Cultura, Dexeo Editores de Londres, Croisés moda y diseño y Selnet.
Galería Güemes. Florida 165. Entrada libre y gratuita. Martes a domingos, de 12 a 19 hs

Vuelve el Sexteto Irreal

Parador Konex presenta al Sexteto Irreal (Basso/ Krygier/ Teran/ Samalea/ Schaller) en sus dos Unicos Shows, presentando su disco “Jogging”.

Christian Basso y Axel Krygier crearon el Sexteto Irreal con el fin de interpretar los temas de sus respectivos albums, recreando los mismos en versiones libres a cargo de una formación instrumental mínima común. Para ello convocaron a su sempiterno camarada, el cuerdo vientista Alejandro Terán, a Manuel Schaller, experto en samplers y ejecutante de theremin y a Fernando Samalea, baterista virtuoso y bandoneonista original. El sexteto se completa, entonces, con el propio Basso, en bajo, y Krygier, en teclados, vientos y voces.
La música del Sexteto Irreal viaja (y pasea) por muchos estilos pero siempre al son de los pies y el corazón... lo tenes que ver!
Como todo lo que realiza este sexteto de 5 su disco fue producto un largo proceso creativo... esta banda no responde a ningún patrón de los que generalmente mueven el negocio de la música, se presentan cuando y como quieren y siempre respetan su "sentir" musical.
El Caleidoscopio tuvo la oportunidad de ver el gran concierto que dio el Sexteto Irreal en Boris. Reviví esa experiencia aquí http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com/2010/12/aguafuertes-portenas_17.html
Una cita única con la buena música te propone el Sexteto Irreal. No te la pierdas!
Miercoles 25 de enero y 1 de febrero. C.C. Konex. Sarmiento 3131. A las 21.30 hs.

Setenta años de grandeza

2012-01-14T17:57:00.003-03:00

Desde pequeño, me gusta el boxeo. No solo como deporte sino por las historias que cargan sobre sus espaldas cada uno de sus personajes. Pobreza, marginación y también de orgullo y reivindicación. Tal es el caso de Muhammad Ali, quien el próximo 17 de enero, cumplirá setenta años.
Recuerdo un viaje en tren, a Mar del Plata, cuando tenía diez años, en el que leí en la revista Gente (o bosta similar) una historieta en la que un boxeador de color derrotaba a Supermán en el ring. Me quedó ese recuerdo en la mente y, cuando fui creciendo, cambié al “hombre de acero” por “el bocón de Kentucky” como mi superhéroe favorito. Porque Alí fue un héroe para mucha gente sin necesidad de ponerse una capa. Su voz, su palabra, su lucha por los derechos civiles en los EE.UU y la reivindicación de su raza y su religión, personalmente, me llenan de orgullo y admiración. Su “soy negro y me la banco” en años donde era duro sacar lo que muchos consideraban como un rasgo de “inferioridad” para transformarlo en orgullo, con el talento de los dotados, es una lección que debería aprenderse. Ali no puso la otra mejilla ni realizaba denuncias en el INADI (como si lo hacen muchos de los cobardes de mi “cole” –como diría Ali, en vez de Tio Tom serían unos Tio Josele-) sino que sacaba el orgullo de pertenecer a una raza y a una religión que enriquecieron a la Historia de la Humanidad.
Nacido con el nombre de Cassius Marcellous Clay, considerado por muchos como “El mejor boxeador de todos los tiempos” –incluido quien esto escribe-, es un ícono que ha traspasado el cuadrilátero para cimentar las bases de la lucha por los derechos civiles en el autodenominado “país más democrático del mundo”, denominado Estados Unidos.

Bocón, provocador, dueño de una velocidad tanto en los puños como en su verba, Clay le tapó la boca a todos cuando obtuvo la corona mundial de los peso pesados, al derrotar al campeón y gran favorito, Sonny Liston. Al día siguiente de la consagración, decide cambiar su nombre (“mi nombre de esclavo” decía) por el de Muhammad Ali, por el cual se transformaría en el deportista más conocido del mundo.
Ali luchaba también contra los “tibios” y los “acomodaticios”. Cuando dijeron que iba a pelear con Floyd Patterson, dijo que éste “había salido de su caparazón para transformarse en el gran héroe de los blancos, diciendo que el título de campeón mundial de los pesados no puede estar en manos de un musulmán. A mi nunca me preocupó que sea católico pero salió de su cueva para ser ‘el campeón de los blancos’. No conozco ningún ejemplo más triste de alguien que esté haciendo el papel de tonto”. A Ernie Terrell, que lo llamó “Clay” lo castigó durante quince rounds al grito de “¿Cómo me llamo?” y “Decí mi nombre”. No lo noqueó sino que le dio una lección en una paliza pocas veces vista en la historia del deporte de las narices chatas.

Políticamente incorrecto pero sincero y visceral en sus pensamientos, el establishment “democrático” del gran país del norte lo persiguió con ahínco y lo conminó a presentarse al ejército para servir en Vietnam. “¿Por qué tengo que ir a matar vietnamitas si ellos no me hicieron nada? Ellos no me molestan diciéndome ‘negro sucio’ ni discriminándome como si lo hacen los norteamericanos” dice con sabiduría y lo mandan a juicio. En el estrado, el juez le dice “Clay” y él no responde. “Mi nombre es Muhammad Ali”. Lo despojan del título del mundo, le imponen una sanción de tres años que le impide boxear más allá de haberse salvado de ir a la cárcel con una pena severa.
Objetor de conciencias adormecidas, Ali desafió a un gobierno democráticamente autoritario con la sola bandera de su fé y sus principios. Su soberbia era sostenida por un maravilloso despliegue deportivo en el que su famoso “flota como mariposa, pica como avispa” terminó siendo una de sus más grandes frases.
Su cerebro –por el cual fue considerado no apto en los exámenes médicos que le habían hecho en el ejército- era capaz de crear frases y razonamientos de una lógica y una contundencia sin paragón. “En el África negra, el rey de la selva es Tarzán. ¿Y donde están los negros? Seguramente en la cocina, preparando chocolate”.
En momentos donde cualquier cosa que se diga, ofende a mediocres que se esconden en el “no me faltes el respeto” o “respetá lo que pienso”, por más que piensen y digan idioteces y barbaridades que no se sostienen de ninguna manera, redescubrir a la lucha de Muhammad Ali es un bálsamo de coraje.

Contradictorio –¿acaso quién no lo es?…y el que esté libre de pecado que arroje la primera piedra como dijo el primer hippie- y genial, poniéndole el cuerpo y su voluntad de acero para hacer frente a ese rival imbatible llamado Parkinson, Muhammad Ali llegará a las setenta décadas en este mundo.

Su vida, su leyenda y su lucha siempre estarán vigentes. Sus peleas, sus ideas, sus desplazamientos llenos de gracia sobre el cuadrilatero y sus golpes demoledores forman parte de la Historia Universal.
Ahora, más que nunca, ¡Ali Bomayé!

Bienvenidos al Caleidoscopio!

Alejandro Fabbri: “No creo en la diferencia del periodismo militante e independiente”

2012-01-13T18:57:00.003-03:00

Es una de las voces más respetadas del periodismo deportivo. Con una carrera intachable, continúa con el clásico de TyC Sports, “Estudio Futbol” junto a “Uno nunca sabe” y “El campeón desparejo” en las mañanas de la AM 750. Alejandro Fabbri habla del “ser periodista” y también de sus gustos y pareceres.

- ¿Por qué periodista?
- No tengo una razón clara para decirte. Estudié distintas carreras en la Universidad de Buenos Aires como Ciencias Económicas, dí el ingreso a Ingeniería y también Licenciatura en Geografía. Esto último en paralelo con Periodismo Deportivo. Siempre me gustó escribir pero no tengo una definición de porqué soy periodista. No soy un jugador de fútbol que se metió a esto porque no podía jugar más ni un literato que quería escribir un libro y empezó por el periodismo. Me gustó la carrera, la información. No tengo mucho más para decirte, no era una cosa frecuente en esa época.

- ¿Periodista se nace o se hace?
- Las dos cosas. Esto es una profesión y una vocación. Difícilmente te encuentres con un periodista que te diga “no me gusta ser periodista”. No pasa eso. Después te vas por las ramas de la profesión, de acuerdo a la capacidad y suerte, a estar en el lugar indicado o tener al amigo que te haga entrar en tal lugar. Inclusive la mala suerte de que te cierre un medio –que nos ha pasado a todos- o que te echen y ver si te pagan la indemnización y como. Después es una tómbola pero se nace con una preocupación o una intuición porque hay que hacerse. Hay que formarse y leer mucho. La experiencia te va dando determinadas cualidades y bueno, si bien cada uno carga con la educación que tuvo en el colegio secundario, hay de todo. Hay ejemplos para todos los gustos.

- Dijiste que hay que leer mucho. Hoy, el acceso a la información de manera más rápida, ¿conspiró contra la formación de los periodistas?
- Las redes sociales atacan la lectura. Tanta presencia de Internet evita la lectura. Hay quienes te dirán que leen los diarios o se informan por Internet. Puede ser. Los que tenemos más de 45 años, tenemos más propensión a leer. Me gusta mucho leer un libro. Si tengo un texto en una pantalla o en un libro, agarro el libro. Me gusta más, me resulta más cómodo. Creo que hoy hay mucha información vacía, hueca, que no tiene sentido. Tenés que separar la información, y mucha está camuflada. No aparece en el primer lugar asi como que mucha no es verdadera. Internet no es la verdad. Hay muchos errores y horrores sin que uno se de cuenta.

- Muchas veces se dice que los jugadores de fútbol perdieron la picardía que se adquiría en el potrero, ¿a los jóvenes periodistas les ha pasado lo mismo?
- No se. No se si la picardía se adquiere solamente en el potrero. Aca, en la Argentina, hay como una teoría, una escuela en la que se cree que el jugador de fútbol es el que salió de una villa y que jugó en el potrero por plata y no es así. Hay muchos ejemplos así y otros que no son asi. En el fútbol, no hay, de ninguna manera, una verdad. Fijate que hay un dicho que dice “no hay dos sin tres” y enseguida está el otro de “la tercera es la vencida”. En el fútbol, pasa lo mismo. Puede ser que se haya perdido cierta frescura, que haya más cosas mecanizadas y menos trabajos formativos en los chicos. Que por urgencias varias, lleguen más rápido a categorías más grandes. Que se los presione mucho para que ganen o que los formadores se olviden de formar. Todo eso pasa pero lo ves en algunos lados y en otros no. Hay clubes que te demuestran que podés seguir enseñando y bien y otros, que no. Que les interesa formar rápido un chico para poder venderlo rápido al exterior. En el periodismo, también falta formación. Si bien antes no se disponía de tantos lugares para estudiar, no había bibliografía periodística, te ibas formando, aunque sea a los ponchazos. Hay mucho “autodidactismo” acá, por llamarlo de alguna manera. Lo ideal sería que un buen periodista entienda lo que son las nociones básicas de la noticia, la historia y que pueda trabajar en radio, televisión o agencias de noticias con la misma tranquilidad. Esto no es sencillo porque hay gente que está más direccionada a un lugar determinado.

- La legitimitad del periodista la da su conocimiento o el medio en el cual trabaja?
- También la da su forma de desempeñarse. O sea, su seriedad profesional. Podés tener muchos conocimientos pero si no los aplicas bien….Por más que te sepas la formación de Rosario Central del 58, eso no significa que sepas de fútbol. Uno tiene que seguir educandose, formándose. No termina nunca. En los últimos años, el medio te da una pátina de mayor o menor credibilidad. Pero muchas veces el periodista está por encima del medio en si. Vos sabés que lo dijo tal persona no importa el medio en el que este. Sabés que ese profesional mantiene una cierta conducta, una cierta línea. Todos nos equivocamos, metemos la pata y tenemos nuestras situaciones que nos cuestan explicar pero en el caso puntual de esto, siempre me guío por una frase de Osvaldo Ardizzone, “la credibilidad, como la virginidad, se pierde solo una vez”. Difícil remontar la credibilidad.

- ¿Qué opinás de la diferencia que habría entre el periodismo militante y el periodismo independiente?
- No creo que sea esa la diferencia. Puedo ser militante e independiente al mismo tiempo porque puedo tener una idea política, apoyar cierta idea política (sea del Gobierno, la oposición o de algo que no sea puntualmente un tema eleccionario) y al mismo tiempo, ser independiente, militando por esa idea. El periodismo…hay un sector…Creo en el sentido común y en el criterio. Todos los periodistas opinamos en función de lo que creemos. En general, hay gente que no lo hace….pero la mayoría. Esto corre tanto para el periodismo político como para el periodismo deportivo. En todos lados tenemos afectos, gente que nos incomoda y no nos gusta por diferentes razones. Esto tanto en el fútbol, el básquet o lo que sea. Con el tiempo, en el deporte, en el caso del fútbol, nos encariñamos con algunos personajes, respetamos más a algunos otros porque no nos han fallado, nos dieron una mano o nos gustó la palabra que nos dijeron. Hay miles de situaciones. En la política están las ideas. En la medida que uno se mantenga fiel a lo que piensa, no veo mal que se desempeñe en varios lados. Yo trabajo en TyC Sports y voté a Cristina, a Nestor, e incluso en la primera vez de Kirchner. Comparto muchas de este Gobierno y otras no. No me gustan ciertos gobernadores como Infrán, Ortubey, Capitanich, que son gobernadores conservadores (por más que los vote mucha gente, me gustaría otra cosa). No me gusta Ricardo Jaime, lo que duró de los subsidios tanto tiempo ni que se reformen los impuestos que paga la gente. En otras cosas, apoyo mucho de lo que hizo este Gobierno y trabajando acá, no me implica tener que decir que estoy en contra o que estoy a favor. La verdad, lamento el periodista que sufre esa presión de un canal oficialista o de un canal privado. Pero esto ha pasado siempre. Esto es como el tema del soborno y la incentivación en el fútbol. Antes, estaba todo mucho más escondido. Hoy, es muy raro que un jugador vaya a menos porque tiene ocho cámaras que lo están filmando. Se buscará la manera de que si hay corrupción, no se note. No creo que haya canales independientes, de ninguna manera. Creo que defienden intereses empresariales y creo que hay gente, desde los medios del Estado, que defiende solamente posiciones políticas y se aparta de una línea periodística. No es que estoy en el medio, estoy más cerca de este Gobierno pero creo que por encima, tiene que estar el periodista. Uno no pertenece a ningún medio. Uno es periodista. Hoy trabajamos acá, mañana trabajamos allá. La tarea de uno es la de uno. Después, si uno “traiciona” o hace lo contrario de lo que dice o de lo que piensa, es otra historia. Ahí lo juzgará la gente.

- ¿Qué opinión tenés de la Selección Argentina?
- Hace poco que está Alejandro Sabella como técnico de la Selección Nacional. No me gustó lo que vi. Ni el partido con Bolivia, Venezuela y Colombia. Me parece un técnico demasiado conservador. Evidentemente está en un momento de crisis. Tampoco hay grandes entrenadores donde buscar ni fenomenales jugadores. Tiene excelentes delanteros y después, jugadores del montón. Jugadores buenos y punto, en el resto de los puestos. Uno tiene que ser exigente con la selección Argentina desde el punto de vista del juego. Uno no le debería permitir a la Selección que juegue como un equipo de barrio, que salga a la cancha a ver si le van a hacer dos, tres o cuatro goles. Debería salir con una estirpe mejor, con una idea de juego más atrevida y agresiva pero bueno, es lo que tenemos. Igual, no me preocupa demasiado.

- ¿Qué sentís cuando se lo critica a Messi?
- Una injusticia, porque mucho más no se le puede pedir. Messi hace lo que puede, que es mucho. No entiendo porque se le dio la cinta de capitán porque Messi no está para ser capitán. No es un caudillo que imponga respeto por su presencia física. Impone respeto de otra manera. Es un jugador fantástico. No se lo puede comparar con Maradona. No tiene sentido. Hay que sumarlo y no compararlos como si fueran opuestos. Va camino de seguir siendo lo mejor de la Selección. Difícilmente haya uno mejor que él. La verdad, le veo a la gente que critica a Messi, una exigencia desmesurada. No se que le piden. El campeonato español es un campeonato injusto, repetido y aburrido, donde juegan dos equipos y el resto mira. No tiene mucho sentido. Seguramente le sería más difícil jugar a Messi en el campeonato argentino que en el español.

- ¿No se le pide carácter a Messi?
- Pero no lo tiene. Tiene un carácter apocado, tranquilo. Se rebela cuando lo golpean mucho pero más no se le puede pedir. No tiene sentido. Es una discusión que no entra en mi cabeza.

- ¿Cómo viste el descenso de River?
- Estaba en Córdoba el día que descendió River, en la casa de unos amigos de mi mujer, hinchas de Belgrano. Mi mujer es de allá. Fue una situación de fiesta en esa familia que no lo podía creer. En algún sentido, eso demuestra que en el fútbol argentino no todo está podrido. Digamos, River descendió por merito propio. Tuvo ciento catorce partidos para sumar puntos y ventaja deportiva en la promoción. Yo estaba allá cuando jugaron la vuelta en el Monumental y la gente de Belgrano ya estaba agradecidísima por haberle ganado 2-0 a River. Si River ganaba 2-0 la revancha, la gente lo iba a aplaudir a Belgrano por el esfuerzo que hicieron. Ahora, más allá que no le dieron un penal, no se puede resumir el descenso de River en eso. River hizo una buena campaña, de más de cincuenta puntos pero arrancó muy mal. Creo que el gran error fue no haber incorporado a nadie en el medio de J.J. Lopez y Cappa. Después se dieron dos resultados impensados como los de las promociones y la campaña de Olimpo que ganó una buena cantidad de partidos que lo dejó muy atrás a River.

- Hablabas recién del tema de los poderosos, de la mano de Grondona que no lo iba a dejar descender…
- Bueno, es una demostración de que no ocurrió. En la época de Grondona descendió River, San Lorenzo, Huracán cuatro veces, Rosario Central y ascendieron equipos muy chiquitos como Huracán de Tres Arroyos. En el Nacional B aparecieron jugando Ituzaingó y Laferrere. Han salido campeones equipos muy modestos. Esta no es la peor crítica de Grondona. No pasa por ahí.

- ¿Y cual sería la peor crítica a Grondona?
- El excesivo que ha estado a cargo, los promedios para los descensos que fueron puestos para salvar a los equipos grandes del descenso pero demostraron que tampoco se pudo. No es que se anularon los promedios después; no pasó. Cierto manejo personalista, la manera de evitar con trampas burocráticas la renovación de la dirigencia en AFA. Esas cosas. Lo demás, no ha sido malo.

- La presencia de Daniel Vila, ¿qué representaría en esa dicotomía con Grondona?
- Es un representante de intereses de fuera del fútbol. Es presidente de un club que está jugando el Nacional B, que llegó de una manera sospechosa a esa instancia. Es un empresario multimediático porque tiene muchos medios de comunicación. Es una avanzada de un sector del interior que quiere una mayor injerencia asi como una mayor participación. Desde ese punto de vista, comparto la necesidad de una mayor participación del interior ya que la AFA es como una Liga Metropolitana de Fútbol que una Federación Nacional. Igualmente, Vila, por su actuación y su actividad pública en Mendoza, no demuestra ser una persona muy proclive a la participación pública y a la democratización. Lo entendería más del punto de vista de más clubes del interior que se junten y agrupen para pensar una mayor participación. Vila no me representa eso. Es un señor de posiciones conservadoras. No me parece que represente eso.

- ¿Crees que hay algún tipo de solución para las barras bravas?
- No tengo una respuesta para eso. No se. Todo lo que se intentó hacer ha fallado. Hay un problema cultural, educativo asi como de complicidad entre barras, dirigentes y policía, con algún funcionario de la Justicia. Vinieron ingleses a investigar la historia de las barras aquí y terminaron diciendo que los Hooligans, allí, no tenía nada que ver con esto porque los hooligans no tenían relación con los partidos políticos ni con la Policia. Cosas ambas que aca si. Los pocos ingleses que tienen participación política son de extrema derecha, neonazis, y acá no es el tema. aca están en cualquier partido. Del que les da un poquito, ahí se agarran. No le veo una participación mayor que antes. Es menor y están más metidos en los negocios de los clubes. La venta de entradas, el pase de un jugador.

Intermedio: Nos encontramos con Alejandro a las 15.30, en el “Café Sur” de San Juán al 1100. Llega presuroso por cierta demora pero se sienta dispuesto a hablar sobre varios temas relacionados al periodismo de hoy en día. Alejandro tiene esa impronta de profesor universitario serio pero justo. Habla de sus gustos y posa para las fotos con naturalidad al tiempo que hace chistes al respecto. No queda nada en el tintero y vamos desde los Beatles hasta Woody Allen, pasando por su amor por Platense.

- Estás trabajando en radio, en “Uno nunca sabe” y “El campeón desparejo”, con Luciana Rubinska. ¿Cómo te sentís trabajando en radio?
- Bien, trabajé muchos años en radio. Me llamó Eduardo Aliverti para cuando saliese la nueva radio para hacer un programa de interés general. Acepté y estoy ahí. Me fui de Torneos y Competencias y reemplazo con la radio. Dejé de transmitir partidos y tengo los fines de semana libres, después de veinticinco años. Lo que me representa una gran tranquilidad, de decir que terminé la jornada laboral hasta el lunes. Después de veinticinco años de ir a todas las canchas del país y transmitir todos los torneos, tengo los sábados y domingos libres. La radio es un trabajo que me permite hacer notas con otro tipo de gente, relacionadas con cuestiones sociales y políticas. Hablar de política internacional es una cuestión que siempre quise hacer. Me interesa el fútbol y algunos otros deportes (no muchos más) pero la política internacional siempre me interesó al igual que la política nacional y este era un buen momento para hacerlo.

- Si te pregunto por directores de cine y películas con las que sentís identificado o te gustan particularmente...
- Ettore Scola, el director italiano, es uno de ellos. Me gusta mucho el cine europeo. Directores como Truffaut. No soy un especialista. Mi hija es directora de cine y te puede hablar desde otro lado. No soy muy rebuscado. Me gusta mucho Woody Allen, el cine inglés y también Almodóvar.

- ¿Libros?
- El otro día tuvimos una charla sobre los libros que a uno lo marcaron y recordaba a Emilio Salgari, autor de libros como “El corsario negro” o “Sandokan”. Crecí leyendo esos libros que es un tipo de libro de aventuras que ya no se lee, al igual que a Julio Verne. Mario Benedetti fue un autor que me marcó mucho por “Gracias por el fuego” y “La Tregua”. Hay libros a los que uno vuelve inexorablemente en algunos momentos. Hay un libro de investigación de Miguel Bonasso que es “Recuerdos de una muerte”. También “La voluntad”, de Martín Caparrós y Eduardo Anguita, en tres tomos. Muchos cuentos de fútbol y novelas del Negro Fontanarrosa. La Guerra Civil Española es un tema que me interesa mucho asi como la literatura al respecto. Hay una escritora que se llama Almudena Grandes, que hizo un libro llamado “El corazón helado” y ahora sacó otro nuevo que se llama “Inés y la alegría”, que son historias de España en la Guerra Civil. Toda la gesta de los republicanos españoles en el sur de Francia, que son los que realmente liberaron esa zona, manejando la resistencia francesa. No hay ninguna película que toque el tema de los republicanos españoles en la posguerra, en Francia. Una cosa rarísima. Los tanques españoles que liberaron Lyon y otras zonas del sur hacia Paris, tenían nombres de ciudades españolas. Todos porque había sesenta mil soldados republicanos que eran los líderes de la resistencia en esa zona. Es un tema increíble y que se tuvieron que quedar treinta años más en Francia, esperando que se muriera Franco, en el 75, cuando pensaban que las Naciones Unidas lo iban a echar a Franco, cosa que no fue asi.

- ¿Actores? ¿Actrices?
- Hector Alterio, Ricardo Darin y Luis Politti, el papá de Andrea, un formidable actor que murió de tristeza en España. De afuera, De Niro, Al Pacino, Gene Hackman, Nino Manfredi –mi actor favorito italiano-, los españoles Alfredo Landa y Fernando Fernán Gómez.

- Si por la puerta de este bar, entrase el Alejandro Fabbri que estaba estudiando Geografía, ¿qué le dirías?
- Que trate de terminar la carrera….porque no la terminé. La dejé a mitad de camino porque estudié periodismo. Empecé a trabajar de periodista en el 78 y no paré hasta hoy. Soy nacido en Capital, hijo y nieto de porteños. Bisabuelos italianos, españoles y franceses. Una mezcla entre Toulon, Rimini y La Coruña. Todos puertos, para salir al mar rápidamente.

- ¿Cómo ves la situación de Platense, vos que sos hincha del Calamar?
- Si, como toda mi familia. Mi papá, mi abuelo y mi hijo. La soporto mucho más tranquilamente que mi hijo que se pone loco. Tiene veintitrés años y quisiera ver a Platense en primera, que casi no lo ha visto ya que descendió cuando él tenía once años. Se acuerda de algunas cosas puntuales pero muy pocas. Yo lo he visto siempre en primera jugando ganando y perdiendo, contra todos. Es una situación dura para el hincha que tiene más ilusiones. Yo no tengo mayores problemas. Ojala ascienda pronto y vuelva donde tiene que estar. Lamento tener que recurrir a la Historia cuando hablo de Platense.

- Recién hablaste de “hinchas”. ¿Siguen existiendo los “hinchas” de fútbol?
- Si si, vos sos hincha de tu equipo y después de la Selección Argentina. Si la selección tiene varios jugadores de tu equipo, sos más hincha de la selección. Aca no hay problemas étnicos o regionales, a comparación de lo que sería España, -donde los vascos no cantan el himno español y los catalanes tienen la pica con los madridistas- o Italia –con los sicilianos con la gente de Milán, el norte y el sur-. Esto aca no pasa, aunque si una cierta discriminación al interior del país y una falta de pertenencia. Como el jugador argentino no juega en el país sino en Europa, falta esa identificación. Messi no jugó un minuto en ningún equipo argentino sino que hizo toda su carrera en Europa. Es una cosa rarísima y no pasó nunca. El mejor jugador argentino no jugó nunca acá. Por eso te decía antes de las opiniones. Todos los periodistas nos dejamos influenciar por los sentimientos que tenemos. Siempre hay que tener criterio, sentido común y ser lo más “subjetivamente objetivo” posible. Nada más. Uno comenta y habla de su equipo. Lo critica si juega mal y hay gente que se enoja porque cree que vos tenés que hablar bien porque sos simpatizante. Primero está la realidad, si lo viste que jugó mal, lo tenés que decir pero hay gente que se pone mal porque no quiere contar la frustración de su equipo. A mi me tocó transmitir el descenso de Platense del año 99, contra River. No pude decir “está mal” o “lo perjudicó el árbitro”. Nada que ver.

- Sos hincha Bielsa además.
- Si si, soy bielsista fundamentalista, radical. Es el mejor técnico que he visto en mi vida. Creo que es un técnico que reúne condiciones muy elevadas. Es una exigencia que no está al nivel de lo que te puede dar el fútbol profesional en Argentina y creo que en la mayoría de los países tampoco. Bielsa es un gran formador de juveniles; una persona muy culta que convence hablando y trabajando con ejercicios permanentemente diferentes; que te explica porque hace cada cosa; con una conducta ética intachable; que trata a los periodistas de igual manera, ya seas de Noticias Urbanas como de TyC Sports, les da la misma nota a los dos porque no hace preferencias de acuerdo a la importancia del medio; que privilegia su cuestión personal por el grupo; que le permite a los jugadores que se entrenan con él siempre opinar y hasta ha llegado a cambiar de opinión; hace que los jugadores del equipo elijan al capitán del equipo (en su selección el capitán era Roberto Ayala, elegido por los jugadores. Cuando llegó Pekerman, lo puso a Sorín pero todos lo siguieron considerando a Ayala como el verdadero capitán). Son cosas muy distintas. No tienen ningún interés comercial o empresarial, no tiene ningún negocio vinculado con el fútbol. Además se preocupa mucho por la infraestructura del lugar en el que está. Mejora la cancha, las habitaciones, todo. Es una mente superior.

- ¿Por qué es criticado entonces?
- No, no es criticado. No hay argumentos. Hay uno solo, que quedó eliminado en primera fase en el Mundial del 2002. Imaginate como habrá sido el trabajo de Bielsa allí que, después de un fracaso deportivo semejante, Grondona le renovó el contrato a la semana siguiente sin que haya ninguna queja. Hablás con los jugadores y a todos les quedó algo; la mayoría te dice que fue “el mejor técnico que tuvieron”. En el diario As, hay una nota sobre Bielsa y explica sobre como le ha cambiado la mentalidad a los jugadores del Athletic de Bilbao. Los dos jugadores internacionales del Bilbao han dicho “es el mejor entrenador que he tenido” y lo han tenido cuatro meses nada más. Es otra cosa. Además, se le agrega que sus equipos atacan siempre. Van al ataque permanentemente. Tienen una postura agresiva y ofensiva. Buscan ganar el partido sin ningún tipo de especulaciones. Eso es lo que me fascina. Logró convencer a los jugadores chilenos que no eran inferiores a Argentina ni a Brasil. Tiró noventa años de sometimiento a la basura. Fijate la indisciplina que hay en Chile ahora, que no hubo con Bielsa.

- Te preguntaba por las críticas basadas en cierta caricaturización, que es muy obsesivo y que no termina de cuajar con cierto gusto….
- Es obsesivo pero son gustos. Esto es fútbol y es muy amplio. Hay otros técnicos que son muy buenos pero Bielsa es la excelencia. Un jugador del seleccionado me dijo, una vez que se fue Bielsa, un tiempo después –y que no tenía que ver con él-, “teníamos al rector de la UBA y ahora tenemos un maestro de cuarto grado”. La comparación es esa. Tocaron los Beatles, quien va a tocar después? Imposible. Tenés un registro que te lo dejan muy arriba y tenés que saltar hasta allá. No es fácil.

- Dos palabras sobre Carlos Tevez.
- Creo que ha perdido buena parte del crédito que tenía con la gente por decisiones personales o por impulsos. Nadie lo discute como jugador. Evidentemente no le ha hecho bien estar tanto tiempo fuera del país. Situaciones personales, falta de adaptación. Jugar en Inglaterra quizás no era lo mejor. Se hubiera sentido más cómodo jugando en Italia o España. La verdad es que no ha terminado la carrera de Carlos Tevez. Ojala puede reencauzarla. Tevez es un tipo querible y uno de los que, sin cassette, te dice “el mejor técnico que tuve en mi carrera fue Bielsa”. Cuando Argentina salió a la cancha a enfrentar a Chile en el primer partido de la era Bielsa allá, fue el que encabezó la larga fila de jugadores que lo fueron a abrazar. Es un tipo autentico que metió la pata en el último tiempo pero que puede rectificar lo hecho. No es tan grave.

“Uno nunca sabe” y “El campeón desparejo”, AM 750. Lunes a viernes, 7 y 11 hs
“Estudio Fútbol”. TyC Sports. Lunes a viernes, 13 hs.

Teatro: Lo Mejor 2011

2012-01-13T18:43:00.000-03:00

El 2011 continuó con el ritmo de crecimiento en la cantidad de obras de teatro pero como siempre decimos, la cantidad no hace a la calidad. La temporada empezó fuerte con “Toc Toc” -foto derecha-, un éxito de público y de crítica que se mantiene hoy en día, ya que va a hacer temporada en la costa. Se lo merece pues cuenta con una excelente dirección a cargo de Lia Jelin y un elenco de primer nivel, donde se toma, al mismo tiempo, con humor y seriedad, sin golpes bajos, los trastornos obsesivos compulsivos.
Dentro de lo que es calle Corrientes, también destacaremos a “Lluvia constante” y “Espejos circulares” con dos propuestas bien diferenciadas pero de gran valía. La primera, un policial en el que la ley queda debajo del prisma del cual la ejecuta, digo, lleva a cabo y la segunda, una historia donde a través de la sutileza, se reflejan ciertas conductas que nos atañen a todos pero que explotan a través de una clase de teatro.

Otras obras para destacar fueron “Ofensa” y “La Familia Argentina”, -foto izquerda- ambas abordando aquello que ocurre puertas adentro, lo socialmente inconfesable pero de una cotidianeidad asombrosa. La dirección de Marcelo Velásquez y de Cristina Banegas respectivamente, es fantástica, con elencos sólido, acordes a la seriedad de las propuestas.
Si hablamos de las mejores obras del año y también hacemos referencias a sus respectivos directores, no podemos pasar por alto a Claudio Tolcachir y a Martín Flores Cárdenas. Se realizó una retrospectiva del trabajo de Tolcachir con la excelente “Omisión de la familia Coleman” y “Tercer cuerpo” al tiempo que estrenó su última creación, bajo el nombre de “El viento en un violín”. La familia como centro social donde y lugar donde en nombre de aquella, con la excusa de “la educación” y “las buenas costumbres”, se obtienen situaciones lejanas a dichos objetivos. Por su parte, Flores Cárdenas estrenó “Mujer armada, hombre dormido” en el que la sucesión de acontecimientos ocurren con la precisión de un reloj suizo y dirigió el gran unipersonal protagonizado por Diego Gentile y escrito por Santiago Loza, de nombre “Matar cansa”, donde la muerte es moneda corriente, el placer le gana la pulseada a la culpa con cierto tinte reivindicatorio.

Hubo grandes obras que se han presentado en marcos que, lamentablemente, no han sido muy difundidos. Tal es el caso de la excelente “Catán” -foto derecha- que refleja con dosis pareja de crueldad, ironía y humor, los devenires del conurbano bonaerense y también, con la lupa puesta en los deberes, derechos y obligaciones familiares. “Te quiero poco y todo lo demás” también tuvo su gran momento en la cartelera porteña, con la historia de una joven con su psicoalista, respecto de las razones del amor y el engaño, y una muy interesante música en vivo, interpretada por Sonia Kovalivker.
Tampoco olvidamos a “Alemania”, -foto izquierda- que fue la pesadilla hecha humor y drama de un padre vuelto al hogar, luego de abandonarlo en busca de “placeres jóvenes y mundanos”. La forma en que se concibió esta obra la ubica entre las mejores del año. “Hécuba y el gineceo canino”, en el Rojas, de la mano de Emilio García Wehbi y Maricel Alvarez, expandió las fronteras del teatro como experiencia en una puesta frenética y conceptual, de gran contenido e ironía.
Para los amantes del teatro-danza, “La idea fija” fue el “must” de la temporada. La creación de Pablo Rotemberg aborda desde la música, con elementos de teatro, aquello que, como diría Freud, tiene todo el mundo en la cabeza. Visceralidad orgásmica para una puesta que dejaba a los espectadores con la boca abierta más allá de la plasticidad de las coreografías y la música utilizada.
La semana que viene, es el turno de las actrices

Cine: "Un Mundo Seguro"

2012-01-13T18:32:00.001-03:00

Pantalla de nuevas pesadillas

Guión y Dirección: Eduardo Spagnuolo. Con Carlos Belloso, Antonio Birabent, Carla Crespo, Héctor Noguez, Santiago Schefer y Vanesa Motto Guastoni. Director de fotografía: Marcelo Bonato. Música: Martín Pavlovsky. Montaje: Danilo Galase y Javier Galase. Género: Drama-Thriller. Origen: Argentina. Duración: 85 mins. AM13. Distribuidora: Primer Plano.

Cines Espacio INCAA Km 0 Gaumont, Cinemark Malvinas Argentinas y Hoyts Factory Quilmes

Hay películas que plantean numerosos interrogantes y sensaciones que van más allá de la definición que cuente la misma. Este es el caso de “Un mundo seguro” que se presenta de como “thriller” y “drama” pero que va para el lado de lo absurdo y bizarro, con una ironía solapada sobre los miedos de una sociedad moderna desde lo tecnológica pero paranoica en sus relaciones.
La película retoma la vida de Patricio Podestá, un poderoso empresario de medios de comunicación que, sufre el ataque de un encapuchado cuando toma una salida equivocada en la autopista. Este hombre enmascarado, al reconocerlo a Podestá, no lo roba sino que lo viola y se transforma en el fantasma que lo perseguirá a lo largo de su vida. Por eso y con todas las posibilidades económicas a su disposición, comprará una casa –Your home, your world- “tan segura como las Pirámides de Egipto”, que terminará siendo su propia cárcel.
Un buen punto de la película es que abre diversos frentes para analizarla debido a que apunta tanto al deseo constante de “seguridad” y la consabida alienación que esto provoca asi como el rol de los medios de comunicación. Allí es donde aparecen los personajes de Antonio Birabent (Carlos Rozzi y su alter ego, Charly Mad) y Carla Crespo, quienes son los conductores de un programa de chimentos que están detrás de la vida de Podestá, sabiendo lo poderoso que es y lo mucho que “garpa” una noticia sobre él.
La creación de los personajes es caricaturesca y extrema con lo cual, la creación de sentido pasa por la relación que se establece con el espectador. Este reconocerá las situaciones perfectamente pero éstas no están encuadradas dentro del marco de la “seriedad” sino de una atmósfera bizarra que, paradójicamente, lo acerca a una realidad a la cual se accede con solo apretar el control remoto. Porque el plagio de ideas, la relación entre los programas de chimentos y los “poderosos del medio”, las aventuras y vicios de los de “la tele”, se pueden ver al mediodía o en los pseudo debates y programas ómnibus de los sábados. Además, si bien para la película toma a la violación de Podestá con comienzo de su deseo alocado por estar “seguro”, ese deseo no difiere de ciertos programas políticos que criminalizan la pobreza o consideran al otro, como un enemigo. La alienación tecnológica a la que Podestá accede pone en conflicto sus propios deseos e intereses con lo cual lo llevará al borde de la locura.
“Un mundo seguro” molesta y perturba desde la forma en que se la concibe como en el desarrollo que tiene. La riqueza del film radica en no leerla de manera convencional o literal sino en dejarse ganar por las interpretaciones personales que realice cada espectador, con lo cual, implica un esfuerzo extra de aquél que la mira. No se le da todo “servido en bandeja” sino que le pide “comprensión” y “relación” con un film que ataca tanto a la tecnología como respuesta a todos los males como a la injerencia de los medios en la vida de las personas, pasando por las paranoias de la vida moderna y cómoda de cierta clase media-alta del siglo XXI.
El film cuenta con actuaciones viscerales y de buen tino a cargo de Carlos Belloso, Carla Crespo y Antonio Birabent asi como un montaje exacto para el ritmo que propone la película. Lo mismo ocurre con la música pergeñada con muy buen gusto y sutileza por Martín Pavlovsky.
“Un Mundo Seguro” inquiere, fastidia e incomoda saliéndose de varios moldes y allí es donde radica sus virtudes.

Cine: "Norberto Apenas Tarde"

2012-01-13T18:28:00.000-03:00

Cambio de habito

Guión y Dirección: Daniel Hendler: País: Argentina-Uruguay. Año: 2010. Formato: 35 mm. Color. Duración: 88 min. Con Fernando Amaral, Eugenia Guerty, César Troncoso, Roberto Suárez y Silvina Sabater. Fotografía: Arauco Hernández. Montaje: Andrés Tambornino. Producción: Micaela Solé, Daniel Hendler y Sebastián Aloi.

Cines Espacio INCAA Km 0 Gaumont

El debut de Daniel Hendler como director retoma en varios puntos lo que él mismo ya había transitado como actor fetiche de Daniel Burman. Aquí, Norberto empieza una mala racha en su vida que incluye despido en su trabajo, crisis con su pareja y un estado de hastío que se ve, que se palpa pero que no se muestra. Quiere pero no puede, no sabe o no lo dejan. De esta manera, al conseguir trabajo en una inmobiliaria, su jefe le pide que vaya a un curso de reafirmación personal pero opta por un taller de teatro. Al fin y al cabo, necesita vencer su timidez.
A partir de estas situaciones, comienza la gira (ni tan mágica ni misteriosa) sobre el mundo de Norberto y sus vericuetos para nada osados salvo con el comienzo del curso de teatro. Porque Norberto es “hasta ahí”. No hace todo completo sino que deja puertas abiertas por las dudas, sin terminar de definirse. Este tipo de personajes recuerdan a varios que hizo Hendler mismo que son de fácil identificación pero con sus problemas interiores y de relación con el exterior. Cualquier semejanza, a su vez, con Woody Allen, es pura casualidad. Pero volviendo a la película, está muy bien ambientada en un Montevideo extensible a cualquier urbe donde haya gente…como Norberto. El desarrollo mantiene esa cadencia en el desarrollo de la película que es la que abre diversas aristas pero sin que queden truncas ya que todo gira en torno de Norberto. Se sale de una situación, se pasa a otra con naturalidad y sin que quede nada liberado al azar o libre albedrío. Se aprecia la prolijidad que tuvo Hendler para la realización de la película hasta sus últimos detalles. Las actuaciones son naturales y solventes como las del propio Amaral y Eugenia Guerty, que sale de la comicidad para adentrarse en terrenos dramáticos de los que sale airosa en la sutileza caustica que le imprime a su Silvia, la esposa de Norberto. Además, cuenta con invitados especiales como Leo Masliah y Ana Katz, la prestigiosa directora argentina y esposa de Hendler.
“Norberto apenas tarde” es un auspicioso debut para Daniel Hendler en las arenas de la dirección cinematográfica con una película amena y disfrutable.

El Reportero (Teatro)

2012-01-13T18:18:00.000-03:00

Divina TV Führer

De Diego Arandojo y Chino Volpato. Con Fabián Vena, Eduardo Blanco, Moro Anghileri, Lidia Benitez, Omar Vitullo y Sergio Oviedo. Bailarinas: Natalia Bollini y Maria Emilia Petta. Vestuario: Lidia Benitez. Diseño de escenografía: Juan Manuel Aristegui y Mauro Savarino. Diseño de luces: Pablo Alfieri. Diseño sonoro: Fabián Molinengo. Video: Fractal Films. Música: Diego Arandojo y Chino Volpato. Producción ejecutiva: Juan Carlos Cantafio y Hugo Zanon. Productor comercial: Adolfo Scheines. Producción general: Pablo Fuoco. Coordinación artística: Javier Daulte. Dirección: Héctor Díaz.

Teatro La Comedia. Rodriguez Peña 1062. Jueves y Viernes, 21 hs. Sábado. 21 y 23 hs. Domingo, 20.30 hs

El teatro lleva a la televisión a la tablas con “El reportero”, un ciclo de entrevistas conducido por Alejandro “Ruso” Levi que tiene como invitado a Horacio Carreras, un político devenido a empresario de medios, propietario del canal en el que trabaja Levi. Este es un conductor ácido, con toques de humor y un tanto despótico en relación con un formato televisivo muy reconocible. Dina es la productora que debe lidiar con los abruptos cambios de humor del conductor y sus manías. Lo que parece siendo una edición más del programa, derivará en una confrontación entre Levi y Carreras que tocará diversos vericuetos relacionados al poder y su manipulación, los secretos de los políticos y los manejos realizados en la televisión en pos del rating y lo que “vende” para una audiencia caníbal y narcotizada por la propuesta de la caja boba.
Cuando decimos que el teatro lleva a la televisión a las tablas, es literal. El escenario es un estudio de televisión al cual el espectador es invitado tal como los programas que cuentan con el público presente. Varias pantallas dan cuenta de lo que ocurre “al aire” y también –por ser teatro-, lo que ocurre cuando la cámara está apagada. Allí es donde se aprecian los manejos relacionados a la manipulación de la información en el marco de un programa de televisión.
Las actuaciones son correctas en líneas generales. Fabián Vena es un “Ruso” Levi que se lo nota más aplomado cuando más va pasando el tiempo y va dejando de ser ser el conductor que quiere ser ácido. Horacio Blanco, absolutamente sólido como Carreras, con todos los matices para el personaje. Lo mismo para Moro Anghileri que es una Dina exacta en toda su composición.
“El reportero” abre la puerta para una puesta que va más allá de la diversión que propone en los primeros minutos para adentrarse en una crítica a los medios de comunicación en tanto su concepción y su finalidad.

Para el finde del 13-1

2012-01-13T00:36:00.004-03:00

Los cuarenta de Starc

El guitarrista y compositor Héctor Starc (ex Aquellarre y Tantor) se presentará junto a su trío el próximo viernes a las 21.30 dentro del ciclo de Rock Argentino en La Perla (del Once).
Con más de 40 años de carrera, Héctor Starc, ex miembro fundador de Aquelarre y Tantor actuará junto a su trío que se completa con Machy Madco (bajo) y Gustavo Ciardi (batería), más los invitados Juan Cúneo (guitarra) y Mariano Toziano (teclados). Durante el concierto interpretarán temas propios y buena parte de clásicos del rock argentino.
El músico, quien además es coleccionista de guitarras, instrumentos históricos y empresario de sonido, comenzó a tocar profesionalmente con Aquelarre, un verdadero seleccionado de talentos integrado además por dos ex Almendra: Emilio Del Guercio (bajo y voz) y Rodolfo García (batería), más Hugo González Neira (teclados).
La banda logró por aquella época mezclar con buen gusto estribillos melodiosos y gancheros con estructuras progresivas.
Posteriormente formó Tantor, junto a Rodolfo García y Machi Rufino (bajo). La presentación oficial del grupo fue en diciembre de 1978 y al año siguiente grabaron con Leo Sujatovich y Lito Vitale como músicos invitados.
El ciclo continuará durante enero con la presencia de Claudia Puyó y Los Anestesistas (sábado 14), Manal Javier Martínez (20), Ricardo Soulé y la Bestia Emplumada (21), Alejandro del Prado (27) y María Rosa Yorio (29).
La producción y programación del ciclo está a cargo de Rodolfo García.
Viernes 13 de enero. La Perla del Once, Av Rivadavia, esquina Jujuy. A las 22 hs.

Cantautores veraniegos

El sábado 14, a la medianoche, se presenta Nahuel Briones en el marco del “Ciclo cantautores- Canciones de verano”.

Nahuel Briones (21) es el creador de Orquesta Pera Reflexiva, un conjunto de fusión de estilos (progresivo, rock, pop) que surgió para interpretar en vivo los temas de su disco solista: Pera Reflexiva (2010; masterizado analógicamente por Mario Sobrino en Estudio del Nuevo Mundo, de Litto Nebbia). Con más de 25 presentaciones como solista y con Orquesta Pera Reflexiva desde la publicación del Cd, Nahuel se presentará por primera vez en el Ciclo Cantautores de Café Vinilo para tocar en formato solo set -con músicos invitados en algunas pasajes- un repertorio integrado por nuevas composiciones y varias canciones de su primer cd.
Nahuel Briones se hará cargo de la voz, piano, guitarra acústica y guitarra eléctrica y el show tendrá como músicos invitados a Camilo Arbuco (Percusión), Gabo Margiotta (Guitarra eléctrica) y Francisco Funes (Guitarra eléctrica).
Sábado 14 de enero. Café Vinilo. Gorriti 3780. A la medianoche.

Cine con Berlanga

Comenzamos el ciclo anual de cine, dedicado al gran maestro español Luis García Berlanga con la función número 100 del Cineclub La Rosa y la proyección de ¡Bienvenido Mr. Marshall!
Villar del Río es un pueblo pequeño, tranquilo, pobre y olvidado, en el que nunca pasa nada que se salga de la rutina. Sólo la llegada de la cantante folclórica Carmen Vargas y de Manolo,
su apoderado y representante, ha supuesto una novedad en la aburrida vida del pueblo. Sin embargo, un delegado gubernativo anuncia que, de un momento a otro, va a llegar una comisión del Plan Marshall (proyecto económico americano para la reconstrucción de Europa).

El alcalde del pueblo, un hombre bonachón, decide entonces que toda la población se disfrace al más puro estilo andaluz para causar buena impresión a los visitantes que vienen a repartir dinero. Con una estructura coral, ¡Bienvenido Mister Marshall! abordó las miserias de la posguerra y las expectativas desmedidas que muchos pusieron en el Plan Marshall. Desde el alcalde hasta el peluquero, todos aguardan la llegada del estadounidense con bombos y platillos.
Fue el primer film que Berlanga dirigió solo y donde ya ponía a prueba esa capacidad inigualable para retratar su época con un humor negro salvaje y sortear la censura franquista; con tal astucia que es imposible volver a verlo seis décadas después, y no preguntarse cómo es que no se dieron cuenta.
Viernes 13 de enero. Centro Cultural Carlos Sánchez Viamonte. Austria 2154. A las 20 hs. Entrada libre y colaboración voluntaria.

México arqueológico

Pensar el tiempo como un calendario expandido en 18 meses, y en el que cada mes tiene su gran fiesta. Imaginar que los días terminan con una adoración al sol, al que es necesario alimentar para que vuelva a nacer. E imaginar que antes y después de cada lluvia, es momento de celebrar la fertilidad: el ciclo de nacimiento, reproducción y muerte depende de voluntades divinas que rigen el destino de las tierras y de los hombres.

Hasta el 21 de febrero, Fundación Proa presenta “Dioses, ritos y oficios del México prehispánico”, una exhibición que expone por primera vez en la Argentina más de 150 piezas arqueológicas de las diferentes culturas que habitaron el Golfo de México, organizada por la Embajada de México en la Argentina y con el auspicio de Tenaris/Organización Techint.
Los dioses, sus diversas figuras y representaciones, los múltiples rituales desarrollados en nombre de ellos y los oficios ejercidos por los habitantes de la zona antes de la conquista española.
Curada por David Morales Gómez –graduado en la Escuela Nacional de Antropología e Historia de Distrito Federal, autor de numerosas publicaciones especiales, profesor de la Universidad Veracruzana y director de Museos de Veracruz–, la exposición constituye, en sus palabras, “una excelsa selección de piezas que muestran la enorme variedad de ideas, la estructura social y la complejidad de una ideología”.
A partir de una selección especial, con obras nunca antes exhibidas y recientemente recuperadas, las piezas impactan por su fuerza simbólica y por su belleza, con trabajos pertenecientes al patrimonio de 13 museos, dos Casas de Cultura, una zona arqueológica y al Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH).
Curador: David Morales Gómez.
Fundación Proa. Pedro de Mendoza 1929 y Caminito. Martes a domingo de 11 a 19 hs.

Racing campeón

Hace un poco más de diez diez años, Racing salía campeón en un país que todavía tenía las llamas encendidas. El presidente era Adolfo Rodríguez Saá, aunque sólo duraría unos pocos días más en el cargo, signo de una época en la que la Argentina tuvo cinco mandatarios en una semana. Con ese marco de inestabilidad política, la Academia de Mostaza Merlo y su “paso a paso” cortaba una racha de tres décadas y media sin títulos, tramo de su historia que incluyó el descenso, la quiebra, y hasta el anuncio temerario de desaparición.
Sin embargo, como todo en la vida de Racing, llegar hasta el día del campeonato fue un camino plagado de angustia. La caída de Fernando de la Rúa, que dejó el gobierno con una represión que se cobró 38 muertos, derivó para la Academia en la suspensión del campeonato que le traería la gloria. Le faltaba sólo un empate para dar la vuelta después de 35 años y, de pronto, todo se pasaría para el año siguiente. Los hinchas desafiaron el estado de sitio y salieron a la calle a reclamar, lo que obligó a abrir negociaciones para jugar la final. Todo se destrabó, de hecho, en reuniones en la Casa Rosada, un sábado por la mañana, en donde el presidente interino Ramón Puerta decidió que Racing pudiera disputar su encuentro con Vélez, mientras que River, el equipo que marchaba segundo, jugaría su partido con Rosario Central. Racing fue campeón y los hinchas festejaron en un Obelisco que una semana atrás era escenario de represión y muerte.
“Academia, carajo”, el libro del periodista Alejandro Wall que publica editorial Sudamericana, es una crónica de esos días, un recorrido que mezcla lo que sucedía en la calle, en la tribuna y en el campo de juego. Hinchas que participaron de las manifestaciones con la entrada de la final en el bolsillo; que recogieron heridos en la 9 de Julio y luego volvieron al lugar para festejar, o los que no pudieron hacerlo. Una historia de hazañas y fracasos que es una pintura de la época, pero también de lo que significa ser de Racing, tan característico como ser argentino.

Para el finde del 7-1-2012

2012-01-06T16:59:00.002-03:00

Los amigos del Flaco

El Mono Fontana, virtuoso tecladista de Luis Alberto Spinetta, presenta junto al cantante Ale Corvalán su espectáculo L.A.S.
El tecladista estrella de Spinetta, Juan Carlos “Mono” Fontana comienza su carrera como músico profesional a los 10 años, y a los 12 fundó con Lito Epúmer la banda Madre Atómica, a la que luego se sumó Pedro Aznar, mítica banda sumamente renombrada en el circuito underground de mediados y fines de los años 60.
Entre 1977 y 1980 integró la banda Los Desconocidos de Siempre que acompañaba a Nito Mestre, tocando la batería primero y el piano después. En 1983 se integró a la banda de Luis Alberto Spinetta, con quien grabó seis discos.
Simultáneamente reorganizó la banda Madre Atómica, integrándola con Lito Epumer, Guillermo Vadalá y Jota Morelli, grabando en 1986 el único álbum Madre Atómica.
En la década del 90 acompañó a varios músicos nacionales e internacionales, como multiinstrumentista. A mediados de la década comenzó a formar trío con Santiago Vázquez y Martín Iannaccone. En 1997 acompañó a Spinetta en su recital acústico para MTV. En 1998 grabó su primer álbum solista con el título de Ciruelo, y en 2005 Cribas, segunda y última producción hasta la fecha.
Viernes 6 de enero. Bar La Perla. Av. Rivadavia 2800 (esquina Av.Jujuy). A las 21.30 hs.

Amor y Tango
Café Vinilo presenta una velada doble de muy buena música. Este sábado, a las 21 hs se presenta Amores Tangos, que despide “Orquesta de Carnaval” su primer disco, recientemente nominado a los Premios Carlos Gardel 2011. Después su primera presentación en Brasil y de su gira por Italia y antes de su gira por España, el grupo dirigido por Jose Teixidó, reaparece con una serie de conciertos, presentando canciones de su próximo disco “Viva la alegría”. Amores Tangos está constituida por Jose Teixidó (Guitarra y dirección), Nicolás Perrone (Bandoneón), Lucas Furno (Violín), Pablo Motta (Contrabajo) y Juan Pablo Gallardo (Piano). Los músicos invitados Augusto Argañaraz (Percusión), Osvaldo Peredo (Voz), Marcela Galván (Saxo) y Martin Otaño (Actuación)
A la medianoche, es el turno de Mauricio Mayer + La Cosa Mostra, en el ciclo de “Ciclo cantautores - Canciones de verano”. Mauricio Mayer, pianista y cantautor, se presenta en Café Vinilo recorriendo canciones y composiciones instrumentales de su próximo álbum en un encuentro intimo con el piano y su voz. Por su parte, La Cosa Mostra - Paula Maffia (Guitarra, voz) yLucy Patane (Voz)- en formato miniset, presentan de manera acústica y reducida algunos temas de " Grandes Exitos", primer LP de la banda.
Sábado 7 de enero. Café Vinilo. Gorriti 3780. A las 21 y 24 hs.

Ensalada multiartistica

La propuesta es en el Emergente Bar. Allí, muchos artistas, muchos estilos se juntan en el comienzo del 2012 y llenan el bar de arte!
Hay Bandas, Solistas, Muestras de arte, Poesía, Proyecciones
Se presentará El Increible Funk (banda), Jirafas Desnucadas (música, poesía y suciedad), Fer van lacke (solista), David Carrizo Weidman (solista), el dúo Fondo de Bikini, el expositor Ariel Sebastián Corvalan, Acidos Arcoiris (pintura), Salomé Oviedo (pintura), Marcelo Cayolo (escultura), Val L' Viaquez (fotografía) y Aymara Lombardo
(fotografía)
Viernes 6 de enero. Emergente Bar. Gallo 333. A las 21 hs.

Música Nueva

“Neón Legión” es el poderoso colectivo rock-indie-electro que comanda el compositor y multi-instrumentista de origen alemán Philip Kressin, vuelve a presentarse en Argentina para cerrar el año en el 2011. KIRT, asi lo llaman, regresa a nuestro país con una nueva encarnación de NEON LEGION para presentar “LA REVOLUCIÓN”, su último álbum, que ya rankea en los principales charts de USA y Canadá, y la cita obligada es para el viernes en La Cigale, con entrada gratuita. La edición nacional del disco verá la luz en 2012 a través de Elvis Attack!, la misma casa productora que acaba de lanzar "Diciembra" de los uruguayos 3Pecados, y que trabaja con Millonesdecasasconfantasmas y Juan Regidor, entre otros artistas.
El increíble viaje musical de Philip Kressin lo ha llevado desde un búnker de la Segunda Guerra Mundial en Frankfurt a una chacrita aislada en medio de Argentina. Obsesivo desde su nacimiento con la música de Michael Jackson pero también adolescente metalero, estudiante de música clásica en su Alemania natal y compositor para películas, descendiente de una familia de Caballeros medievales germanos, el músico y multi-instrumentista ha editado un nuevo álbum, “LA REVOLUCIÓN”, que presenta con su nueva banda de músicos locales, “NEON LEGION”. Ambicioso disco que explora su gusto por el rock, el electro y la música clásica y que expresa su particular curiosidad por la cultura. Además, se presentará el nuevo video: “La Revolución”
Viernes 6 de enero. La Cigale. 25 de mayo 597. A la 22.45 hs.

Mathieu Orcel: “Todos los días se sale del closet”

2011-12-17T17:57:00.002-03:00

Francés de origen y argentino por adopción y elección, Mathieu Orcel creó la serie documental “Salida de emergencia”, que retrata a parejas del mismo sexo en su devenir cotidiano con dinamismo y seriedad al tiempo que también retoma el espíritu de la Ley de Matrimonio Igualitario en pos de la igualdad y la no discriminación.

- ¿Cómo surge la posibilidad de hacer “Salida de emergencia”?

- Soy cineasta y documentalista. Nos sentamos con Agustín, que es mi co-guionista y mi marido, y dijimos de hacer un documental sobre diversidad pero que no sean los eternos cliches del escándalo, el amarillismo y la transa en la calle. La serie no tiene el formato de cine-documental. Si bien es muy documental, es televisivo. Yo quería algo más actual, de televisión, más rápido. Pensamos en Canal Encuentro o la Televisión Pública. Justo ahí surgió el Concurso Federal Nacional, organizado por el INCAA, para televisión abierta y digital. Lo presentamos y “Salida de emergencia” fue la serie ganadora con mucho apoyo. Otro tema era tener las manos libres porque la mayoría de los medios se meten mucho en la obra en si. En el montaje, la manera de contar, etc. Si este material hubiese ido a Canal Plus de Francia, con quienes trabajo seguido, hubiese habido bastante tijereteo e incluso con voces en off y cosas asi. Aca no hay nada por el estilo. La propuesta es bastante pura. Nunca tuvimos ninguna bajada de línea de nadie. Sale por Canal Encuentro y estamos muy felices. Lo logramos!

- Te enganchaste con algunas de las historias en particular?

- Te digo una obviedad, con todas. Fueron todas muy fuertes, que no esperabamos, que surgieron en el lugar, como en Puerto Madryn. Ahí filmamos a Laura, una remisera trans. Estábamos a punto de finalizar el rodaje, ocho meses en la ruta y ya teníamos varios casos cuando nos vamos a Chubut Diver, una asociación diversa. Se sienta al lado mio, Laura, una chica que no conocía. Ella me empezó a contar su historia y me puse a llorar. Le dije “no me cuentes más nada. Mañana vamos a la playa y charlamos tranquilos”. Ese es uno de los testimonios más fuertes. Todas las historias nos sorprendieron. Llegabas y era una caja de sorpresa que se abría. La gente estaba muy felíz de que llegaramos nosotros hasta ellos en Humahuaca, Madryn, Neuquén o donde fuere. Había una necesidad de visibilizarse pero con gente que no lo va a agarrar para otro lado.

- La serie habla de “salir del closet”. Cómo vieron los personajes entrevistados ese salir del closet?

- La serie se llama “Salida de emergencia” porque partimos de la base que la “salida del closet” es urgente y necesaria. Cuando no podés más, salís. En la serie tenemos una forma particular de retratar eso. No son entrevistas y más entrevistas. Por ejemplo, Angie es bombero y sargento de la Policía de Rosario. Es trans y vivió todo el proceso dentro de la fuerza. Con los guarda-parques del Bolsón, que son casados, también hicimos lo mismo, los acompañamos en su situación cotidiana. El lema de la serie es “Cada día se sale del closet” porque todos los días tenés que renovar y reafirmar tu identidad. Otra cosa que surgió es la idea de heteronormatividad interiorizada. Ahí te das cuenta que los obstáculos están en uno mismo. Julio es colla. Recibió golpes y discriminación, pero no se muda ni a palos. Si estas en Buenos Aires, en San Telmo, con mucha gente acostumbrada y todo eso, ¿no podés salir del closet? Porque al fin y al cabo, está adentro de uno.

- Siempre se dice que “Europa tiene la cabeza más abierta”. Con este tema, es así?

- No, para nada. Yo vivo una situación muy graciosa por eso. Llegué en medio de una crisis, en el 2001. Me fui al sur, donde me quedé cuatro años, y me enamoré mucho de ese lugar. Mis familiares y mis amigos me decían que estaba loco, por esas imágenes de noticiero extranjero en la que parecía que nos estabamos matandonos entre todos. Había que explicar que la gente estaba más acostumbrada a la crisis y era más reactiva. A veces, salía con una sonrisa después de haber perdido todo. Eso, en Francia, es inimaginable. Con 2% de inflación, se ponen locos, guardan nafta y eso. Ahora se revirtió. Hablo con Francia y es al revés. Ahora es Argentina la que está bien y Francia, mal. Es Francia y Europa que están en crisis y los que tienen la mente abierta, en esta temática de la identidad, son los argentinos. Hablo con gente que piensa que es lo más progre del mundo y no es asi. Hoy, Francia está muy retrograda en esa cuestión. No hay matrimonio igualitario ni una visibilización futura de que se pueda llegar a concretar.

El bar La Prometida es el punto de encuentro con Mathieu. Un exprimido de naranja es la mejor opción para el momento, superando a mi sempiterno café. Mathieu es un argentino más. Tiene los modismos propios de Buenos Aires y poco acento francés. Locuaz y simpático, cuenta los pormenores del documental realizado con su marido. La charla va y viene con tanto entusiasmo que se corta la cinta y nadie se da cuenta….

- Donde estabas cuando se sancionó la Ley de Matrimonio Igualitario?

- Estabamos tocando con Lucy, que hizo la música de la serie y los chicos de la Cosa Mostra en la Peton, un bar francés que hay aquí en Buenos Aires, por México y Defensa, festejando justamente el 14 de julio, por La Toma de la Bastilla. Cantabamos canciones en francés pero siempre con un ojo mirando en la televisión, a ver que pasaba. Yo no pensaba que iba a pasar. Fuimos a la Plaza y nos quedamos hasta las tres de la mañana. Me acosté y me desperté con un desayuno especial, con flores y Agus me dijo que se había sancionado y que ya nos podíamos casar. Ahí, sentí que desperté en otro país. Hay que acordarse (algo que está muy presente en la serie) es que la Ley de Matrimonio Igualitario, en si, es una pavada. No le cambia nada a nadie. Lo que fue muy importante fue el debate que se realizó al respecto, que fue inédito. Se cayeron muchas caretas, con la Iglesia sacando chicos a la calle. Esto permitió un debate nacional que realmente visibilizó a un montón de gente y en la serie podés ver que todos se refieren a la Ley. No todos salieron del closet por la Ley sino que ayudó. La Ley cambió a la sociedad y eso está claro.

- Soy hetero y apoyé la ley. Después que se sancionó, hubo gente que me dijo “Estas conforme ahora?”. ¿Te pasó a vos?

- A mi me pasó pero de manera diferente. Ahora, me considero un argentino más. Más aún después de diez años de estar aca y trabajar con la gente del país e investigar. Siempre hay una diferencia chiquita, que noto, de cómo se tratan mis amigos en familia y respecto de mi. Siempre está detrás “el francés”. La gente piensa que con el francés hay una copa de champagne, vivimos de joda y a puro perfume y Francia hoy, es un país con mucha miseria social y conflictos muy heavies. Entonces, todo lo que escucho lo hago bajo ese prisma. A mi, directamente, no me hicieron eso pero si me lo hicieron al revés, pero contra Francia. Incluso mucha gente que está en contra del Matrimonio. Hubo orgullo en un punto cuando me decían “Esto, en Francia, no lo tienen”. Como que sienten que estamos en la punta de algo, por más que haya gente que no esté muy de acuerdo sobre esto pero lo hacen para chicanearte. Todo lo que sirva para que la gente se identifique con la Ley, sirve. Todos sabemos que, un día u otro, un país puede girar hacia algo feísimo, llámese Dictadura, guerra, o lo que sea. Está la duda de que va a pasar si sacan las leyes. Bueno, en España hay dudas con respecto a las leyes sobre el aborto y eso. Es una pregunta que hice fuera de cámara, ya que no tenía tanto sentido con la serie en si. Si había miedo de que un día la Ley no estuviese más o quedase sin efecto y la gran mayoría me contestó que “el miedo siempre está” pero lo que se está logrando hoy (en la vida de todos los días, y no en la vida abstracta de la política), la gente se acostumbra a tener a dos vecinos que son casados o dos vecinas que viven juntas. Esto ayuda más que cualquier discurso. Eso, en la serie, lo vimos muy fuerte. En la vida concreta, los problemas de la diversidad son pocos. La diversidad, como aceptación social, avanzó muchísimo. Más aún con el marco legal, es un avance total.

- El mayor problema, para la consolidación de la diversidad, sigue siendo la educación?

- Si. Creo que si. Hay un proyecto de Educación Sexual integral que se está poniendo en marcha. Los jóvenes de aca son más fluidos con el tema. No son homosexuales sino arcoiris. Le gustan mujeres, loros o lo que fuera. Pero digo también “ojo”. La homosexualidad existe desde que existen los hombres. Había ciudades como Atenas, donde era valorado y vamos a Uganda, donde hoy es delito de muerte. No se si es por moda o el impulso, está buenísimo. No se sustituye a la educación pero hace falta cambiar el principio de la educación sexual. Falta siempre lo mismo, el pibe que tiene sus problemas en su interior. El que hoy sea “gay friendly” todo bien pero nadie, desde el punto de vista de la escuela, le dice que “está todo bien”, que hombre a hombre funciona al igual que mujer con mujer. Falta esa variación. Es valioso lo que pasa con la serie que está saliendo por Canal Encuentro, la señal del Ministerio de Educación. El ministerio está poniendo el hombro diciendo “la educación también es esto”. Está el modelo mayoritario pero también esta esto. Tengo fe que, gracias a Canal Encuentro, llegue a muchos lugares donde sirva todo. Imaginate un chico gay o trans en la patagonia o donde sea, de repente ve que lo puede ser tranquilamente, con su familia aceptandolo y con una carrera universitaria completa, puede haber un clic en la cabeza y diga “yo puedo”. No solo que tenemos derechos sino que también podemos ser felices, como esta vedette que está dando vueltas y tiene dos hijos gemelos pero que no le está cagando la vida a nadie.

Te cuento una anécdota, cuando hicimos el pre-estreno en el Arte Cinema, vino mucha gente y fue muy bien recibido. Hubo veinte preguntas al término de la proyección junto con una charla. Ahí es cuando se levanta un jovencito de diecisiete años, y dijo, muy emocionado, que había salido del closet hace dos semanas y que les había contado a sus padres que era gay. Que vio el documental y que le parecía muy válido socialmente. Se emocionó y se puso a llorar mientras la gente lo aplaudía, también muy emocionada. Fue como que si lo hubiesemos pagado al pibe pero era eso lo que queríamos lograr. Hay mucha empatía y sinceridad en la gente, que perfora la pantalla e inunda la sinceridad.

- ¿Qué tal la repercusión de la serie?

- Por ahora, bien. El primero capítulo fue “Matrimonio igualitario”. Quisimos entrar despacito con los temas. Hubo mucha repercusión y debate sobre “por qué hay tanta discriminación si es gente común?”. Es gente que rie y se emociona como todos. El ciclo arrancó con Norma y Cachita que es un matrimonio y la reacción de ellas no tiene precio. Estaban muy emocionadas y conmovidas con que el caso de ellas pueda servirles a otras mujeres y también hombres para su futuro. Con los chicos de Jujuy hubo mucho maíls y después, con Encuentro y la TV Pública, se sube a Internet y lo ve el mundo entero. También lo distribuimos en otros países, por lo que la historia se está armando un poquito todavía. Como es un documental hecho serie, volvés a tratar el mismo tema pero con otros ojos y otros personajes. Atrapa mucho esa dinámica. Veremos que pasa pero las reacciones fueron muy buenas.

- Y de Francia que reacción tuviste?

- La primera vez que un canal de televisión, un profesional del audiovisual, como la Cadena Arte TV….Digamos que, cuando acá se dice que algo está buenísimo, en Francia dicen “no está mal”. Y es la primera vez que uno de los programadores de esta cadena me dice que le encantó, que le gustó la sinceridad que se siente y que salió de los formatos conocidos para televisión. Fue muy loco y sé como son. Creo que el entusiasmo que hay en esta serie es palpable y también trae un poco eso de “que pasaría si la norma fuere ser homosexual”. Genera ese tipo de entusiasmo y esperamos tocar gente, a través de la sorpresa y la empatía, se cope a pesar de no tener familiares gays, que no esté en tema y que piense como muchos (“vengo de una familia normal”, “enfermos fuera”), sería genial.

- La última, si por la puerta del bar, entrase el Mathieu que llegase en el 2001, que le dirías?

- Con total sinceridad le diría “nunca te hubieses pensado eso, no?” jajajajjaa. Eso, por todo, por como cambió el país. Ví la crisis en el 2001, con gente recuperando fábricas, con mucha fe y pasión. Me emocionó mucho eso y sentí que la gente de este país me convocó. Mi vocación la tuve desde que nací. El llegar al sur y ver esos paisajes, para un francés que ve todo ese horizonte, no existía. Nunca hubiera imaginado que hoy, soy casado con Agustín, que soy radicado y el país que ves acá, es uno de los últimos lugares en los que, humanamente, se aprecia mucho a la gente y como se toma el tiempo. Se que hay muchos problemas como la delincuencia pero si te vas a Japón o a Francia…Fui a Francia con Agustín y su hermano y se ha transformado en un país de fachos, con milicos en la calle y con armas, que te miran mal y no podés decir nada. Uno se olvida de esto pero el contexto afecta mucho. Argentina es un país que nunca deja de sorprenderme, y por suerte, ha sido siempre para bien.

“Salida de Emergencia”. Canal Encuentro. Martes, 22.30 hs.

Hugo Fattoruso y Diego Frenkel: Días de recitales (parte 2)

2011-12-17T17:51:00.006-03:00

Hete aqui los dos últimos recitales que hemos cubierto en cuatro días. Buenos músicos, buenos recitales. Todo un placer!

Hugo Fattoruso & Hernán Jacinto en Café Vinilo

Fiebre de piano por la noche

La semana pasada, tuvimos la chance de hablar con el “ticher” Hugo Fattoruso, días antes de su presentación en Café Vinilo, en el ciclo “A dos pianos” (http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com/2011/12/hugo-fattoruso-los-shakers-quizas-estan.html). Ahora fuimos a ver un concierto muy interesante, apto para el oído atento que prefiere una poción exacta de virtuosismo y buen gusto en los arreglos y en las composiciones que la demostración cabal de dicho virtuosismo en pos de satisfacer su ego personal.

Café Vinilo estuvo a pleno para las dos funciones que Fattoruso el domingo 11, con un lleno que hace justicia a uno de los próceres del rock rioplatense. Junto con Hernán Jacinto, tocaron sus propias composiciones. No vuela ni una mosca cuando Fattoruso abre el concierto con “En tus ojos” para después dar lugar a Jacinto con “Viajes” y “Tu vuelo al fin”. Recordemos que Jacinto es un joven de 30 años, que ha colaborado con artistas de los kilates de Pedro Aznar, Luis Alberto Spinetta, Javier Malosetti y Gloria Gaynor.

El repertorio va desde el jazz hasta la bossa nova con, obviamente, guiños al candombe en su interpretación. Las composiciones dan cuenta de la capacidad compositiva de ambos pianistas que despliegan su arte con sapiencia. Las melodías son agradables y exactas para que el domingo lluvioso sea el complemento exacto de lo que se está viviendo arriba del escenario. Hugo mete algunos coros y se acompaña con su voz para los pocos momentos que hay para la palabra.

La tenue iluminación es exacta al momento musical que incluye temas como “Historia real” o “La quietud”.

El concierto va llegando a su fin con “El Estribo”. Son casi la 1.30 de la madrugada. Si bien es un poco tarde para un lunes por la madrugada, la felicidad de haber escuchado un concierto de calidad en las manos de Hugo Fattoruso y Hernán Jacinto, no tiene precio. Nada que ningún despertador molesto pueda quitar la sonrisa mañanera de la buena música.

Diego Frenkel en vivo

El mundo cabe en una canción

Consolidado en una carrera solista sólida, Diego Frenkel despidió el año tocando la integridad de su segundo disco en solitario, el excelente “El Día Después” en Boris. Pasadas las 22.45 hs, subió el ex líder de La Portuaria, ataviado todo de negro y acompañado por Florencio Finkel en voz y bajo, Lucy Patane, guitarra y voz, Pedro Bulgakov, bateria, percusión y tablas, Victoria Carambat, voces y Poli Sallustro, piano y coros.

La forma en que trabajó los temas del mencionado disco “El Día Después” (http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com/2011/06/disco-el-dia-despues-de-diego-frenkel.html) es loable porque enriqueció los temas que, en el disco, suenan más acústicos. Aquí, aprovechando la solidez de la base Finkel-Bulgakov, Frenkel se encarga de la guitarra rítmica, dejando que la joven Lucy Patane se encargue de solos imaginativos y de muy buen gusto. Suenan “Asi pasa el tiempo”, “Bajo la piel”, “Sábado lunar”, con la inclusión de “Besos y rezos”, de La Portuaria. Se lo nota suelto y contento a Frenkel. Está tranquilo con su rol de cantante y guitarrista rítmico al tiempo que coordina que todo salga a su tiempo y lugar. La seguidilla de “El día crucial”, “Te estoy soñando” y “Olvidame” entusiasma (aún más) a un público atento a lo que ocurre en el escenario.

Es en ese preciso instante en que subió al escenario Carlos Casella, para interpretar junto a Frenkel, una versión de "Te extraño", exitoso tema que compartieron años atrás en la obra Hermosura de El Descueve y un clásico de Virus, “Qué hago en Manila?”, tema con el cual se logra uno de los picos de emotividad de la noche. “Entre tus huesos” y “Balanceándonos” dan cuenta del muy buen momento de Frenkel arriba del escenario, el cual se interrelaciona con el pasado de Diego, con la interpretación de “Río herido” de su primer disco solita y “A través de tus ojos”, de La Portuaria.

A todo esto, ya nos habíamos ubicado en la escalera de Boris que es, prácticamente, el mejor lugar para ver todo. Además, la cercanía es la que permite ver como está todo en el seno de la banda. Mucha camaradería y buena onda entre los músicos es lo que se aprecia.

La temperatura de Boris había subido tanto arriba como abajo del escenario. Llegan los bises con un clásico de los Talking Heads, como “Heaven” con Frenkel en el mismo sentido que su admirado amigo David Byrne. “Como es el último concierto del año, vamos a salirnos del protocolo” dice Frenkel y arremete con “10.000 kms” y “Baby”, ambos temas de La Portuaria. Ya llega el final que es a todo rock con una incendiaria versión de “Llevame”, un clásico que no necesita mayor presentación.

Diego Frenkel despidió el año con un concierto de gran calidad, donde la sutileza y la calidad de las buenas canciones y los arreglos es puntal de un disco imperdible de este 2011 que está a punto de concluir.

Como el humo del te (Teatro)

2011-12-17T17:43:00.002-03:00

Personal Jesus

De Karina Androvich y Daniel Jorge Fernández. Con Karina Androvich. Diseño de vestuario: Daniela Torta. Diseño de escenografía: Eduardo Spindola. Diseño de luces: Brenda Bianco. Asistencia de dirección: Belén Cabrera. Pre-producción: Candelaria Sesín. Dirección: Daniel Jorge Fernández.

Querida Elena. Pi y Margall 1124. Viernes, 21 hs.

Ella está sola, ataviada como una mucama pero no lo es. Es solo un disfraz que oculta su alcurnia y su pedigree del cual se aleja por un tema del corazón. Parece que se va a quebrar en cualquier momento, pero no. Respira y cuenta su historia. Ese amor palpable, sublime, que no es cualquier amor. Es de esos que tocan el alma y se disfrutan a través del dolor. Que el hombre en cuestión sea un tal Cristo, dará lugar a un relato excelente en la voz de Karina Androvich que le pone el cuerpo y el alma a ese deseo hecho carne y estigma, por medio de un texto co escrito con Daniel Fernández. En medio de un escenario que solo cuenta con un par de sillas y una mesa, ella es el centro del universo en el cual el amor y la racionalidad luchan dentro de su cuerpo. Por otra parte, es muy interesante la construcción de dos mundos diferenciados y hostiles entre los que la consideran santa o loca, en directa relación con la condición social de cada uno de los bandos. Esa diferencia es la que sobrevuela el contexto en el cual el ser y el creer pareciera ser una cuestión de capital cultural y económico, más allá de la espiritualidad de cada individuo.

Con el devenir de los acontecimientos, la riqueza de la dramaturgia es palpable en tanto y en cuanto plantea situaciones en las cuales no es posible determinar donde está la racionalidad en argumentaciones e ideas planteadas. El ayudar al prójimo, el escucharlo, ¿es solo una utopía para los bienpensantes o solo una dádiva de aquellos que tienen todos los recursos de su lado?

Con una muy buena actuación de Karina Androvich y la sabia dirección de Daniel Fernández, “Como el humo del té” es una obra cuyo contenido tiene la característica de la cebolla, hay muchas capas para descubrir y reflexionar.

Claveles rojos (Teatro)

2011-12-17T17:40:00.005-03:00

El dilema de las capacidades

Con María De Pablo Pardo, Laura Accetta, Esteban Astorga, Sebastián Bauzá, Nicolás Braun, Mariano Castromassa, Lucía Di Bello, Matías Durini, Nicolás Esperanza, Nuria Frederick, Pablo Gagliano, Alejandra González, Ricardo Levy, Corina Mangino, Florencia Nocetti, Ezequiel Paredes, Santiago Rapela, Alejandra Sabatella, Laura Samyn, Yanina Spinetta, Dolores Zonca. Vestuario y Escenografía: Nadia Casaux. Iluminación: Miguel Kot. Sonido: Sonia Balza. Asistente de producción: Ezequiel Paredes. Asistencia de dirección: Sonia Balza y Miguel Kot. Dirección: Luis Agustoni

Teatro El Ojo. Perón 2115. Sábado, 20 hs.

¿Qué pasa cuando un derecho entorpece un deber? Más aún, cuando enarbolando la unión familiar, se busca un beneficio a costa de perjudicar a uno de los miembros de la misma. Liliana es una chica con alguna disminución en su capacidad mental aunque puede perfectamente desenvolverse en el mundo de hoy. No obstante, la familia, con la madre a la cabeza, buscan declararla como “incapacitada mental” para hacerse con la herencia del padre recientemente fallecido. Por eso, Liliana acude a un abogado que la ayudará con su reclamo de igualdad. Aquí, entran a plantearse una serie de temas a considerar y debatir. Primeramente, lo que es ser “capacitado” o “incapacitado” que nos lleva directamente a la construcción de la figura de “normal” y “apto para vivir en la sociedad”. Liliana debe probar que es “apta” y “normal” para ser aceptada dentro de una sociedad “anormal” en tanto discriminadora. Otro punto es la tan mentada frase de los Benvenuto, “lo primero es la familia”. ¿Y si esa familia es la que primero te quiere robar en pos de su egoísmo? Porque como buena comunidad judeo-cristiana, la culpa es la bandera que se enarbola para que las ovejas descarriadas y “anormales”, vuelvan al caríz de la normalidad que, casualmente o no, favorece a “la familia”. Claro, a la persona en cuestión, Liliana o como se llame, que la parta un rayo.

La búsqueda de la dignidad y del respeto que encara el personaje de Liliana es tan noble como justa. Más aún con la excelente actuación de María de Pablo Pardo, que no cae en excesos en su personaje, sino que lo dota de humanidad, sin caer en sentimentalismos o moralejas edulcoradas hollywoodenses. Liliana va y lucha contra todos, dando una lección sobre el reconocimiento de sus derechos.

Con una dramaturgia seria, que no cae en golpes bajos y que cuenta con momentos de humor y mucha ironía, “Claveles rojos” pone el dedo en la llaga en la tan mentada “igualdad de derechos”, la inimputabilidad de la institución “familia” y lo que es ser “anormal” en una sociedad donde lo “normal” es robar, discriminar y herir a los seres humanos.

Blues Motel y Somos Jardín: Días de recitales (parte 1)

2011-12-17T17:38:00.002-03:00

La pasada semana, ECDL estuvo yirando por varios recintos capitalinos, presenciando recitales de variados estilos pero todos de mucha calidad. Hete aqui la primera parte de Dias de Recitales (cuatro en cuatro)

Blues Motel en La Trastienda

Las guitarras siguen sonando.

Pasa el tiempo y como el vino de calidad, Blues Motel tiene mejor gusto y suena mejor. La Trastienda fue el lugar elegido para que “Bluesmo” haga su última presentación en Capital de su último disco “Siglo Desastre”.

A la medianoche que separa el 8 del 9 de diciembre, pasados diez minutos de la hora señalada, comenzó un show potente, muy bien tocado, que repasó de manera íntegra “Mientras las guitarras suenen”, el disco elegido por el público a través de la web, para la interpretación de la banda. El público va desde los rolingas uniformados como tales a chicas hippies, con edades bien marcadas, algunos fans de la primera hora que estarán en los treinta y tres años para arriba o menores de veinticinco. Esta composición del público es un dato a tener en cuenta de quien sigue a la banda. Más aún cuando uno recuerda haber estado en la presentación de “Mientras las guitarras suenan”, allá lejos y hace tiempo, en el 95, en el teatro Astros, y el programa del show tenía una estética como si fuera la tapa de un diario y con los gustos y características personales de cada uno de los integrantes de la banda.

Hoy en día, Blues Motel suena muy bien. El sonido es de primera pero a ellos se los ve muy “músicos” en el sentido de tocar lo justo y necesario, con buenos arreglos dentro de un estilo que decreta que cierta autenticidad se basa en el no-cambio. Al respecto, Blues Motel le hizo una gambeta corta con el excelente pero mal recibido disco “Un tajo en la oreja” en el cual cambian el sonido, buscando barajar y dar de vuelta. El público no entendió que el artista tiene sus propias inquietudes y que su devenir no tiene porqué tener límites y le dio la espalda. Ahí es cuando Blues Motel reinicia su carrera con el muy buen “Malbec” y el resto, ya es historia conocida. Porque la independencia de la banda y la filosofía de su música va más allá de la pose rockera que escribe con la mano y firma con una multinacional y borra todo con el codo.

Aquí en La Trastienda, hay lugar tanto para el rock and roll como para el blues y alguna que otra balada, pero siempre con el personal sello de una banda que pasó por todo y que es, porque no decirlo, de culto para todos los amantes del viejo y buen rock and roll. El sonido, que va desde los Rolling Stones hasta los Black Crowes pasando por los Who y los Faces, por más que sea conocido, no deja de tener su propia impronta. Incluso las canciones viejas vuelven a sonar con la frescura de siempre pero con la experiencia de los años vividos en los escenarios. Esto ocurre con “Te trajo el viento”, la emotiva “Cuando todo empezó a caer” y otros clásicos de la banda.

El recital también incluyó un homenaje a John Lennon por el aniversario de su muerte, con una muy buena versión de “I’m losing you”, pero no como la versión original del último disco del Beatle, “Double Fantasy” sino más cercana a la de los Lennon Tapes, que es más rockera.

La esencia de la banda sigue intacta, e incluso, mejorada. Gabriel Diaz está cantando muy bien. Mantiene la voz a lo largo de todo el show sin mayores inconvenientes que, sumado a su buen manejo del escenario, lo convierten en un muy buen showman. La otra parte de Bluesmo sigue siendo Adrián Herrera. Su sensibilidad para las seis cuerdas hacen que sea el nervio motor de toda la banda y donde reside el alma de la misma. Pasan los años y la química de la dupla Gaba-Adrián se mantiene y crece musicalmente.

El show llega a su fin y nos retiramos con esa sonrisa que denota no solo la alegría de haber presenciado un muy buen show, sino el recuerdo de esa banda que uno vio cuando era más chico y el crecimiento que tuvo a través del tiempo.

Somos Jardín en el Ecléctico

Expandiendo las fronteras del sonido

El pasado miércoles 7, Somos Jardín grabó su disco en vivo + DVD, en el Espacio Ecléctico. El recital también fue una linda excusa para volver a escuchar dos EP, editados en el 2008 y 2010 en dos sets bien estructurados de treinta minutos, con dos intermedios de dos minutos, para finalizar con un tercer set de tres temas nuevos.

La banda está compuesta por Juan Ignacio Vázquez en voz y guitarra, Emiliano Iervasi en bajo, Federico Lisorski en guitarra y Hernán Castro en batería. El sonido de “Somos Jardín” es muy poderoso, como el llamado “rock progresivo” pero sin la solemnidad de aquél y con más “cercanía” con la gente a través de ambientaciones más amenas. Se podrán escuchar alguna influencia de Muse, Radiohead y los Beatles, con lo cual la calidad está garantizada.

El primer tema de la noche era “Buscando un jardín” que contó con un muy buen solo de guitarra slide de Federico Lisorski. El sonido es majestuoso y con una soberbia interpretación del mismo. Le sigue “Acido 58” y “Obertura 776”, que dan cuenta de la muy buena escuela musical que cuenta la banda. No obstante, la voz queda detrás de la vorágine sonora presentada ya que no hay coros ni nada que la apoye.

Como Somos Jardín es búsqueda constante, aprovechan la ocasión para presentar un corto filmado en el centro de Buenos Aires con una estética que remite a la nouvelle vague.

A continuación, suenan las canciones de lo que es el segundo EP de la banda “Orán. Pequeña guia para ciudades sin pasado”. El clima más urbano se aprecia en la música de Somos Jardín. Más aún con la presencia de un bandoneonísta en vivo lo cual le aporta mayor cantidad de matices a la ya de por si rica sonoridad del grupo.

La parte final presenta a la banda con tres temas nuevos, uno de los cuales no tiene nombre pero que se constituye en uno de los mejores temas del show por ser uno de los más ricos y arriesgados en su propuesta.

Termina el show con la satisfacción de haber conocido una muy buena banda y con la esperanza de saber que su camino se vaya expandiendo no solo en muchas direcciones a nivel experimentación sino al guiño del favor del gran público ya que lo merecen por su propuesta.

Disco: “Blood pressures” de The Kills

2011-12-17T17:23:00.000-03:00

Si algo hacía falta en estos últimos tiempos, es volver a escuchar ese rock de garage, bien hecho e interpretado, con guitarras fuertes, voces en su justo registro y melodías que te pueden levantar el ánimo o sumergirte en una profunda introspección sin caer en la amargura. Ojo, no estamos hablando de la vuelta de los White Stripes (una lástima!) sino del nuevo disco de The Kills, la banda compuesta por el dúo de guitarras de Alisson Mosshart y Jamie Hince en el que es inevitable trazar un paralelo con la banda de Jack & Meg con una pizca de Garbage.

Más aún con esa batería tan Meg con la que abre el disco en su primer tema, “Future starts slow”. No obstante, no son el lado B de los White Stripes. Similitud no implica copia, sino vease el caso de los Stones y los Faces o incluso de los Beatles y los Kinks.

Con “Future starts slow” y “Satélite” (el corte de difusión) se abre el juego en un CD que cuenta con un muy buen arte de tapa, con dibujos realizados por ellos mismos salvo por la contratapa y la fotografía de tapa, realizada por Robert Knoke. “Heart is a beating drum” le pone una sonrisa con un comienzo más electrónico para volver a sumergirse en las tinieblas de una guitarra poderosa y sucia y una letra sobre el nervio motor que mueve a los individuos. La crudeza vuelve con “Nail in my coffin” donde hay una visión fuerte de ese sentimiento en relación con otra persona. “No soy mejor que eso que sos vos (...)/Mi soledad no me deja nunca sola/ Cometí errores que no llevaría a casa/ Te amo pero no de la forma en que vos querés” son versos que salen de la voz de Alison

La breve y sensible “Wild charms” baja los decibeles del ritmo furioso con el que venía el disco en la voz de Jaime Hince, en una frecuencia un tanto lennoniana para después levantar el ritmo con la voz de Allison en “DNA”. En “Baby says”, el ritmo es más pop sin que esto implique que sea más “blando” sino, por el contrario, se logra una armonía de voces importante y que la guitarra siga siendo la guía de todo el disco. La sensualidad de la voz de Alisson es indudable. Logra ese mix de rock duro y sensibilidad femenina que todo logra con solo entonar una nota. En cambio, la alcurnia british de Jamie Hince convive con el rocker inglés que hay en él, más aún después de sus nupcias con la princesa fashion del charme y de los excesos que es Kate Moss.

“The last goodbye” es una balada de esas que te carcomen el alma en las que te enfrentas con la verdad de un fin inevitable y doloroso. Y después del dolor, lo que viene es esa furia tan bien reflejada por esos acordes de guitarra para “Damned if she do” para un excelente tema donde el coro con el que finaliza cada verso del estribillo te transporta a más de un lugar inimaginable mientras “ella vuelve a la vida cuando se está muriendo”.

El ritmo frenético no da respiro cuando empiezan a sonar los primeros acordes de “You don’t own the road” y su letra urbana de lo que se le debe a una noche de luces en la ciudad, un cielo triste y azúl con “la culpa interpretada por un violín por aquellos que nunca se interesan por cantar”. Con “Pots and pans”, se cierra herméticamente el cofre con formato de CD en el cual Alisson y Jamie plasmaron sus visiones y pesadillas. Esta canción es un buen resumen de la idea del disco, de buenas melodías y riffs de calidad, con un clima ominosamente rockero y pesado, sin ser heavy pero de contundencia interpretativa.

Después de escucharlo, seguramente querrá volver a ponerlo en la PC o en el equipo de audio. Es lógico. Lo bueno siempre va a querer ser disfrutable más de una vez.

Mariela Morales: “La escuela debe trabajar junto con la familia”

2011-12-17T17:20:00.001-03:00

La educación siempre fue materia de discusión a gran escala. La profesora Mariela Morales realizó una interesante investigación al respecto que plasmó en su libro “Constructivismo en la escuela secundaria” (Editorial Maipue). El Caleidoscopio habló con la profesora y filósofa Mariela Morales que expone un interesante estudio a través del cual brinda otra forma de educar a los niños y adolescentes.

- ¿Cómo surge la chance de escribir "Constructivismo en la escuela secundaria"?

- La base del libro es una investigación realizada en la ciudad de Río Cuarto en un colegio que venía trabajando desde Jardín y Primaria con una fundamentación constructivista y no existía aún la secundaria. El desafío fue generar un modo de trabajo que continuase el camino de la primaria.

A medida que fuimos trabajando le fuí pidiendo a las profesoras que elaboraran informes de lo realizado concretamente en el aula analizando los trabajos de los chicos. Esto se sostuvo en forma continuada durante ocho años lo que permitió reunir elementos claros que mostraron que se iban logrando aprendizajes genuinos paralelos a actitudes de compromiso y capacidad de anticipación, lo que constituía nuestro objetivo central. Así surgió la idea de dar a conocer los fundamentos y resultados obtenidos para su difusión y posible replicación en otros ámbitos.

- ¿Por qué el constructivismo?

- Uno adhiere a una teoría cuando sus postulados son coherentes con su puesta a prueba a través de los hechos. Como decía Piaget: "¿Dónde está el límite entre lo que la razón nos permite alcanzar con seguridad y lo que los hechos nos obligan a rectificar? Ese límite puede irse corriendo sin desmentir los fundamentos sino ampliándolos a nuevas zonas. Es lo que creo pasa con el constructivismo.

- ¿Cómo describiría a esta corriente en pocas palabras?

- Nuevamente citaré a Piaget. Él decía, refiriéndose a la Epistemología Genética, su aporte esencial junto con la Psicología Genética, que su secreto simplemente estaba en haber tomado en serio a la psicología. ¿Qué quería decir con ésto? Que la filosofía pasó años teorizando sobre el conocimiento, sus fundamentos, su posibilidad, pero partiendo siempre del adulto. El gran descubrimiento de Piaget fue haber puesto de relieve que esa relación estudiada por la filosofía era un punto de llegada de un largo camino que se iniciaba con el momento mismo de nuestro nacimiento y aún antes. Es decir, que tanto la inteligencia como el conocimiento se construyen. Que no hay nada innato, salvo un poder constructivo que radica en la vida misma. Pues bien, llevar estos postulados a la escuela implica generar situaciones que favorezcan las construcciones y el descubrimiento por parte de los chicos.

- ¿Es posible una renovación metodológica a gran escala?

- Creo que todo cambio profundo debe ser gradual y progresivo. El objetivo debe ser lo más ambicioso posible: debe alcanzar la totalidad del sistema educativo, pues implica un cambio de paradigma fundamentalmente, pero el camino debe ser cauteloso, paso a paso, como el constructivismo mismo, avanzar de a poco pero sobre seguro.

- ¿Cree que ha cambiado la educación?

- Se van dando pasos pero no son suficientes.

- ¿Los profesores están a la altura de los avances tecnológicos?

Se ha intensificado la formación tecnológica de los docentes, sobretodo a partir del programa "Conectar igualdad", pero lo fundamental es una mayor formación teórica, no sólo en su disciplina, sino básicamente en los modos de lograr los aprendizajes por parte de los chicos. Aprendizajes genuinos, construidos por ellos, no repeticiones memorísticas.

- ¿Qué opina con respecto a la sentencia "antes había más respeto"?

- Creo que los adolescentes se manejan con códigos propios y les cuesta diferenciar los contextos, por eso el trato igualitario con sus profesores, que no necesariamente implica falta de respeto. El problema se genera muchas veces no del lado del adolescente sino de los profesores o incluso de los padres, que se colocan como pares de los chicos. Esto los confunde y puede ser peligroso.

- La escolarización puede "competir" con la educación y los valores que le brinda al alumno, su familia y su contexto?

- La escuela no debe encerrarse dentro de su ámbito exclusivo sino que debe trabajar con la familia, con el entorno a la par que lo hace con los chicos. Mostrar un modelo con su propia acción y escuchar las distintas voces que puedan presentar las familias. Crear un clima de respeto mutuo que permita que todos crezcan, sin discriminaciones de ningún tipo.